Стилистические направления в английском интерьере 1837-1900гг.

ВВЕДЕНИЕ
ГЛАВА 1. КУЛЬТУРА ВИКТОРИАНСКОЙ ПОВСЕДНЕВНОСТИ
1.1 Характеристика викторианской эпохи
1.2 Викторианский образ жизни
1.3 Характерные черты викторианской архитектуры
ГЛАВА 2. КЛЮЧЕВЫЕ ОСОБЕННОСТИ ВИКТОРИАНСКОГО ИНТЕРЬЕРА
2.1 Общая характеристика стилевых направлений в интерьере
2.2 Особенности английской мебели викторианского стиля. Мастера и их работы
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
ИЛЛЮСТРАЦИИ

Стилистические направления в английском интерьере 1837-1900гг.

Главная тенденция викторианского стиля — насыщенность деталями. С широкими креслами, диванами и шкафами, занимающими чуть ли не все пространство комнаты, постоянно соседствуют декоративные элементы: тумбочки, табуреты, подставки, подвесные полочки. Но на самом деле, невзирая на визуальную тяжеловесность, мебель мобильна. Благодаря небольшой массе предметы интерьера легко передвигать с места на пространство, меняя обстановку.
В Соединенном Королевстве, на родине стиля, чуть ли не весь год пасмурная погода. За окном — тусклые улицы, дождь, снег, холод. В противовес невзгодам природы художники нашли простое вывод: использование в декоре насыщенных цветов. Темно-зеленый, бордовый, ярко-желтый, оранжевый, красный, коричневый возвращают в лето. А кресла и диваны, в которых надо «утонуть», и исходящее от камина тепло позволяют хозяину забыть о прошедшем рабочем дне и погрузиться в мир отдыха.
На стенах — гобелены или обои со сложным орнаментальным рисунком, часто объемным, напоминающим барельеф. Мотивы —геометрические и растительные. Популярно изображение листьев — кленовых, дубовых и березовых, папоротников, а еще лесных цветов и ягод — ландышей, клевера, земляники.
Поверх обоев размером в треть или половину высоты стены прикрепляют панели из драгоценных пород дерева. Резьбы нет, но присутствует орнамент в классическом стиле: широкие прямоугольники, пилястры и «лопатки», как и на дверях. Лаком панели не покрывают. Глянцевый блеск — не для викторианского стиля.
Окна — высокие, по форме напоминающие перевернутый готический щит, как на соборе Парижской Богоматери. Они рассечены деревянными рамами на шесть-восемь равных частей, закрыты экранами из цветного стекла с орнаментальным рисунком в тон обоям и драпированными бархатными или парчовыми гардинами темно-зеленого или бордового цвета с золотыми кистями и бахромой.
Картины подвешивают на специальную рейку, сделанную из той же породы дерева, что и панели. На фоне обоев она почти не заметна. Рамки — объемные, тяжеловесные — выполнены в стиле рококо. Но их никогда не золотят и не серебрят. Мотивы резьбы — ракушечно-цветочные.
Картины викторианского стиля должны соответствовать атмосфере помещения — портреты, пейзажи, сюжетные зарисовки, но только не абстракции. Желательно, чтобы они не терялись на общем фоне. Тона произведений — предпочтительно контрастные.
Настенные часы делают тут же из нескольких пород дерева, отличающихся по цвету и соединяющихся в сложный рисунок. Допускается обрамление контура в золото или медь. Цифры циферблата — римские, из этого же металла, что и обрамление. Обязателен маятник. В викторианском стиле лишней она не будет.
Зеркала — в полный рост, с такими же рамками, как и у картин, — ставят напротив камина, окон или дверей. Рядом с зеркалами — декоративные деревянные крючки, на какие раньше джентльмены вешали собственные шляпы, а в данный момент их используют исключительно в эстетических целях. Лучше поместить на них винтажный зонтик или антикварные бинокли.
Камины выполняют из гранита, черного или красного, и обязательно в классическом стиле. Сам камин отгораживают металлическим заборчиком с готическими шпилями, выкрашенным в черный цвет, высотой 40–50 сантиметров.
В викторианском стиле практикуют два варианта оформления потолка. 1-й — нанесение побелки. 2-й — использование подвесных панелей из дерева на два-три тона светлее оконных рам и дверей. Люстра — малозаметная, из ткани (предпочтительно хлопковой или льняной), совпадающей по цвету с гардинами. Ее форма — овальная, пирамидальная или цилиндрическая. По стилю напоминает модерн, ставший популярным после викторианского.
Паркет выполняют из разных пород дерева, позволяющих основать сложный геометрический орнамент.
Ковер — круглый или квадратный — красного, зеленого или коричневого цвета. Занимает половину пространства пола, так, чтобы в поле зрения оставался паркет. Рисунок на ковре — травянисто-цветочный.
Обычно на пол ставят деревянные подставки для ног и для тапочек, напоминающие небольшой стол на ножках высотой пять-семь сантиметров. Сверху кладут стеганые бархатные или парчовые пуфики. Однотонные, как и гардины, с коричневой, желтой, оранжевой или золотой бахромой, гармонирующей с цветом ковра. К углам пуфиков нередко прикрепляют кисти.
Торшеры — на деревянной (не покрывают лаком) или гранитной основе, напоминающей дорический ордер, — с подобным же абажуром, как и у подвесной лампы, но гораздо меньшим по объему.
Кальяны — индийские. Высотой до 80 сантиметров. Их делают из стекла или хрусталя и стали, серебра или золота. Вазоны — под стать кальянам. Вывозят их из Индии. Выполняют из тех же металлов.
Без комнатных растений не обходится ни один интерьер викторианского стиля. Их ставят на пол (не на подоконник и не на стол), группируя в одном углу. Горшки —преимущественно глиняные. Однотонные. Непременный атрибут интерьера — урна с крышкой для прочитанных газет и журналов, для ненужных бумаг: писем, документов. Урну не следует выделять на фоне других аксессуаров. Наоборот, главное требование к ней — незаметность.
Настольные лампы по фактуре напоминают торшеры, а вазы — вазоны. Разница только в величине. А вот часы кардинально отличаются от напольных или настенных. Делают их из металла (золота, серебра, меди, стали, хрома) с вкраплением драгоценных и полудрагоценных камней. Формы — трапеция со срезанными углами, усеченный конус, полуовал. Циферблат — белый. Цифры — из этого же металла, что и корпус.
Пепельницы — из глины, гранита, золота, серебра, стекла. Единственное требование: они должны гармонировать с предметами интерьера (экранами, ширмами, камином и пр.).
Шкатулки — деревянные и металлические. По фактуре они должны совпадать или с настенными, или напольными, или настольными часами.
Подставки для ручек и карандашей — деревянные или гранитные, не отличающиеся изысканностью форм. Стиль, как и у камина, панелей и дверей, — классический. Подставки не должны выделяться. Но хорошо, если оттуда видны ручки (перьевые, шариковые) из драгоценных материалов в тон вазам и часам.
Скатерть — парчовая с бахромой и с орнаментом, повторяющим рисунок обоев, — менее площади стола. Цвета преимущественно темные.
Мягкая мебель: На нее кладут покрывала и думки в тон скатерти. Обязательно — с бахромой и с кистями. Или надевают чехлы. Снимают их только в том случае, если приходят гости.
2.2 Особенности английской мебели викторианского стиля. Мастера и их работы
С ростом интереса к искусству, уходящему от эстетических канонов, диктуемых со времен Ренессанса, в Англии 1830-1840 годов зародился интерес к примитивной живописи. Прекрасным примером этому служила коллекция, собранная принцем Альбертом. Он же стал в 1848 году одним из основателей общества, целью которого было воспроизведение «строгих и чистых стилей старинного искусства», чтобы возвысить «голос национальной школы живописи и скульптуры».11
Интерес к Готике впервые проявил себя в XVIII веке, когда великим примером являлся Горас Валпол (Horace Walpole). Интерпретации стиля появились уже в каталогах Чиппэндейла, Хепплвайт, Шератон, Смит (Chippendale, Hepplewhite, Sheraton, Smith). Эти образцы были включены в орнаменты средневековых декоративных мотивов похожих на бельведеры, остроконечные арки в форме трилистника. 12
Настоящим чемпионом готики был Август Вэлби Нормор Пьюждин (Augustus Welby Northmore Pugin) 1812-1852, который создавал мебель в готическом стиле для Виндзорского Дворца. Его последнее обращение к католицизму усилило свойственную ему религиозную страсть и породило новую интерпретацию готики как единственного настоящего стиля.
Для Пьюджна, который был единственным настоящим поклонником, это был настоящий стиль, основанный на христианской церкви. Все другие стили были для него не только языческими, но и неприемлемыми. Для него это было не просто использованием готических декораций для современных форм, а развитием нового направления в искусстве. 13
Пьюждин опубликовал книгу «Готическая мебель15 века», коллекцию рисунков, которые доказали свою значимость. Вскоре после, он работал с Чарльзом Бери над интерьером Вестминстерского Дворца, который остается до сих пор самым ярким примером ранней Викторианской Готики. В его принципах, опубликованных в 1841 году, были изложены два основных правила: здание не должно быть соединено ненужными элементами и все орнаменты должны быть в едином стиле. Декорации не должны существовать сами по себе.
Те ми же правилами он руководствовался и при создании мебели. Его основным вкладом в развитие Викторианского стиля было совмещение черт средневекового и искусства, противоположного сегодняшнему дню. Книга, опубликованная Пьюджином в 1849 году «Цветочные орнаменты» вдохновила многих дизайнеров и художников по интерьеру. Основываясь на учебнике по ботанике конца 16 века, Пьюджин использовал эти растения как элемент готического стиля. В 1851 году для Всемирной Выставки Пьюджин организовал жюри, которое вызвало недовольство среди других участников выставки.
Прерафаэлиты (от лат. prae – перед и Рафаэль) – английские художники и писатели, опиравшиеся в своем творчестве на искусство раннего Возрождения – до Рафаэля. Братство прерафаэлитов (Pre-Raphaelite Brotherhood – Прерафаэлитское братство) было основано в 1848 в Лондоне и просуществовало до 1853.
К их числу относятся: поэт и живописец Данте Габриэль Россетти (1828–1882), живописцы Уильям Холмен Хант (1827–1910), Джон Эверетт Миллейс (1829–1896), Томас Вулнер (1825–1892), Джеймс Коллинсон (1825–1881), Уильям Россетти (1829–1919), Джордж Стивенс (1817–1875) .14
Раскин был теоретиком, реформатором и писателем. Он верил, что любовь к его трудам ремесленников гарантирует высокое артистическое качество законченного произведения. Его учения дали возможность состоять в союзе с кружком ранних прерафаэлитов, которых он поддерживал в своих статьях. Членами кружка прерафаэлитов были такие мастера как Данте Габриэль Россетти (Dante Gabriel Rossetti), Вильям Холман Хант (William Holman Hunt), Джон Эверет Миллайс (John Everret Millais) и многие другие. Раскин принял пост в колледже, основанном христианским социалистом Вильямом Моррисом (William Morris). 15
Самыми знаменитыми из коллективных предприятий этого периода были оформительские работы для Оксфордского союза. Как-то раз Россетти зашел в Оксфорде к своему другу, дублинскому архитектору Бенджамину Вудворду, работавшему одновременно над новым зданием университетского музея и устройством нового конференц-зала для Оксфордского союза. Находясь под впечатлением от того, как была оформлена обновленная Баттер-филдом часовня в Мертон-колледже с ее потолком расписанным Полленом, Россетти сумел убедить Вудворда доверить группе его друзей-художников роспись стены над галереей, окружающей конференц-зал.
Так Бёрн-Джонс, Моррис, Джон Хангерфорд Поллен и сам Россетти, а также Спенсер Стэн-хоп, Вэл Принсеп, Артур Хьюз и Манро в роли их ассистентов, решились на эту затею, которая стала одним из самых замечательных моментов в истории прерафаэлизма, но обернулось одним из самых серьезных его поражений. Проект предполагал десять фресок, иллюстрирующих «Смерть Артура». Но никто из художников, кроме Поллена, не был хорошо знаком с этой техникой, и роспись поблекла, еще не будучи законченной. Как раз в это время Россетти открыл талант молодого поэта Алджернона Чарлза Суинбер-на, в то время еще студента колледжа, ставшего с тех пор одним из членов группы.
Работы по оформлению конференц-зала (в котором теперь находится библиотека Оксфордского союза) шли летом 1857 года. Царившая там исключительно приятная атмосфера - художники прозвали этот период «веселой работой» - и почет, которым был окружен Россетти, передаются в воспоминаниях Вала Принсепа: «Мы так веселились в Оксфордом союзе! Сколько шугок, сколько смеха! Россетти был планетой, вокруг которой мы все вращались. Мы даже копировали его манеру говорить. <...> Нашим возвышенным идеалом было Средневековье, а личности наши оформлялись в тени личности обожаемого нами Габриела»16. Это мероприятие притягивало в университет много любопытных. Среди частых посетителей можно назвать леди Паулину Тревелин, для которой Уильям Белл Скотт писал в то время восемь больших картин, предназначенных для ее частного владения, Веялингтон-холла. В последующие годы интерес к декоративному искусству в кругу прерафаэлитов только окрепнет.
С Уильямом Моррисом прерафаэлизм осваивает декоративное искусство.
В середине столетия жилой интерьер продолжает развиваться в сторону большей презентабельности; мебель этой поры характеризуют напыщенные формы, тщательная отделка деталей, богатый декор, чрезмерно развитая обивка с обилием плюша и бархата, темная, тяжелая цветовая гамма.
Виднейшие специалисты эпохи, отлично понимавшие, что искусство переживает полосу упадка, пытались найти спасительные формулы и рецепты. Критика писала уже об «уродстве» и «безвкусице» неорококо, однако предложить сколько-нибудь эффективные способы лечения этих уродств она не могла. Одним из мероприятий, с которым связывалось немало надежд, было основание музеев с действующими при них художественными школами (Лондон, музей и школа в Южном Кенсингтоне).17
Первое время казалось, что это начинание даст необходимые плоды; во всяком случае, на Лондонской всемирной выставке 1862 года новые учреждения продемонстрировали весьма обнадеживающие достижения в области развития эстетической культуры. Вскоре подобное учреждение было основано и в Вене (Восточно-австрийский музей искусства и индустрии, 1863 и действующая при нем Художественно-промышленная школа, 1868). Венский музей на протяжении длительного времени оказывал заметное влияние на развитие европейской художественной промышленности. В рассматриваемый период зарождается и само понятие «художественная промышленность».18
Творчество Уильяма Морриса в области прикладных искусств великолепно синтезирует приверженность медиевизму19 и все более утонченный и изысканный подход к декоративному искусству. Моррис увлекся созданием мебели и декоративных предметов, некоторым образом продолжая хранить верность прерафаэлитскому идеализму.
В 1861 году Вильям Моррис, Вэб и другие художники основали фирму, которая назвалась Моррис Маршалл Фолкнер и компания (Morris Marshall Faulkner & Co). Фирма занималась дизайном и декорацией интерьеров и производила предметы мебели, витражи, изразцовую плитку, ковры, обивочные ткани, обои, металлическую фурнитуру.
Уильям Моррис и его соратники были зачинателями знаменитого движения «Arts and Crafts» («Искусства и ремесла»). Это направление получило название «нового английского стиля», или «стиля Студии», по названию основанного ими же художественного журнала «The Studio». Своей деятельностью они, в сущности, заложили основы современной английской художественной промышленности.
За десять лет он сделал из нее одну из самых признанных мануфактур декоративно-прикладного искусства, и не только в Англии, но и в Европе. В 1877 году он даже открыл магазин на Оксфорд-стрит. В 1881 году все производства компании сосредоточились в Мертонском аббатстве графстве Суррей, недалеко от Уимблдона, где были собраны все мастерские.
Самым типичным примером были сделанные в Сассексе тростниковые стулья, пришедшие к нам с традиционным местным орнаментом. Обычно их делали из березы покрашенные в темные или зеленые цвета. Зеленый цвет был новшеством, которое ввел Форд Мадокс Браун, он часто использовал его в создании мебели. Мебель созданная компанией Морриса оставалась известной вплоть до 20 века. Больших изменений она не испытала. Закрылась фирма только в 1940 году.
Компания Моррис Маршал Фолкнер начала продажу своей мебели для Великой Выставки. На этом мероприятии также представили свои готические произведения Ричард Норманн Шо (Richard Norman Shaw) (рис. 8) и Вильям Берджис (William Burges).
Норманн Шо начал свою карьеру как архитектор, работавший в стиле Нео-Готики, перед тем, как обратиться к Старому Английскому стилю времен Королевы Анны и наконец Классическому Барочному стилю. Особый интерес привлекали тростниковые круглые сиденья, скамьи с высокопоставленными шпилями эпохи средних веков на своих спинках с подлокотниками буфеты и кровати, созданные в манере Веба и Берджиса, мебель созданная в японском стиле.
Интерьер Вильяма Берджиса характеризуется массивными конструкциями, частым использованием раскрашенных элементов и различного вида инкрустациями. Его фирменным знаком была просмоленная поверхность в подражании черепицы. Типичным примером является кабинет раскрашенный таким образом, что создается иллюзия того, что идет «соревнование между винами и пивом». Эту работу Берджис представил на всеобщей выставке в Лондоне. Теперь комната находится в музее Виктории и Альберта. Берджис был одним из первых, кто привил интерес к японскому искусству. Под его влиянием английская мебель стала более смешной и неестественной. Но темы Ренессанса продолжали появляться в его творчестве. Вильям Берджис построил и создал интерьер романтический Касстл Коуч (Castell Coch) и передекорировал замок Кардиф Састл (Cardiff Castle) для своего любимого клиента.
Еще одним известным мастером того времени в Англии был Брюс Талберт (Bruce Talbert). Больше являясь резчиком по дереву, чем архитектором Талберт работал для многих крупнейших мебельных мануфактур таких как: Давстоун (Doveston) Берд (Bird) и Сыновей Лондона (Sun’s of London) для которых в 1867 году он изготовил гардеробную. В том же году на Выставке в Париже за это свое изобретение он получил приз. Маленький кабинет, который сопровождал эту гардеробную, теперь находится в музее Виктории и Альберта. Этот образчик искусства является одним из первых самых известных на тот период. Паулин Агиус (Pauline Agius ) рассказывает о чертах стиля Талберта: «Стили очень разнообразные, много прямых линий, длинные металлические петли, круглые ручки (также металлические), лепка, украшенная зубчатым орнаментом и другими архитектурными мотивами, бесконечные узоры, эмалированные камни, барельефы, сложные покрытия, изделия, изображающие ласточкины хвосты и тд. 20
Последний мастер, о котором хочется упомянуть в этой части, является Чарльз Лок Истлайк (Charles Lock Eastlake) (см. ил. на стр. 36-37), опубликовавший в 1868 году «Намек и домашний вкус»(Hints and Household taste). Это издание было популярно и в США. Его идеи обладали чертами простой домашней мебели так характерной для Веба, Берджиса и Талберта. Вскоре Истлайк порекомендовал использовать натуральное дерево, неокрашенное и железо и медь для кроватей, которые, он считал, будут более практичны и гигиеничны.
Примерно в 60-е годы 19 века любители искусства, коллекционеры, артисты, художники, все они приняли участие определении новой концепции красоты и стиля, по-разному, оправдывая, это в названии этики, религии или эстетики. Спустя время новое осмысление этого вопроса последовало от таких людей как Джеймс МакНейл Уистлер (James McNeil Whistler), Алжернон Чарльз Свинберн (Algernon Charles Swinburne) и Оскар Уальд (Oscar Wilde) и выросло в движении под названием Эстетизм, чьи идеи были заимствованы из французского авангарда.
В разрез с концепцией чистоты форм, возвращением к искусству и высоким моральным стандартам установленными Раскиным, новые эстеты поддерживали идею «искусство ради искусства».
Тогда появился термин «искусство мебели» («Art furniture»).21 В 1868 году в издании Билдинг Ньюз (Building News), этот термин впервые был применен к некоторым произведениям искусства неоготического стиля, выполненными Волфордом (Walford) и Донкным (Donkin). Чарльз Локк Истейк дважды упоминает этот термин в своей публикации «Намеки и домашний вкус). Вскоре появилась фирма, называющая себя «Искусство мебели» (Art Furniture Company). 22