Греция, Возрождение

Рассмотрим историю европейского костюма 15 столетия на примере женского итальянского костюма, который вобрал в себя все модные тенденции не только одежды, но и политической, экономической, религиозной жизни. Нельзя сказать, что женский костюм этого периода отличался каким-либо новаторским подходом, скорее, наоборот: в костюмах читались античные традиции и наследственность стародавних времен.
Италия внесла свои коррективы в моду и стиль, в частности в женскую симару, которая теперь стала иметь высокую талию и рукава до пола. При ходьбе такое одеяние способствовало красивой драпировке. История костюма 15 века формировалась под влиянием английской культуры и традиционности. Результатом этого стала динамичность, легкость и грациозность одежды, которая передавалась и представительн ...

Введение………………………………………………………………………..3
1.Периоды эпохи Возрождения……………………………………….………5
2.Общая характеристика костюма…………………………………….……..13
2.1.Мужской костюм эпохи Возрождения…………………………..………15
2.2.Женский костюм эпохи Возрождения…………………………………...16
3.Иллюстрации………………………………………………………………...18
Список литературы

Эпоха Возрождения — период в истории культуры Западной Европы, который начался в Италии в конце XIII века, и продлился в большинстве европейских стран до XIV—XVI вв., а в Испании и Англии продлился до начала XVII века. Термин «Возрождение» первым начал употреблять Джорджо Вазари — итальянский художник XVI в., ученик Микеланджело и первый исследователь современного ему искусства, автор книги, «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Он хотел подчеркнуть этим названием особенный интерес, в свое время, к античности, возобновлению ее традиций. Среди ученых длятся дискуссии об основных чертах, сферах распространения, периодизации культуры Возрождения. Среди других обсуждается, в частности, и вопрос о том, является ли Возрождение сугубо европейским явлением.
По своему характеру эпоха Возрождения, или Ренессанса является переходной. С ней связан важный перелом в культурном развитии: конец господства средневековой культуры и начало формирования культуры Нового времени. Известный ученый Б. Р. Виппер, так определил суть Возрождения: «Эпоха Возрождения, одна из наиболее интересных и полноценных эпох в истории человечества, это синоним личной свободы, совершенства, в искусстве, красоты в жизни, гармонии физических и духовных качеств человека... Ренессанс был не стойким и спокойным, а бурной и противоречивой эпохой. Ренессанс — это период становления буржуазного общества, период, когда спадают оковы средневекового уклада, но ограничивающие условия капиталистического общества еще не успели оформиться».

4
Эпоха Возрождения и Реформации в истории мировой культуры имеет революционную, поворотную роль. Нельзя назвать такую сферу культуры, в которой бы не возникли явления, процессы, которые определили все последующее развитие, вплоть до современного их состояния:

1. На смену церковному мировоззрению, которое господствовало безраздельно, приходит новый взгляд на мир, в центре которого стоит человек, гуманизм;

2. В науке вместо умозрительности, далеких от действительности логических построений возникает опытное природоведение и, как результат этого, осуществляется огромный шаг вперед в познании окружающего мира и самого человека, возникает специализация в науке;

3. Объектом изучения становится и само человеческое общество, начинаются поиски путей его справедливого уклада;

4. Образуются современные национальные европейские литературы и профессиональный театр;

5. Уникальным является исторический феномен ренессансного искусства, которое дало человечеству самые величественные произведения.

Научная продуманность, тщательный расчет сразу обращают на себя внимание во фреске «Тайный ужин», выполненной на стене трапезной доминиканского монастыря вблизи Милана. К теме, которая трактовалась многочисленное количество раз, Леонардо подошел по-новому, сумев передать психологический конфликт, открытым проявлением сильных чувств.
Наиболее знаменитая картина Леонардо да Винчи и, наверно, всей мировой живописи — портрет Мони Лизы, жены богатого флорентийца Франческо дель Джокондо. «Джоконда» — принципиально новый портрет, так
10
раньше никто не писал. При внешней недвижимости модели художник передал «жизнь душе», заложив, таким образом основы психологического портрета.
В искусстве высокого Возрождения центральное место окончательно занял человек. Образ прекрасной, гармонично развитой, сильной телом и духом человека становится главным содержанием искусства.
Рафаэль Санти (1483—1520 гг.), родом из Урбино, провел в молодости несколько лет в Флоренции, многим обязанный ее искусству. Рассуждая о своеобразии творчества Рафаэля, известного искусствовед Б.Р.Виппер пишет:
«Леонардо превосходит его силой интеллекта, Микеланджело — более могучий, Джорджоне — более мелодичный, Тициан — более красочный, более прекрасный. Но дело в том, что у него есть и большая сила интеллекта, и могучая фантазия, и утонченность». Гений Рафаэля соединил, синтезировал творческие достижения предшественников. Считается, что всех своих больших современников Рафаэль превзошел в мастерстве композиции.
В творчестве Рафаэля нашел многогранное воплощение образ Мадонны. На эту тему им написано множество картин, наиболее прославленная из которых — «Сикстинская Мадонна». Картина была алтарным образом в церкви святого Сикста монастыря четырех монахов в небольшом городе Пьяченце. Впоследствии монастырь заставили продать картину правителю Саксонии. В конце второй Мировой войны вместе с другими картинами Дрезденской галереи она была найдена советскими солдатами в покинутой каменоломне и спасена.
Рим не имел собственной художественной школы, однако он становится в начале XVI века важнейшим центром искусства Италии, чему способствовала политика папского двора. Большая часть творческой жизни Рафаэля прошла в Риме. Самой значительной его работой была роспись четырех станц (станцы — большие комнаты, залы) папского дворца в Ватикане. Наиболее знаменитые фрески Станцы делла Сеньятура (зал заседаний папского церковного суда).
11
Сюжеты четырех фресок на ее стенах — аллегории разных сфер духовной деятельности человека. Пронизана духом Ренессанса фреска «Афинская школа» (апофеоз философии). Рафаэль располагает композицию так, вроде бы античный портик продолжает пространство комнаты. В центр он вмещает фигуры Платона и Аристотеля — мыслителей, которые воплощали два пути познания мира, — идеалистический и материалистический. Их окружают другие античные философы.
Рафаэль прожил всего 37 лет, но осуществил очень много, довел до конца большие начинания, смерть прервала последнюю его работу — руководство строительством храма Святого Петра в Риме.
Микеланджело Буонарроти (1475—1564 гг.) прожил долгую и трагическую жизнь, полную больших свершений. То, что он создал, — грандиозное и по масштабу творений, и по силе образов. Отданный гуманистическим идеалам, он прославлял силу и свободу человека. Микеланджело стал свидетелем краха этих идеалов, уничтожения республики, разгрома Рима. Главной темой его творчества становится пафос борьбы. Учился он в родном городе — Флоренции, но в его творчестве не чувствуется влиянию учителей. Микеланджело считал себя в первую очередь скульптором. Его прославила мраморная статуя «Давид». Вазари писал, что она «забрала славу у всех статуй: современных и античных, греческих и римских». Специальная комиссия самых выдающихся художников решила установить эту статую перед дворцом Синерии в Флоренции, что закрепило за ней гражданское значение, сделало символом борьбы за республику и независимость.
В Риме Микеланджело на заказ Папы выполняет росписи Сикстинской капеллы. На это пошло 4 года работы (площадь фресок — 600 квадратных метров). Художник использует библейские сюжеты — сотворения мира, большой потоп, но творит не смиренные христианские обиды, а могучие,
12
титанические фигуры. Это — гимн человеку, его красоте, силе, творческому началу. Впечатление от живописи Микеланджело современники определяли термином, который не многословен и звучит, как «грозное величие».
Во время восстания в Флоренции в 1527 г. (изгнание Медичи) и осады города Микеланджело был на стороне республики, ведал строительством оборонных сооружений. После поражения он был вынужден скрываться. Как условие прощения ему было выдвинуто требование закончить сооружение капеллы Медичи. Понятен трагизм созданных им в это время скульптур (аллегории Утра и Вечера, Дня и Ночи).
Через три десятилетия Микеланджело возвращается в Сикстинскую капеллу и расписывает алтарную стену — фреска «Страшный суд». Он рисует образ общечеловеческой катастрофы, что было созвучно трагическому краху гуманистических идеалов, который происходил на его глазах. Это произведение вызывало могучую общественную поддержку и резкое осуждение церкви, вплоть до намерения Папы уничтожить роспись, которую все-таки побоялись осуществить и заменили приказом «одеть» обнаженные фигуры (несколько художников дорисовывали драпировки, которые уже в наше время, в ходе реставрации, убраны). Из всех архитектурных, проектов Микеланджело, наиболее грандиозным творением является купол собора Святого Петра, в Риме.
Дольше других районов Италии независимость хранила Венеция, где сложилась яркая и самобытная художественная школа. Зенит венецианского Ренессанса — творчество Тициана (1477—1576 гг.), который оставил огромное наследство. Он написал множество портретов. «Не было такого именитого человека, обладателя или знатной дамы, которые не были бы изображены Тицианом», — писал Вазари. Это был новый шаг в портретном искусстве. Тициан создает образы сложные, противоречивые, особенно в поздних работах. Многие художники учились в Тициана мастерству изображения света,
13
разлитого по всей картине. Его идеал жизнерадостный, жизнеутверждающий. Главная особенность живописи Тициана — богатство колорита («Венера», «Любовь земная» и «Любовь небесная», «Кающаяся Магдалина»). Одна из последних картин Тициана — «Святой Себастьян» по трагизму созвучная последним работам Микеланджело.
К концу XVI в. именно в живописи, наиболее сильным оказался кризис эпохи Возрождения. Направление в искусстве того времени называют манеризм: художники копировали технические приемы высокого Ренессанса, повторяли образы, использовали живописные открытия, но прежнего пафоса, силы мысли, гуманистической глубины, уже не было. Все большую роль начинает играть внешняя нарядность, декоративность.
Итальянское искусство оказало глубокое влияние на искусство Германии (А.Дюрер), Северной Европы (П.Брейгель, старший, И.Босх), Испании (Ель-Греко).
2. Общая характеристика костюма
Костюм 15 века.
История костюма 15 века, в частности его итальянской части, воспринималась как очень простая и конструктивная составляющая общей моды, собственно как и эпоха 15 века. Одежда начинает меняться под напором таких стран как Германия, Бургундия и Франция.
Костюм 16 века.
Одежду этого исторического периода определили мягкие линии
14
Готического стиля, который был распространен в Европе и мотивы итальянского Возрождения. Далее история костюма 16 века стала характеризоваться блочностью североевропейского возрождения и эпохи Тюдоров. 16 век считался переходным не только в историческом плане, а и в модных веяниях. За незначительный временной период мода могла измениться до неузнаваемости. Такая изменчивость легко объяснялась экономическими, социальными, политическими переменами, которые попросту не могли пройти не оказав влияние на костюмы того времени.
Люди постепенно начали привыкать к повсеместным изменениям, поэтому и на новую моду в костюмах реагировали соответствующе. Казалось, все общество не сможет столь быстро реагировать на модные тренды, поскольку они менялись почти еженедельно. На своем пике история костюма 16 века переходит в более консервативное русло развития. Мода костюмов начинает приобретать все более осмысленный характер: появляются костюмы с акцентом на статус и дороговизну, удобство и дешевизну, климатические особенности и т.д. Женские платья стали более линейными, при этом происходит утрата гибкости. Популярность приобретают жесткие женские уборы, которые удерживают волосы. При этом, как и в 15 веке сохраняется любовь к разноцветным тканям.
Костюм 17 века.
История костюма 17 века стала несколько сложнее и дифференцированнее. В 17 столетии заострились противоречия между населением в Европе на классовой, религиозной и национальной почве, эти противоречия нашли свои отражения и в моде. В то время появилось много протестантских обществ, которые внесли свое понимание моды, в частности они ввели так званные ровные костюмы, которые носят некоторые представители меннонитов и сегодня.
15
 Особенность этой одежды состояла в полном игнорировании модных стилей и моды как таковой. Католики, которые придерживались консервативных взглядов, продолжали носить ту же одежду, что и в 16 столетии. История костюма 17 века не претерпела радикальных перемен и по отношению к крестьянам. Мода сохранила черты прошедшего столетия, костюмы были жесткими, урезанными и буфованными, это был так званный «Якобитский» одежный стиль. Впрочем, нельзя сказать, что 17 столетие не принесло абсолютно никаких изменений, женские платья этого периода стали обтягивать более мягкими и тактильно приятными тканями, воротники постепенно ставали накрахмаленными, но в меньшей мере.
2.1.Мужской костюм эпохи Возрождения
  Изменился и мужской гардероб, брюки стали изготовлять более длинными формируя тем самым несколько удлиненный силуэт и выразительность. Большой популярностью стали пользоваться как женские, так и мужские парики. Визуально эти парики способствовали удлинению силуэта.
Молодые люди и в античное время, и в период Возрождения носили короткие костюмы, основанные на античной тунике, с добавлением рукав и необычных деталей. Такой костюм (джиорнеа), достигал до колен, или был короче и открывал узкие штаны.
В период Ренессанса и драпировка костюма и деление её поясом пополам оформляется портными. Несмотря на то, что ткань была жесткой, все же
16
портные сшивали округлые фалды. Другой вид плащей (тапперт), имел гладкую форму и воспринимался как церковное облачение. Так же был плащ с вшитыми рукавами и широким воротником, такой плащ носили в основном ученые и мужчины более старшего возраста. Эта классическая одежда эпохи Ренессанса сохранилась до наших дней, она используется во время официальных университетских церемоний. История этого плаща начинается с Франции, а в Италии такой плащ носили, когда в эпоху ренессанса выдающуюся роль начали играть ученые и поэты, и эта одежда приобрела свое настоящее значение.
Главной законодательницей моды в XV в. была Флоренция, в XVI в. — Венеция. В Венецианском мужском костюме все реже используют пестрые и яркие ткани. Используя конструктивные решения, одежда расширяется в объеме: спускают плечи, используют широкие, внизу суженные рукава. На фоне бархата более отчетливо видна вышивка или отделка дорогим мехом.
2.2.Женский костюм эпохи Возрождения
Рассмотрим историю европейского костюма 15 столетия на примере женского итальянского костюма, который вобрал в себя все модные тенденции не только одежды, но и политической, экономической, религиозной жизни.  Нельзя сказать, что женский костюм этого периода отличался каким-либо новаторским подходом, скорее, наоборот: в костюмах читались античные традиции и наследственность стародавних времен.
Италия внесла свои коррективы в моду и стиль, в частности в женскую симару, которая теперь стала иметь высокую талию и рукава до пола. При
17
ходьбе такое одеяние способствовало красивой драпировке. История костюма 15 века формировалась под влиянием английской культуры и традиционности. Результатом этого стала динамичность, легкость и грациозность одежды, которая передавалась и представительнице прекрасного пола. Впрочем, такая грациозность была свойственна только представительницам высшего общества. Обычные горожанки носили скромные, но при этом довольно красивые платья. 
Важным нововведением в истории костюма 15 века стали узкий лиф в сочетании с юбкой в сборке, такой наряд был очень популярен на территории Италии. До этого столетия женское платье не существовало как таковое, его успешно заменяли коты, которые были визуально схожи с платьями. Гардероб любой женщины того времени в значительной степени зависел от ее материального состояния. Следствием этого стал довольно резкий контраст между обычными горожанками и знатными флорентинками. Такая краткая история женского костюма 15 столетия.
 В 16 веке все общество было полно новых и неиспробованных идей, которые иногда казались парадоксальными, иногда фантастическими. Нечто схожее происходило и в истории костюмов 16 века, они просто трещали, были слишком жесткими и неудобными. Женский гардероб идет в ногу с мужским, увеличивается пышность одеяний за счет вставок и обручей, женщины все больше начинают походить на большие и затянутые шкафы.
16 - 17 век в моде можно по праву назвать веком воротников, именно в этот период времени этот элемент одежды очень сильно увеличивается в размерах и стает крайне неудобным, до того исторического момента, когда его не разрежут на две части. В истории костюмов 17 века начался новый этап: знатные женщины начали носить более сексуальную одежду