Мюзикл

Содержание

Введение ………………………………………..3

Мюзикл и его начало ……………………...4

Зачатки мюзикла и его корни ………………………4

Мировой мюзикл ……………………………………………..6

История некоторых мюзиклов ………10

Chicago ……………………………………………………………..10

42 street ……………………………………………………………13

Notre-Dame de Paris ………………………………………..13

Cats ……………………………………………………………………18

Звезды мюзиклов ………………………….21

Винсенте Миннелли ……………………………………….21

Жак Деми ………………………………………………………….22

Эндрю Ллойд-Уэббер ………………………………………23

Вывод …………………………………………..26

Литература ………………………………..27

Введение

В драмтеатре можно ставить все. Может идти комедия. Может идти трагедия. Мюзикл - дело другое. Мюзикл и трагедия - две вещи несовместные. Тут главное - хиты, музыкальные и танцевальные. Конечно, если иметь в виду классический американский мюзикл. В современных мюзиклах элемент драматизма сильнее. Мюзиклы прекрасны независимо от того, написаны они для сцены или для широкого экрана.

Происхождение мюзикла теряется в глуби времен. В его истории много страниц: и спектакли Мольера с музыкой Люлли, и темные салуны Арканзаса с песнями-плясками неясного происхождения. Мюзикл в самом общем виде - это сценический, кино- или телепродукт, который использует поп-песни и поп-танцы для того, чтобы рассказать сюжет (а не сделать перебивку, как, к примеру, в индийском кино) или просто показать товар (то есть исполнителей) лицом - без внятного сюжета. Классический американский мюзикл проник повсемирно благодаря Голливуду.

История мюзикла

Зачатки мюзикла и его корни

В мюзикл вошли многие виды искусств: комическая опера, оперетта, пародия, феерия, музыкальная комедия и т.д. Мюзикл имеет корни в разнообразных водевилях, музыкальных шоу средних веков.

Еще в далекой Греции в амфитеатрах шли первые музыкальные представления. Древние греки включали танец и музыку в поставках своих комедий и трагедий уже в V веке до нашей эры. В то время как афинские драматурги пересказывали существующие песни, Софокл придумывал свои песни. На сценах амфитеатров на открытом воздухе ставились пьесы, пьесы были разными: политическая сатира и социальная, игра жонглеров, и даже юмор сексуального характера, словом, показывали пьесы, которые могли развлечь народ. Песни обычно исполнял хор, который комментировал действа, но хор также занимал свое место на сцене и сольные выступления не встречались. Никаких источников древнего музыкального комментирования не сохранилось, поэтому немного пьес дошло до наших дней. Так как эти музыкальные выступления не имели никакого прямо эффекта на развитие современного музыкального театра, они доказывают, что идеи мюзикла зародились еще 2500 лет назад.

Римляне скопировали и расширили формы и традиции греческого театра. В III веке до н.э. комедии Платона включали песни и элементы танца, которые сочетались и являлись единым целым всего действа. Чтобы сделать более ярким танец в больших открытых театрах, римские актеры прикрепляли к обуви металлические пластины. Поскольку театр на воздухе вмещал в себя тысячи людей, то было необходимым акцентировать внимание зрителей на самом представлении и специальных эффектах. Если римскому театру способствовала греческая литература, то музыкальная комедия унаследовала зрелищность и многочисленные технические достижения.

В средневековье культурным оплотом Европы являлись путешествующие менестрели и бродячие труппы, которые исполняли популярные песни и показывали комедии. В XII – XIII веках была принято изображать религиозные драмы. Некоторые из этих драм дошли до нас, например, «Пьеса Герода» и «Пьеса Даниэля». Предназначенные как религиозные инструменты наставления, основанные на церковном пении, эти пьесы развились как самостоятельная форма музыкального театра.

В некоторых из музыкальных произведений интересней всего поэтические формы – часто, как своего рода часть пьесы – чередуются с прозаическими диалогами и литургическим пением. Иногда доходило то того, что почтив весь текст был сложен в стихах с небольшими (или вообще отсутствием таковых) вступлениями литургических песен. Хорошо заметно это в «Пьесе Даниэля».

Музыкальные пьесы достигли вершины своего расцвета в эпоху Возрождения в комедиях, в которых хриплые клоуны рассказывали о своих похождениях, используя известные истории. Этими клоунами были Арлекино, Пульцинелла и Скарамуч – эти клоуны уставили стиль для западной комедии в течении многих лет. Формально музыкальный театр был редок для Возрождения, но Мольер поставил несколько пьес в виде комедии с песнями (музыка была написана Джином Баптистом Лаллайом), когда Луи XIV узаконил песни и танцы в конце 1600 годов.

К 1700 годам в Англии, Франции и Германии встречались две формы музыкального театра – оперы-баллады и комические оперы.

Опера существует с конца 1500 годов, но современный музыкальный театр и фильм – не прямые потомки оперы. Однако оперу можно назвать потомком классического театра. Когда авторы и композиторы эпохи Возрождения пытались возродить греческую драму, они добавили в нее музыку, что в конечном счете привело к рождению оперы.

Мелодии оперы были частью популярной культуры 1800-ых и в начале 1900-ых, поэтому они в некотором роде повлияли на музыку театров того времени. Однако, так называемые «комические оперы», которых было много на Бродвее в конце 1880-ых и 90-ых годов, не являлись оперой как таковой. Производители называли эти шоу «комическими операми», чтобы придать им более высокую оценку, и в таких «операх» звучали длинные диалоги, сопровождавшиеся музыкой. Это и являлось мюзиклом. Однако многие факты, такие, скажем, как юридические ограничения, заставили развиваться мюзикл дальше.

Мировой мюзикл

Мюзикл как сценический жанр появился в США в конце 19 начале 20 века, а в 1920-е годы мюзиклы начали экранизировать, что сделало этот жанр еще более популярным. Пожалуй, киномюзикл единственный жанр, так тесно связанный со взлетами и падениями Голливуда. Один из первых звуковых музыкальных фильмов «Певец джаза» (1927) с участием бродвейской звезды Эла Джолсона в строгом смысле слова нельзя назвать мюзиклом, это была только заявка, но уже в следующем фильме «Опытный певец» (также с участием Джолсона) обозначились жанровые музыкальные черты ленты. В 1929 на экраны вышел мюзикл «Бродвейская мелодия», став одним из самых кассовых фильмов того времени. Кроме того, эта картина первая среди мюзиклов была удостоена премии «Оскар».

В 1930-е годы, золотой век Голливуда, популярность киномюзикла растет благодаря ведущему голливудскому хореографу-постановщику Б. Беркли, который сумел придать этому жанру стремительный электризующий характер. В его известных мюзиклах «Золотоискательницы 1933 года» (1933), «42-я стрит» камера Беркли постоянно в движении: то скользит вдоль зеркальной поверхности пола, отражающего стройные ноги танцующих, то устремляется вверх, где мелькают их руки.

Другим королем мюзикла 1930-х годов был замечательный танцовщик Фред Астер, выступавший со своей постоянной партнершей Джинджер Роджерс. Актер был не только постановщиком танцев в мюзиклах, но и автором песен («Сногсшибательная шляпа», 1935, «В ритмах свинга», 1936, «Потанцуем», 1937 и др.)

1941 годом датирована яркая музыкальная комедия «Серенада солнечной долины», которую обессмертил выдающийся джазовый музыкант Глен Миллер и его оркестр. В Россию эта лента попала только после войны вместе с другими трофейными фильмами, но сразу же завоевала бешеную популярность. Мелодии из этого фильма напевали повсюду.

Ни одна из голливудских студий не хотела отставать в области мюзикла. Но, пожалуй, ведущей студией по производству наиболее удачных мюзиклов стала Метро-Голдвин-Мейер (МГМ). В 1940-е и в начале 1950-х годов, когда жанр мюзикла достиг своего пика, засверкали звезды Джуди Гарленд («Встретимся в Сент-Луисе», 1944, В. Миннелли), Риты Хейворт («Девушка с обложки», 1944), Джина Келли и Стенли Донана («Увольнение в город», 1949, «Пение под дождем», 1952, «Всегда прекрасная погода», 1955).

В 1961 на экраны вышла «Вестсайдская история» Р. Уайза, ставшая настоящим потрясением, соединив в себе волшебную музыку Л. Бернстайна и полную драматизма отточенную хореографию Дж. Роббинса с остросоциальной проблематикой сценария. Фильм совершенно был удостоен сразу нескольких премий «Оскар».

Одной из лучших экранизаций тех лет стала также «Моя прекрасная леди» (1964) на музыку Ф. Лоу. Попытку совмещения, казалось бы, несоединимых жанров анимации и мюзикла предпринял Уолт Дисней в фильме «Мери Поппинз» (1965).

Среди американских мюзиклов последующих десятилетий следует выделить «Смешную девчонку» (1968) с Б. Стрейзанд, «Кабаре» (1972) с Л. Миннелли режиссера и хореографа Б. Фосса, «Весь этот джаз» (1979) также Б. Фосса, «Томми» (1975) К. Рассела,«Волосы» (1979) М. Формана, «Слава» (1980) А. Паркера. В 1970-е годы взошла звезда талантливого английского композитора Э. Ллойда Веббера. Его лучшие мюзиклы были экранизированы и до сих пор идут на экранах с большим успехом «Иисус Христос — суперзвезда_” (1973, режиссер Н. Джуисон), «Эвита» (1994), за песню «Любите меня» из которого композитор был удостоен премии «Оскар».

Мюзикл во всем мире воспринимается прежде всего, как американский жанр, но и в других странах к нему также обращались ведущие режиссеры во Франции Ж. Деми поставил свой самый известный фильм «Шербурские зонтики» (1964) с чарующей музыкой М. Леграна, одухотворяющей лирическое повествование о любви. Фильм был удостоен главного приза на Международном кинофестивале в Канне. В 1968 в Великобритании был поставлен мюзикл К. Рида «Оливер!» (премия «Оскар», 1968), трогательная и одновременно динамичная история героя романа Ч. Диккенса.

В советском кино мюзикл не имел таких четко очерченных рамок, как в американском, и всегда тяготел к музыкальному фильму. И все-таки, несмотря на размытость границ в определении жанра, среди огромного количества советских музыкальных фильмов можно выделить ленты, родство которых с мюзиклом не вызывает сомнений. Это «Айболит-66» (1967) Р. Быкова, «Мелодии Верийского квартала» (1973) Т. Шенгелая, «Романс о влюбленных» (1974) А. Михалкова-Кончаловского и некоторые другие. Успешно в жанре мюзикла-экранизации работают режиссер Л. Квинихидзе (Соломенная шляпка, Небесные ласточки, 31 июня, «Мэри Поппинс, до свидания!»), В. Воробьев («Свадьба Кречинского»), Е. Гинзбург («Веселапя хроника опасного путешествия», «Остров поргибших кораблей»). Особое место среди телевизионных мюзиклов занимают музыкальные телефильмы М. Захарова “ Двенадцать стульев», «Обыкновенное чудо» (музыка Г. И. Гладкова) и другие.

История некоторых мюзиклов

Chicago / Чикаго

История об "убийстве, жадности, продажности, насилии, эксплуатации, прелюбодеянии и предательстве" началась 11 марта 1924 года в городе Чикаго, штат Иллинойс. В этот день в газете "Chicago Tribune" вышла статья журналистки Морин Даллас Уоткинс о некой Белве Гэртнер, актрисе варьете, убившей своего бойфренда. На суде Гэртнер заявила, что была настолько пьяна, что не помнит, как застрелила приятеля. "Джин и пистолеты сами по себе довольно опасны, но вместе они создают огромные проблемы", - любила повторять она.

Как и в наши дни, рассказы о преступлениях на сексуальной почве были особенно популярны у читателей. Третьего апреля 1924 года вышла еще одна статья Уоткинс, под заголовком "Убийца ставит пластинку с джазом в то время, как ее жертва умирает". На этот раз речь шла о замужней женщине по имени Бьюла Эннэн, застрелившей своего любовника. Тот скончался под аккомпанемент популярного в 20-е годы фокстрота Hula Lou, под эту же музыку Бьюла рассказала своему мужу о том, что произошло.

Шумиха, сопровождавшая эти и другие криминальные истории, произвела сильнейшее впечатление на Морин. Позднее, оставив газету, она отправилась изучать драму в Йельский университет. Именно там, в качестве учебного задания, ею была написана пьеса "Чикаго".

Морин не только получила за свою работу самый высокий балл в классе: 30 декабря 1926 года спектакль "Чикаго"открылся на Бродвее. Пьеса выдержала 182 представления, в 1927 году был снят одноименный фильм, а в 1942 вышла картина "Рокси Харт" режиссера Уильяма Вельмана с Джинджер Роджерс в главной роли. К сожалению, пьеса "Чикаго" оказалась единственным заметным произведением Морин Даллас Уоткинс.

Неудивительно, что Боб Фосси, знаменитый хореограф и бродвейский режиссер, известный своим откровенным и чувственным стилем, не смог пройти мимо такого сюжета. Впервые он задумался о постановке в середине пятидесятых, однако долгое время ему не удавалось уладить вопрос с правами.

Для реализации проекта Фосси привлек композитора Джона Кандера и либреттиста Фрэда Эбба, которые уже успели покорить Бродвей своими мюзиклами "Кабаре" и "Зорба".

Судебные процессы в Чикаго 20-х годов были частью шоу-бизнеса, в котором были свои импресарио, подмостки, система звезд, и даже собственные обозреватели - в лице крайне субъективных репортеров. Этот мотив и вышел на первый план мюзикла. Партитура "Чикаго" представляет собой блестящую стилизацию под американские шлягеры конца 20-х годов. В те времена все еще был популярен "водевиль" - разновидность варьете. В нем, наряду с певцами, танцорами и комиками выступали артисты оригинального жанра - акробаты, силачи, трансформаторы, дрессировщики, иллюзионисты и тому подобное. Любопытно, что основным требованием к номерам (особенно это касалось шуток и скетчей) было их пристойное содержание. По способу подачи музыкального материала и его тематике "Чикаго" очень близок к этому жанру (не случайно первоначально у шоу был подзаголовок - "музыкальный водевиль"). Каждая песня объявляется как отдельный номер, и, фактически, комментирует события, а не является частью сюжета (этот же прием использован в мюзикле "Кабаре"). Кроме того, в спектакле присутствуют персонажи, характерные для водевиля - чревовещатель, белый клоун, актер, изображающий женщин.

Премьера мюзикла состоялась в театре "46 Улица" 3 июня 1975 года с Гвен Вердон в роли Рокси, Читой Ривера в роли Вельмы и Джерри Орбахом в роли Билли. В шоу также непродолжительное время играла Лайза Минелли. Когда Вердон оставила мюзикл, ее место заняла ученица и протеже Фосси, Энн Ринкинг.

"Чикаго" было хорошо встречено публикой. Однако в том же году состоялась премьера мюзикла, который отодвинул "Чикаго" на второй план. Речь идет о "Кордебалете", оставившем работу Кандера и Эбба без наград (из 12 номинаций на "Тони" спектакль "Чикаго" не выиграл ни одной) Моментально став хитом сезона на Бродвее, "Кордебалет" довольно скоро был поставлен в Лондоне, в то время как "Чикаго" открылось в Уэст-Энде только в 1979 году. Эта постановка не имела ничего общего со спектаклем Боба Фосси.

Спустя 898 представлений на Бродвее и 600 показов в Уэст-Энде, шоу было закрыто и, возможно, осталось бы одним из многих недооцененных мюзиклов, если бы не было возобновлено Уолтером Бобби и хореографом Энн Ринкинг в 1996 году. Бобби и Ринкинг не стремились воссоздать хореографию Фосси; скорее, новый спектакль должен был стать посвящением талантливейшему хореографу. В результате у них получилось шоу, которое вполне могло бы принадлежать Бобу Фоссу, однако его концепция была иной. Постановка была еще более минималистской и еще более вызывающей. Авторы предложили шоу в чистом виде - блестящее и циничное, без намека на иронию, предоставив публике самой искать в происходящем скрытые смыслы и аллюзии.

"Чикаго" был удостоен шести премий "Тони", в том числе в номинациях "Лучший восстановленный мюзикл", "Лучшая хореография", "Лучшие световые эффекты" и "Лучшая режиссура", а также премии "Грэмми" за лучший альбом.

Как ни странно, тема мюзикла не перестала быть актуальной. То, что в 70-х казалось мрачной сатирой, теперь стало частью повседневной жизни американцев. Процесс по делу O. Дж. Симпсона или, скажем, скандальная история Моники Левински являются тому подтверждением. Благодаря телевидению и прессе они вошли в каждый дом и превратились в захватывающее reality show. Теперь, вместо того, чтобы шокировать зрителя, персонажи "Чикаго" приглашают его в опасный, но соблазнительный мир скандальных историй и манипулирования общественным сознанием.

Сорок вторая стрит

Мюзикл "Сорок Вторая улица" ("42nd Street") занимает второе место по продолжительности жизни на сцене среди всех бродвейских шоу - он был сыгран 3 486 раз. Первое место принадлежит мюзиклу "Кордебалет" ("A Chorus Line"). Оба эти шоу посвящены закулисной жизни театра и демонстрируют достижения блестящих американских хореографов, оба завоевали награду Тони в категории "Лучший мюзикл" и оба были оформлены одной и той же командой: за декорации отвечал Робин Вагнер (Robin Wagner), за костюмы - Теони В. Олдридж (Theoni V. Aldreddge), а за свет - Тэрон Массер (Tharon Musser).

Как-то раз, в 1978 году, во время постановки "Большого тура" ("The Grand Tour") Майк Стюарт (Mike Stewart) и Марк Брэмбл (Mark Bramble) сидели в кинотеатре Карнеги Холл и смотрели музыкальный фильм 1933 года "Сорок Вторая улица". "Жаль, что мы работаем не над этим", - сказал один из них другому... Так родилась идея величайшей бродвейской "феерии песни и танца".

Первоначально Стюарт и Брэмбл собирались привлечь к работе над партитурой композитора и автора песенных текстов Джерри Хермана (Jerry Herman) ("Hello, Dolly", "Mame", "La Cage aux Follies") вместе с которым они работали над шоу "Большой тур". Джерри настоял на том, что в новом мюзикле необходимо сохранить мелодии Гарри Уоррена (Harry Warren), использованные в фильме: невозможно было обойтись без "Shuffle off to Buffalo", "You Are Getting to Be a Habit with Me" и заглавной песни - "42nd Street". Однако этим советом и ограничилось участие Хермана в проекте. Всего в мюзикл вошло двенадцать песен Гарри Уоррена, написанных им на тексты Эла Дабина (Al Dubin) в период работы на киностудию Warner Brothers.

Продюсером шоу стал Дэвид Меррик (David Merrick). Когда потенциальные инвесторы сообщили ему, что проект обречен, он решил поставить спектакль на свои собственные средства.

Дела обстояли неважно; предварительный показ мюзикла в Центре Кеннеди был принят без энтузиазма. Необходимо было сгладить многие шероховатости, а режиссер шоу Гауэр Чемпион (Gower Champion) был на это неспособен - к тому времени он уже несколько лет был серьезно болен. Когда это стало ясно, Меррик "тайком" обратился за советом к режиссерам и хореографам Джо Лейтону (Joe Leyton) и Рону Филду (Ron Field). Вновь начались репетиции; премьеру все откладывали и откладывали. Продюсер заявлял, что он ждет момента, когда "Большой Человек там, наверху" пошлет ему вестника и велит открыть спектакль. В ходе предварительных показов в Вашингтоне Меррик решил, что для исполнения финального номера совершенно необходимо убрать две огромных башни, стоявших по краям сцены. Ему сказали, что сделать это невозможно - иначе придется переделывать все декорации, однако продюсер настоял на своем. Все пришли к выводу, что Меррик сошел с ума; журналисты веселились вовсю. Однако Меррик знал, что делает: эти "безумные" заявления привлекали к мюзиклу внимание и подогревали интерес общественности… Мюзикл продержался на афише восемь лет.

В 1981 году мюзикл был выдвинут на премию Тони по восьми номинациям, из которых выиграл две - "Лучший мюзикл" и "Лучшая хореография". Спустя двадцать лет, в 2001 году мюзикл был снова был номинирован на премию Тони в девяти категориях, и получил награду как "Лучший возобновленный мюзикл". Тони была отмечена и Кристина Эберсоул (Christine Ebersole) в категории "Лучшая актриса мюзикла".

Notre-Dame de Paris / Собор Парижской Богоматери

Мюзиклы не всегда были популярны во Франции. Еще несколько лет назад даже знаменитые шоу Эндрю Ллойд-Уэббера, идущие по всему миру, принимались местной публикой сдержанно. Возможно, это было еще одним проявлением "великофранцузского шовинизма" - французы гораздо охотнее помотрели бы музыкальный спектакль на родную, близкую им тему. Шонберг и Бублиль учли эту особенность французского зрителя, и их работы - "Французская революция" и "Отверженные" сразу же завоевали любовь соотечественников. Более того, эти мюзиклы были хорошо приняты и за рубежом. Правда, "Французскую революцию" поставили за пределами страны лишь однажды - в соседней Германии, а вот "Отверженные" стали настоящей мировой сенсацией и успешно конкурировали с уэбберовскими блокбастерами. В 1998 году все изменилось.

Собор Парижской Богоматери - самый знаменитый символ Франции и ее столицы, не считая Эйфелевой башни. А если вспомнить о крупнейшем французском писателе - Викторе Гюго, который прославил Собор в своем одноименном романе, то мюзикл "Notre-Dame de Paris" был обречен на успех, по крайней мере, на родине Гюго. В конце концов, в этой истории есть все, что нужно зрителю, то есть, говоря словами стоппардовского Актера, "кровь, любовь и риторика".

Идея дать новую жизнь персонажам Гюго пришла в голову Люку Пламондону, уроженцу французской Канады, автору текстов к французской рок-опере "Starmania". Он рассказывает, что как-то раз, пытаясь найти тему для мюзикла, просматривал книгу о популярных литературных героях. Любопытно, что внимание Пламондона привлекла не Эсмеральда, а Квазимодо. Именно этот персонаж, чье имя стало нарицательным, навел либреттиста на мысль сделать из классического произведения Гюго рок-оперу. Пламондон не был первым, кого посетила идея использовать роман "Собор Парижской Богоматери" как основу для произведения совершенно другого жанра. Великая книга Гюго была экранизирована много раз; существует и старейший, еще немой фильм со знаменитым Лоном Чейни в роли Квазимодо, и более поздние картины, и телеверсии ; по мотивам романа были созданы даже балеты и мюзиклы. Кроме того, сам Гюго предполагал, что "Собор..." может послужить основой для оперы, и даже написал либретто.

Работа над мюзиклом "Собор Парижской Богоматери" началась в 1993 году, а французская премьера состоялась в сентябре 1998 года, в Париже. За восемь месяцев до этого был выпущен концепт-альбом. В записи, как и в последовавшей за ней постановке, приняли участие звезды канадской эстрады - Даниэль Лавуа (Фролло), Брюно Пельтье (Гренгуар), Люк Мервиль (Клопен). Партию Эсмеральды в студийном варианте исполнила Noa , а в спектакле - француженка Элен Сегара. Марселец (наполовину армянин) Патрик Фьори исполнил роль Феба. Восемнадцатилетняя Жюли Зенатти сыграла Флер-де-Лис. На роль Квазимодо был приглашен до этого никому не известный, но подающий большие надежды певец Пьер Гаран, выбравший себе сценический псевдоним Гару (выходец из Квебека).

Постановкой занимался знаменитый авангардный французский режиссер Жиль Майо. Оформление спектакля, выполненное в минималистском, концертном ключе, осуществил оперный художник-оформитель Кристиан Рэтц, костюмы создал модельер Фред Сатал, освещением занимался Алан Лорти (до это ставивший освещение рок-концертов), а танцами - Мартино Мюллер, специализировавшийся на современной балетной хореографии. Несмотря на внешнюю простоту сценографии и непривычный формат (шоу не укладывалось в стандарты, установленные мюзиклами Уэббера и Шонберга) представление сразу полюбилось публике. Первый год жизни мюзикла "Notre-Dame de Paris" прошел так успешно, что этот факт был отмечен в Книге Рекордов Гиннесса. Сингл "Belle" держался на первой строчке французских чартов на протяжении 33 недель и был признан лучшей песней пятидесятилетия.

Cats / Кошки

Мюзикл Эндрю Ллойд-Уэббера "Cats" - еще одно доказательство того, что музыкальное шоу можно сделать из чего угодно. Основой для "Cats" послужил цикл детских стихов Т.С. Элиота "Книга Старого Опоссума о практичных кошках", опубликованный в 1939 году в Англии.

Красочность и фееричность - основные признаки поп-мюзиклов, и здесь Cats превзошли все ожидания. В театре "Сats", созданном дизайнером Джоном Нэйпьером, нет занавеса, зал и сцена представляют собой единое пространство, причем действие разворачивается не фронтально, а по всей глубине. Сцена оформлена как свалка и представляет собой горы живописного хлама, выполненненого в масштабе кошки и потому имеющего несуразные размеры: здесь и жестяные банки в половину человеческого роста, и обрывки газет с аршинными буквами, и огромная кухонная плита... Однако это не просто нагромождение артефактов - декорация оснащена сложнейшей электроникой.

Многослойный грим и трико, расписанные вручную во все возможные цвета, дополненные париками из шести яка, меховыми воротниками, хвостами, блестящими ошейниками и прочими кошачьими аксессуарами - все это помогает актерам перевоплотиться в грациозных и эксцентричных Jellicle. Премьера мюзикла состоялась 11 мая 1981 года в Лондоне, а через год спектакль открылся на Бродвее.

Мюзикл "Cats" стал одной из самых успешных театральных постановок в истории шоу-бизнеса. Более того, по мнению газеты The New York Post, "Кошки" спасли музыкальные театры Бродвея, находившиеся в начале 80-х в состоянии кризиса. Этому спектаклю суждено было побить все рекорды долголетия - он шел на Бродвее в течение 18 лет, и по лицензии ставился в более чем в 30 странах мира независимыми продюсерскими фирмами. По официальным данным, к настоящему времени сборы Cats составили 2 миллиарда долларов, а посетило их 50 миллионов человек. Либретто мюзикла было переведено на 14 языков.

Казалось, что "Cats" прописались на Бродвее и в Уэст-Энде навсегда, однако даже волшебство когда-нибудь заканчивается. На Бродвее "Кошки" закрылись в 2000 году. 11 мая 2002 года состоялось последнее представление мюзикла в Лондоне. За 21 год лондонскую постановку посмотрело более 8 миллионов человек, а ее создатели заработали 136 миллионов фунтов-стерлингов.

В 1998 году вышел видеофильм с участием актеров из Лондона, Нью-Йорка и Амстердама. Съемки проходили в Лондоне. Роль Гризабеллы блистательно исполнила Элейн Пейдж, Второзакония - Кен Пейдж, оба - ветераны мюзикла, на роль Гуса был приглашен патриарх британского театра 90-летний Джон Миллз. Несмотря на то, что по разным причинам создатели видеоверсии пожертвовали некоторыми фрагментами мюзикла, этот фильм дает прекрасное представление о том, насколько фантастично и уникально это шоу.

Звезды мюзиклов

Винсенте Миннелли

Винсенте Миннели (28 февраля 1910, по другим данным — от 1902 до 1913, Чикаго — 25 июля 1986, Лос-Анджелес), американский кинорежиссер, классик голливудского мюзикла 1940-50-х гг.

Родился в семье странствующих актеров, с трех лет выступал в семейном шоу братьев Миннелли. В школе обнаружил способности к рисованию. С 1929 в шоу-бизнесе в качестве фотографа, заместителя менеджера, художника сцены и художника по костюмам. В начале 1930-х гг. работал в ревю Флоренса Зигфелда и был назначен главным художником нью-йоркского мюзик-холла «Радио-сити». С 1935 — режиссер на Бродвее, где осуществил ряд популярных постановок.

На протяжении двадцати лет (1942-62) Миннелли работал по контракту с «Метро-Голдвин-Майер» (не имеющий прецедента рекорд длительности контракта с этой компанией) и снял 29 фильмов. Среди постановок этого общепризнанного лидера американского мюзикла такие фильмы, как «Встретимся в Сент-Луисе» (1944), «Иоланда и вор» (1945), «Зигфелд Фоллиз» (1946), «Пират» (1948), «Американец в Париже» (1951), «Жижи» (1958, премия «Оскар» за лучшую режиссуру). С самого начала Миннелли стремился к органическому слиянию хореографии, музыки и драматургии. В соответствии с условностью жанра он делал акцент на театральности стиля и сказочности действия. Благодаря Миннелли Голливуд признал искусство декоративного оформления и необходимость психологической достоверности в обрисовке персонажей мюзикла.

В промежутках между мюзиклами Миннелли снимал экранизации классики, комедии, мелодрамы и биографические фильмы: «Мадам Бовари» (1949, по Г. Флоберу); «Плохой и прекрасная» (1952); «Жажда жизни» (1955, по И. Стоуну); «Чай и симпатия» (1956). В 1960-е гг. Миннелли снял ряд фильмов (лучший из них «Четыре всадника Апокалипсиса»,1961, по Б. Ибаньесу), ни один из которых не достигает уровня его классических работ. В последней ленте Миннелли «Это покажет время» (1976) снялась его дочь Л. Миннелли.

Жак Деми

Жак Деми (5 июня 1931 — 27 октября 1990), французский кинорежиссер.

Закончил техническое киноучилище (так называемую «Школу на улице Вожирар»). Начинал ассистентом в мультипликационном кино. В 1955 дебютировал как режиссер фильмом «Башмачки из долины Луары».

В 1960 снял с Анук Эме фильм «Лола» — поэтично-сентиментальную притчу об ожидании счастья, о верности в любви. Эта тема проходит и через другие его ленты, в числе которых — фильм «Шербурские зонтики» (1964, главная премия на Международном кинофестивале в Канне), решенный в неожиданной стилистической манере мюзикла по-французски, где диалоги пелись на музыку М. Леграна. Фильм привлек внимание во всем мире своей темой разрушенного счастья молодых людей (которых с большой искренностью играли К. Денев и Нино Кастельнуово). За ним следует еще один мюзикл «Девушки из Рошфора» (1968; с К. Денев и ее сестрой Ф. Дорлеак), решенный как американский мюзикл с большим числом отлично поставленных танцевальных номеров.

Эндрю Ллойд-Уэббер

Историю современного музыкального театра невозможно себе представить без имени британского композитора Эндрю Ллойд-Уэббера. Автора таких произведений, как "Иисус Христос Суперзвезда", "Призрак Оперы", "Кошки" и еще около десятка других успешных работ не зря называют "королем музыкального театра" - его роль в развитии современного мюзикла трудно переоценить.

Эндрю Ллойд-Уэббер родился 22 марта 1948 года в Лондоне, в семье профессиональных музыкантов. Его отец, Вильям Ллойд-Уэббер, был профессором теории музыки и композиции в Королевском музыкальном колледже, директором Лондонского музыкального колледжа, а также сам писал музыку для органа. Мать, Джин Ллойд-Уэббер, преподавала скрипку и фортепиано. Неудивительно, что Эндрю с раннего детства начал проявлять интерес к музыке. В три года он начал играть на скрипке, в шесть - на фортепиано и валторне. К тому времени он уже сочинял собственную музыку, это было гораздо увлекательней, чем исполнять чужую, а когда Эндрю было девять, его сочинение под названием "Сюита для игрушечного театра" было опубликовано в музыкальном журнале "Учитель музыки". Дома у Ллойд-Уэбберов постоянно звучала музыка - как классическая, так и популярная, поэтому на творчество юного композитора оказывали влияние совершенно различные музыкальные стили - ему нравились Прокофьев, Шостакович, Дворжак и Мендельсон, что однако не мешало ему быть ярым поклонником короля рок-н-ролла, идола 60-ых - Элвиса Пресли, Литл Ричарда и знаменитых Братьев Эверли. Моцарт, Бетховен и Бриттен мирно соседствовали с Роджерсом и Хаммерстайном. Знакомство с мюзиклами произвело огромное впечатление на Ллойд-Уэббера - посмотрев спектакль "Моя прекрасная леди", он даже создал домашний театр, для которого сам писал мюзиклы.

Мировую известность Эндрю Ллойд-Уэббер получил после выхода в свет в 1970 году их четвертого с Тимом Райсом совместного произведения - рок-оперы "Иисус Христос Суперзвезда". Заглавная песня, записанная певцом Мюрреем Хэдом (Murray Head), произвела настоящий фурор. Рок-опера о последних днях жизни Иисуса Христа вызвала множество разговоров и споров и стала культовым произведением для целого поколения, не потеряв своей актуальности и в наши дни. "Иисус Христос Суперзвезда" был новым словом в музыкальном театре. Соединение рок-музыки с классическими мотивами, использование современной лексики в текстах, их высокое качество, так называемый принцип "sung-through" (вся история рассказывается исключительно посредством песен, без использования не поющихся диалогов) - все это сделало рок-оперу настоящим хитом.

Гениальность Эндрю Ллойд-Уэббера проявляется в его удивительной способности свободно обращаться с различными музыкальными стилями: он соединяет рок и классику, с одинаковой легкостью пародирует оперетту, рок-н-ролл и даже новомодный рэп, он всегда современен и при этом обладает собственным оригинальным стилем. Его дар талантливого мелодиста дополняется умением самостоятельно создавать сложнейшие оркестровки для своих вещей (чем в наше время может похвастаться редкий композитор), а также уникальным театральным "чутьем".

Эндрю Ллойд-Уэббер является обладателем семи наград Тони, трех Грэмми, пяти наград Лоуренса Оливье, Золотого Глобуса, Оскара, награды Общества Критиков за лучший мюзикл 2000 года, а также многих других. В 1992 году Эндрю был посвящен в рыцари за заслуги перед родиной и стал именоваться сэром Ллойд-Уэббером, а в 1997 году получил статус лорда и дефис в фамилию. Теперь он именуется лордом Ллойд-Уэббером, бароном Сидмонтонским.

Вывод

Как бы мы ни относились к мюзиклу, он стал неотъемлемой частью нашей культурной жизни. Каждый год выходят новые и новые мюзиклы, и для них нет никаких преград – ни языковых, ни географических, ни каких-либо еще. Однако, этот вид искусства еще молод, но ему уже пророчат светлое будущее, а в нашей стране он уже начал свой творческий рост. Некоторые даже считают поход на мюзикл средством от депрессии. Кто знает, быть может, погрузившись в зачарованный мир театра под звуки музыки и песни, человек забывает свои проблемы, а выходя, уже смотрит на них по-другому.

20