Вход

Живопись Японии

Реферат по культурологии
Дата добавления: 01 июня 2006
Язык реферата: Русский
Word, rtf, 286 кб
Реферат можно скачать бесплатно
Скачать
Данная работа не подходит - план Б:
Создаете заказ
Выбираете исполнителя
Готовый результат
Исполнители предлагают свои условия
Автор работает
Заказать
Не подходит данная работа?
Вы можете заказать написание любой учебной работы на любую тему.
Заказать новую работу

На выходных я посетила один из моих самых любимых музеев — "Музей Востока". Помимо постоянно действующей экспозиции, в эти дни проходила временная выставка, посвящённая японской живописи, которая оставила у меня очень лёгкое и светлое впечатление.

Все работы необычно выделялись тем, что выполнены на шёлковой ткани тушью и красками, а также с помощью гофуна (пигмент из растёртых раковин), и висели как раскрытые, вытянутые в длину свитки, прикреплённые к лёгким рамкам в виде перекрещенных деревянных палочек. По-моему, уже это придало всей выставке необычную атмосферу, потому что мой взгляд привык к совершенно традиционным формам во время других посещений подобных выставок.

Немного об истории японской живописи. Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века и было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.

В течение периода Muromachi (1338-1573), Япония имела широкие торговые отношения с Китаем, и китайские картины начали пробиваться в дома богатых японских дворян. Постепенно привился вкус к китайским картинам и состоятельная знать начала заказывать работы исключительно в этом стиле. Японские художники старались не копировать китайский стиль напрямую, добавляя местный колорит и палитру, что в свою очередь позволяет говорить об исключительно собственных достижениях. Вообще, японская живопись периода Muromachi отождествляет глубокий смысл места и пытается пересказать историю.

Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в китайской, издавна большую роль играет линия и распространены монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.

Как хорошо,

когда, на столе развернув

редкостный свиток, чтенью предашься душой

и созерцанью картин.

 Татибана Акэми (1812-1868)

Почему именно свиток используется в японской живописи? Я узнала, что в отличие от европейских картин свитки не предназначались для длительного показа. Их вынимали из футляров в связи с какими-либо событиями — по случаю празднеств, или приёма гостей, или же когда у владельца просто возникало желание отрешиться от «грубой» действительности, погрузившись в созерцание живописи.

Большое значение для судеб японской живописи (равно как и скульптуры) имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определённый спрос на произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.

У свитка среди всех форм особое место. Любой свиток — это полоса шёлка или бумаги, как котором выполняется живопись (как и каллиграфия) и которая затем монтируется в специальное обрамление (порча и шёлк). Сама форма свитка обладает сокровенной значимостью, и предполагает определённый ритуал обращения.

Восприятие живописи считалось всегда таким же творческим процессом, как и создание её, поскольку зрителю, желающему уловить подлинный смысл произведения, необходимо всепоглощающее погружение в него, переживание, близкое авторству. Из рассказа японского прозаика Акутагава Рюноскэ «Одержимый творчеством» (сцена встречи известного писателя Бакина и прославленного художника Кадзана): «При взгляде на этот выдержанный в строгих, неярких тонах свиток глаза Бакина увлажнились и засияли»…

Наверно, созерцая спокойные тона умиротворяющих пейзажей, я была близка к подобным чувствам! Тематика большинства картин — это зимние пейзажи, водопады, знаменитая гора Фудзи, животные (цапли, журавли, птички) и, конечно, ветка сакуры. Форма свитка очень хорошо позволяет передать ощущение пространства, на мой взгляд, в сочетании с цветовым решением и расположением композиции.

Кстати, привычного для японской культуры персонажа как самурай не было, если не считать чуть ли не одиночной по военной тематике композиции «Ёсииэ-но Минамото на коне». Ёсииэ олицетворял начало военной традиции в известном клане Минамото, и его потомки с гордостью выкрикивали его имя среди грохота битвы. Впервые он прославился во время Первой девятилетней войны (1051–1063), в которой сражался его отец.

Среди кланов Востока на первом месте стоят два имени. Это кланы Тайра и Минамото. Клан Тайра обязан своим возникновением политике удаления от двора лишней знати. Со временем Минамото сделались соперниками Тайра. Они тоже происходили от императорской фамилии и вынуждены были переселиться на Восток, поскольку рождение слишком большого числа принцев обременяло бюджет двора. И Тайра, и Минамото прославились своими военными заслугами перед правительством.

Так же единственной в своём роде на этой выставке была картина «Актёр театра Но». Ничего более того, что театр Но является достоянием японской традиции, я не знала до этого, поэтому остановлюсь подробнее на истории, связанной с изображаемым.

Маски театра НО. Неотъемлемая часть представления — маска, которая играет в театре Но настолько существенную роль, что его нередко называют театром масок. И хотя театр масок существовал в истории многих национальных культур, лишь в Японии он стал не стадией в развитии сценического искусства, а постоянной, неувядающей традицией.

Истинная ценность признаётся только за теми масками, которые были сделаны до XVIII века, поэтому их называют «исконными масками». Остальные же относят к «копиям» тех, старинных масок. В настоящее время актёры, в основном, играют в масках-копиях. И лишь в особых, торжественных случаях и только великий актер может выйти на сцену в драгоценной старинной маске. Известен, например, такой случай: выдающийся японский актёр ХХ века Хосё Куро выступал однажды со своим талантливым учеником по имени Мацумото. У Мацумото не оказалось с собой необходимой для образа маски. А играть он должен был благородного старца. Тогда какой-то коллекционер, находившийся рядом, предложил молодому актеру маску старца. Маска была настолько искусна и совершенна, что учитель Хосё Куро вернул ее законному владельцу со словами, что Мацумото не достиг ещё такого актёрского совершенства, чтобы играть в подобной маске.

В настоящее время у масок театра НО существует более двухсот установленных типов личин: добрые и злые старики и старухи, демоны, буддийские и синтоистские божества, свирепые воители, а также земные и небесные красавицы. Хорошая маска изготовлена таким образом, чтобы в зависимости от движений актёра и угла освещения её выражение менялось. Например, если актёр слегка поднимет голову кверху, то маска будет выглядеть радостной, а если опустит вниз — грустной. Маска, по сравнению с лицом, очень маленькая. Она создаётся такой в соответствии с канонами японской красоты. Во-вторых, глазные отверстия в маске чрезвычайно узкие. Через них актёр может видеть только маленький кусочек сцены, либо публику задних рядов.

Вырезают их из японского кипариса хиноки, древесина которого отличается лёгкостью и мягкостью, а вместе с тем она прочна, красива и хорошо поддаётся художественному оформлению. Процесс изготовления маски чрезвычайно долгий и трудоёмкий. Только на то, чтобы подготовить древесину, уходит 10-12 лет (!), в течение которых брёвна выдерживают в воде и сушат, чтобы изделие было прочным.

Поделив бревно на небольшие брусочки, начинают вырезать собственно маску. После этого её грунтуют и раскрашивают. А по окончании всех этих процедур наступает самый ответственный момент — состаривание маски. Её коптят над дымом для того, чтобы придать благородный налёт древности. И заключительный этап создания произведения искусства — детальная прорисовка. Интересную деталь: когда мастер рисует маске причёску, ему приходится задерживать дыхание для того, чтобы «волосы» легли предельно ровно.

Благоговение перед маской у японцев выразилось также в традиции давать ей имена. Наиболее известны три старинные маски юных красавиц с именами Снег, Цветок и Луна. Обладание старинными масками высоко поднимает престиж труппы театра НО даже в наше время, когда сверхценные маски признаны национальными сокровищами и находятся в крупнейших музеях Японии.

Как я уже упоминала, самыми распространёнными на выставке были различные пейзажи и цветочная тематика с какими-либо животными. Мне очень понравились работы Кодзё Асами «Лошадь под цветами сакуры» и «Зимний пейзаж».

Своё развитие жанровая и пейзажная живопись получает с VIII века в Японии. До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими перьями». На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно её украшены перьями. Рисунок исполнен лёгкими, струящимися линиями. Кстати, свитки была не единственно представленной формой! Очень эффектно смотрелась ширма с монохромными тиграми (а может, тигр был и один, но в движении) в зале с композициями, посвящённой разным животным в видении японских мастеров.

Примером художественного и функционального сочетания, характерного для искусства эпохи Эдо (1615-1868) является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно — да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.

Что касается цветочных мотивов, то он наиболее распространен в искусстве Японии, и которых было достаточно на выставке. В живописи возник особый жанр — «цветы-птицы» (катёга); например, выставочная «Нандина и нарциссы» (и маленькая птичка на веточке). Жанр возник в Китае примерно в IX в., а в Японию попал во второй половине XIII в. с распространением буддийской секты чань (яп. дзэн). Этот жанр тесно связан с благожелательной и морально-этической символикой, которая закрепилась за различными растениями, цветами и птицами. В катёга имеются свои разделы — «пух и перо» (изображения птиц), содзюга (живопись диких животных).

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам, поэтому меня поразило на выставке достаточное количество великолепных работ, но неизвестного авторства!

Итак, живопись относится к числу наиболее сложных для западного зрителя видов японского искусства.

Барьер создаётся не столько необычными формами, такими как горизонтальные и вертикальные свитки, ширмы, экраны, фусума (раздвоенная перегородка в японском доме, оклеенная с двух сторон плотным картоном), веера, сколько самой художественной системой, базирующейся на иных, нежели западные, принципах мировосприятия и его эстетические воплощения. Даже радующие глаз декоративные произведения японских художников не так просты, как может показаться.

Это и порождает основные трудности на пути западного зрителя и именно в этом заключается новизна и необычность, за которыми европейский зритель может открыть для себя новые аспекты видения и познания.

Живопись является одним из самых тонких видов дальневосточного искусства. Широкий художественный диапазон, в котором органично переплетаются минимальная изобразительность и философский подтекст, детализированные жанровые сцены и декоративная условность. Утончённый эстетизм, что и определило её положение как искусства для избранных.

Чтобы дополнить впечатления, полученные от Японии, я перешла после живописи в зал постоянной экспозиции по Японии, где есть много полочек, заполненных нэцкэ, которые я скрупулёзно рассматривала, погружаясь в историю…

Нэцкэ — жанр японской мелкой пластики. Происхождение их чисто практическое: поскольку традиционная одежда японцев не знает карманов, все необходимые мелкие предметы прикреплялись к поясу с помощью небольших брелков — нэцкэ. Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой миниатюрной скульптуры.

В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с ренессансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до канонической культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии, чувство меры, завершённость и точность композиции, совершенство деталей. Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл, янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в высоту) мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась безгранично: изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных, поверий. Расцвет такого чисто городского вида прикладного искусства приходится на вторую половину XVIII века.

Мне показались интересными нецкэ из серии Лисы-оборотни (XIX в.) и Рюри, обезьяна сонгоку с пауком. Остальные выглядели довольно зловеще и несимпатично, на мой вкус. Вот некоторые из божков.

Дайкоку и Эбису — счастье и удача, идущие рука-об-руку. Два бога счастья: Дайкоку изображается в костюме-кари-гину, в шапке тори-эбоси, с молотком, крысой и мешком. Считается, что с каждым ударом колотушки увеличивается счастье, здоровье и любовь, а мешок с волшебным рисом, который он держит в руке, символизирует богатство и достаток. Эбису изображается с волшебной рыбой Тай — символом удачи.

 Хогпэй — "холщовый мешок" — один из семи богов счастья: бог общения, веселья и благополучия. Он предопределяет людские судьбы и помогает в осуществлении заветных желаний. С этим связано поверье: если потереть фигурку Хотэя по животу 300 раз, думая о чем-то хорошем, то загаданное обязательно исполнится. Изображение Хотэя связано с конкретным персонажем, который жил в Китае в Х веке: маленький, толстый монах по имени Ци Цы с большим холщовым мешком и четками, ходивший по деревням. Легенда гласит, что там, где он появлялся, к людям приходила удача, здоровье и благосостояние. Если кто-то спрашивал, что находится в его мешке, он отвечал, что там у него весь мир. Однажды, будучи уже пожилым, сидя у какого-то храма, Хотэй сказал: «Эх, люди, люди, не узнали вы меня. Ведь я — грядущий Будда-Майт-рейя». И, действительно, Хотей считается эманацией Будды-Майтрейя. На Дальнем Востоке пришествие Будды-Майтрейя, которое понималось как упорядочение Вселенной, как достижение мировой гармонии, в народном осмыслении означало наступление эры процветания, благополучия, довольства и беззаботной жизни всех людей. Не случайно Хотэй считался воплощением счастья и беззаботности. В ХVII в. образ Хотея был канонизирован.

Эбису ¬— бог счастья и удачи. В нэцкэ Эбису изображается в высокой шапке, с удочкой и рыбой Тай, иногда он выступает как покровитель рыбаков. Священная рыба Тай — символ удачи и духовных достижений. Очень трудно поймать священного карпа голыми руками в чистой небесной воде — так же трудно достичь душевного спокойствия и просветления.

  Шоусин — один из богов счастья, приносящий здоровье, исцеление от тяжелых, смертельных недугов и долголетие. Покровитель медицины. Изображается с огромным посохом из корня женьшеня и волшебным персиком в руке, приносящем бессмертие. Часто к посоху привязана тыква-горлянка с чистой, хрустальной водой — символом жизни.

  Дзаошень — хранитель домашнего очага. Иногда изображается с круглой табличкой в руке, куда записываются все нужды и пожелания. 24 декабря Дзаошень отправляется на небо и отчитывается в небесной канцелярии о том, как он охраняет дом и помогает в хозяйстве, передает все пожелания и они обязательно исполняются. Часто у Дзаошеня присутствуют атрибуты, символизирующие здоровье и долголетие: волшебный персик, тыква-горлянка с чистой водой. Если рядом с Дзаошенем изображается мешок, то к пожеланиям здоровья и счастья, можно добавить пожелания богатства и достатка.

 В заключение… Произведения искусства японских мастеров не только хранят верность древним стилям, но и всегда имеют в себе то новое, что нет ни у одного другого произведения искусства. В японском искусстве нет места штампам, шаблонам. В нем, как и в природе нет двух совершенно одинаковых творений. И даже сейчас произведения искусства японских мастеров нельзя спутать с произведениями искусства других стран. В японском искусстве время замедлило свой ход, но оно не остановилось. В японском искусстве традиции далекой древности дожили до наших дней. От нас же требуется открытие непривычному, осознание стереотипных и многих общепринятых понятий. Каждый, думаю, открывает особую грань для себя, и точно определить её до конца невозможно.

© Рефератбанк, 2002 - 2017