Выставки современного искусства в Государственном Эрмитаже

ОГЛАВЛЕНИЕ

ВВЕДЕНИЕ
ГЛАВА 1. ВЫСТАВОЧНАЯ ДЕЯТЕЛЬНОСТЬ КАК МУЗЕЙНАЯ РЕАЛЬНОСТЬ
1.1 Музейные выставки как культурный феномен
1.2 Выставочная деятельность Эрмитажа: история развития
ГЛАВА 2. СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО В ЭРМИТАЖЕ
2.1 Эрмитажные выставки: современный этап
2.2 Проект «Эрмитаж 20/21» как перспектива развития выставочной деятельности музея
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Выставки современного искусства в Государственном Эрмитаже

Сейчас уже это устойчивое выражение, как недавно ещё «изящные искусства», постепенно «вымывается» из обиходной речи специалистов, всё чаще на слуху общий термин - «визуальные искусства» с самой широкой гаммой значений. Впервые так настойчиво о необходимости изменения терминов и понятий по отношению к современному творчеству заявила французская Группа по исследованию визуального искусства - GRAV (Le groupe de recherche d'art visuel) в своём манифесте 1961 года, предлагая уничтожить саму категорию «произведение искусства»21.
Новая фигуративность нашла свое развитие в рамках совершенно различных художественных тенденций Европы второй половины XX века, от фантастического реализма до трансавангарда.
Важно подчеркнуть: и в недавно образованных многочисленных музеях современного искусства, какмалых, так и громко знаменитых, живопись всё ещё присутствует. Интересен и нов контекст её пребывания в культурном пространстве.
Так, с конца 1980-х годов в Лондоне известный коллекционер и рекламный магнат Чарльз Саатчи сделал свое собрание актуального искусства публичным, ежегодно устраивая выставки на его основе. При этом, используя мощный арсенал рекламных технологий, постоянно и широкомасштабно популяризирует его. В 1999 году была издана книга «Молодое британское искусство: декада Саатчи» (можно перевести и как «десятилетие Саатчи», этого Медичи нового британского искусства, или «бритарта»)22. Среди произведений видеоарта, скульптуры, фотографий, инсталляций живопись представлена на равных. (Конечно, она перестала быть «королевой искусств», однако, напомню ещё раз, оказалась не утратившей свою актуальность). Есть среди коллекции Саатчи абстрактные полотна, которые разные художники наполняют различным философским содержанием. При этом без помощи комментаторов зрителю тут не обойтись, ибо не слишком ценится сегодня декоративная гармония цветных всполохов на холстах, напротив, как правило, они призваны демонстрировать дисгармонию. Именно таковыми и являются «пятнистые» полотна Дэмиана Хёрста (р. 1965), первой открытой «звёзды» на горизонте Саатчи. Есть и последователи ещё творящих «звёзд» (как, например, Дженни Сэвилл, явный адепт Люсьена Фрейда, и Марк Уоллинджер - поклонник гиперреализма).
Стоит заметить, что мы не в праве говорить об авангарде по отношению к работам конца века. Даже самые радикальные из них существуют в системах, сотворенных в первой трети столетия. Именно к устоявшимся, уже привычным формам в западном искусствоведении и критике применяется термин «тойегп», что же касается произведений, действительно созданных за последнее десятилетие (разумеется, хронологические рамки его постоянно сдвигаются, и, повторю, нынешнее «новое» по большей части даже не «хорошо забытое старое»), для них утвердилось определение contemporary23.
«В последнее время культурное развитие приобрело несколько странный характер. С одной стороны, неумолимо и по всему миру растёт число музеев современного искусства. В них вкладываются деньги, приглашаются знаменитые архитекторы, им делается реклама и т. д. С другой стороны, никогда ранее эта художественная институция - все её аспекты, но прежде всего её предназначение музеефицировать современное искусство — не подвергалась столь серьезному сомнению»24. Следовательно, стоит отметить «неуклонный рост» количества музеев современного искусства.
Если по отношению к contemporary art постоянно возникала проблема его музеефикации, то работы «героических авангардистов» начала века в последние его десятилетия постепенно начинали обретать пристанища в стенах и на стенах государственных музеев.
Последовательный рассказ о новом (постоянно изменяющемся, разумеется) искусстве и, в частности, о живописи, выстроенный по хронологическому принципу, может создать впечатление о бесконфликтном и естественном его существовании и развитии. (Если и не в обществе непонимающих, всегда консервативных зрителей, то на родном культурном поле). На самом деле, сегодня трудно осознавать, что впервые «в государственном масштабе» работы Пикассо в Париже были показаны лишь в 1966 году. Длинные очереди желающих тогда попасть в Гран-Пале демонстрировали интерес самой широкой публики к своему современнику, как отмечалось тоже «впервые со времен разрыва между искусством и обществом, произошедшим в эпоху импрессионизма»25. Впервые только в 1963 году во Франции «госзаказ» получил не представитель академической школы. Назначенный президентом де Голлем министр культуры Андре Мальро предложил выполнить роспись плафона парижской Оперы Марку Шагалу. Через год, в 1964-м, заказ на роспись свода театра Одеон получил сюрреалист Андре Масон. Искусство авангарда стало входить в моду. И когда в Гран-Пале по настоянию президента Помпиду была устроена выставка «72-й, 12 лет современному искусству во Франции», на которой современное искусство страны получило официальное признание, выражали протест уже художники, не вписавшиеся ни в одно авангардное течение. Однако и сегодня мы вовсе не уверены, что наиболее востребованное искусство и актуальное - синонимы.
Тем не менее, в современной России новое искусство принимается как минимум с интересом. Подтверждением этому служат многочисленные выставки. Рассмотрим в качестве примера объем выставок современного искусства в Эрмитаже в 2010 году.
Выставочный год открылся работами российского мастера. С 26 февраля 2010 г. - 4 апреля 2010 г. при участии Творческой мастерской Даши Намдакова, при поддержке ОАО «Атомэнергомаш» в контексте шедевров археологической коллекции Музея проходила выставка работ известного современного бурятского художника и скульптора Даши Намдакова «Ностальгия по истокам. Вселенная кочевников Даши Намдакова».
На выставке (Залы N 26, 27 Зимнего дворца) представлены более 100 произведений художника, среди которых бронзовая скульптура, графика и предметы ювелирного искусства.
Выставка работ Даши Намдакова стала продолжением традиции показа в Государственном Эрмитаже современного искусства в контексте коллекций Музея и бесспорным фактом признания скульптора. В своё время Борис Борисович Пиотровский обратил внимание на то, что «характерной чертой истории культуры является обязательное использование и переработка культурного наследия прошлых эпох... Памятники «примитивного» искусства оказались в какой-то мере созвучными с исканиями художников... В первобытном искусстве оказалась и простота форм, и передача признаков изображаемых людей, животных и растений». Представление произведений Даши Намдакова среди эрмитажных шедевров археологии - попытка сопоставления современного и древнего искусства.
В трактовке формы, пластике, в своем мироощущении в целом, видении сущности окружающего мира Даши Намдаков - художник современный. Его творчество доказывает, что, вопреки расхожему мнению, изобразительное искусство ещё не исчерпало своих потенциальных возможностей. Однако в его произведениях явственно проступают органично включённые в его художественную концепцию образы древнего мира. Древневосточная мифология и исторические реалии в его композициях будят ассоциации с воинственным и суровым миром древних кочевников и монголов, и в тоже время, миром, где царили своя гармония форм и динамики, своя эстетика восприятия окружающего.
В творчестве Даши Намдакова явственно прослеживаются две составляющие: прекрасная профессиональная школа и образы древних культур Востока как источник вдохновения. Это в равной степени относится и к его скульптуре, и к графике, и к мелкой пластике ювелирных изделий. Эхо веков отзывается в образах Намдакова, наполненных чертами скифо-сибирского звериного стиля и монгольской пластики, японской гравюры и средневековой скульптуры. В творчестве художника проявились и переплелись вековые традиции европейского и азиатского искусства: здесь и черты скифо-сарматского стиля, влияние гуннского искусства, и искусства тюрков-кочевников более позднего времени.
Необычное сочетание изобразительных традиций и творческих приёмов Востока и Европы - одна из главных притягательных особенностей работ художника. В скульптурах и графике Даши воплощены традиционные образы степной и азиатской цивилизаций: воины и всадники, буддийские священнослужители ламы и сибирские шаманы, родовые покровители бурят - тотемные животные и мифологические существа. Сюжеты его произведений, восходящие к восточным верованиям и легендам, переданы посредством современной европейской пластики. Ювелирные изделия Даши созданы как «артефакты» истории. Большая свобода при выборе материалов позволила Даши Намдакову работать не только с драгоценными металлами, но и с бивнем мамонта, драгоценными камнями. Приемы обработки дорогих камней Даши во многом противоречат современным канонам ювелирного искусства, но для художника камни не самоцель, а лишь материал для создания образа.
Многие параллели, которые мы видим в произведениях Даши Намдакова - неосознанные, это не повторение, а лишь отголоски древних культур. Сейчас мастер имеет возможность работать в разных странах, его мастерская находится в Италии. В творчестве Даши появляются новые неожиданные образы, которых нет в восточных мифах.
Практически в это же время – с 5 февраля 2010 г. - 18 апреля 2010 г. проходила необычная выставка, представившая одно из течений итальянского искусства второй половины XX века - спациализма.
Итальянское движение спациализм (от итал. Spazio - пространство) - направление в искусстве, рассматривающее живопись и скульптуру как один вид искусства, объединяющий цвет, звук, пространство, движение и время. Его возникновение связано прежде всего с именем Лучо Фонтаны (1899 - 1968), уроженца Аргентины, переехавшим в 1947 году в Париж.
Фонтана призывал к искусству, которое должно было охватывать современные науку и технику; в своих произведениях он использовал такие материалы, как неоновый свет, радио и телевидение. Так, в 1949 году Фонтана показал свою «Пространственную среду» («Ambiente Spaziale»), выполненную фосфоресцирующей краской и освещенную неоновым светом. Это произведение было первым образцом того, что стало впоследствии известным как искусство инсталляции. Позже Фонтана делал работы на холсте, которым он дал общее название «Concetto Spaziale» («Пространственное понятие»), продолжая в то же время делать инсталляции с использованием света. Основанием «Пространственного понятия» было рассечение холста бритвой, для создания фактического пространственного трехмерного измерения. В 1950-е годы Фонтана создал ряд подобных произведений, развив идею скульптуры, интерпретируя ее в своем «Пространственном понятии».
На выставке в Двенадцатиколонном зале Государственного Эрмитажа представлено около 80 работ художников-спациалистов, среди которых, помимо Лучо Фонтаны: Эдмондо Баччи (Edmondo Bacci), Марио Делуиджи (Mario Deluigi), Эннио Финци (Ennio Finzi), Лючиано Гаспари (Luciano Gaspari), Бруна Гаспарини (Bruna Gasparini) Виргилио Гьюди (Virgilio Guidi), Джино Морандис (Gino Morandis), Саверио Рампин (Saverio Rampin), Танкреди (Tancredi), Виниччио Вианелло (Vinicio Vianello). Большую часть экспозиции составляют произведения Риккардо Ликаты.
В произведениях итальянского живописца Риккардо Ликаты, впервые выставленных в Эрмитаже, воплощены традиционные для богатейшей культуры солнечного Средиземноморья открытый яркий цвет, графическая выразительность, соседствующие с символическими абстрактными формами, напоминающими древние письмена.
Мотивы античного и византийского искусства соединены с орнаментом стран Северной Европы. Обращаясь к наследию прошлого, художник работает, развивая эстетику и стилистику абстрактного экспрессионизма, завоевавшего западную художественную сцену Италии в послевоенные годы.
Риккардо Ликата родился в Турине 20 декабря 1929 года. Вскоре его семья переехала в Рим, где они жили до конца Второй Мировой войны, после которой поселились в Венеции. В 1947 году Ликата поступил в Художественный лицей, начал изучать культуру Bauhaus и увлекся мозаикой. В 1950 году он поступил в Венецианскую академию художеств.
Ликата начал выставляться в 1949 году, когда в Венеции состоялась выставка группы молодых художников-абстракционистов. Первая персональная выставка Риккардо Ликаты прошла в Венеции в 1951 году. С 1952 года он неоднократно участвовал в биеналле в Венеции, Сан-Паулу, Токио, Париже, Любляне, и других крупных международных смотрах современного искусства. С тех пор у художника состоялось более 300 персональных выставок в 35 странах.
В 1957 году, получив грант от французского правительства, Ликата переехал в Париж, где занимался живописью, а также гравюрой, мозаикой, скульптурой, сценографией.
Ликата вошел в число 25 художников, выбранных международной экспертной комиссией для реализации масштабного проекта «Мадонна в современном искусстве». Эта выставка проходила в римском Пантеоне и в здании Европейского Парламента в Брюсселе в 2003 году, и была приурочена к 25-летию понтификата Иоанна Павла II.
Работы Риккардо Ликаты хранятся в музеях современного искусства во Флоренции, Милане, Венеции, Париже, Нью-Йорке, Чикаго, Вене, а также в частных коллекциях. В настоящее время художник живет и работает в Париже и Венеции.
В мае на суд зрителей была представлена выставка, посвященная 90-летию выдающегося итальянского поэта, писателя, сценариста, художника и скульптора Тонино Гуэрры. В экспозиции представлены книга «Мёд», выпущенная Издательством «Редкая книга из Санкт-Петербурга», а также четыре мозаичных панно, созданных Марко Бравурой по рисункам Тонино Гуэрры.
Тонино Гуэрра - автор сценариев множества фильмов, среди которых: «И корабль плывет...», «Амаркорд» Федерико Феллини, «Красная пустыня» и «Затмение» Микеланджело Антониони, «Брак по-итальянски» Витторио де Сика, «Ностальгия» Андрея Тарковского.
В 2004 году, во время посещения выставки «Азбука Тонино Гуэрры», проходившей в Государственном Эрмитаже, у Петра Суспицына, основателя издательства «Редкая книга из Санкт-Петербурга», создающего уникальные рукотворные книги ограниченными тиражами, родилась идея сделать книгу с легендарным маэстро, о чем они и договорились весной 2009 года. Единодушно было выбрано одно из лучших произведений Тонино Гуэрры - поэма «Мёд», повествующая о двух братьях, встретившихся в родном селении после долгих лет разлуки.
Работа над первым экземпляром «Мёда» была завершeна к 15 марта 2010 года, специально к 90-летию Тонино Гуэрры. Тираж книги составляет всего 5 экземпляров. Для каждого из них маэстро вручную выполнил 8 иллюстраций большого формата в смешанной технике и 21 оригинальный сюжет - акварелью и темперой. Кисть Тонино Гуэрры рождает яркие зрительные образы, где каждая деталь наполнена глубоким смыслом. Из простых вещей - камней, деревьев, цветов, плодов, порхающих бабочек, - маэстро создает картину целого мира.
Вдохновленный керамикой и рисунками Тонино Гуэрры, П. Г. Суспицын разработал дизайн переплета книги «Мёд». Переплёт выполнен А. Дегтевым и А. Куликовым: он обтянут льняной тканью медово-золотистого цвета, произведённой итальянской мануфактурой «Pascucci» в XIX веке. Обложку украшает керамическая вставка по рисунку Гуэрры, изготовленная для этой книги.
Перевела поэму на русский язык жена автора - Лора Гуэрра. Текст книги напечатан вручную С. Яшиным на печатном станке XIX века Dinglersche maschinen на бумаге ручного авторского литья работы А. Лурье. Экземпляр книги N 1 передан в дар Государственному Эрмитажу. В церемонии открытия выставки принял участие Тонино Гуэрра, специально приехавший в Санкт-Петербург.
Куратор выставки - И. Б. Гогулина, заведующая Сектором фондов Научной библиотеки Государственного Эрмитажа.
В день открытия выставки в Эрмитажном театре проходила премьера фильма «Мир Тонино Гуэрры» режиссера Николо Транквиллино, Италия. С поэтической программой выступил Народный артист России Вениамин Смехов. Прозвучали произведения итальянских композиторов в исполнении оркестра Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова. Солист и дирижер - Народный артист России Сергей Стадлер.
Все лето посетители Эрмитажа имели возможность знакомиться с различными направлениями современного искусства. Самым значимым событием, безусловно, стала выставка работ Пабло Пикассо.
18 июня 2010 года в парадных залах Зимнего дворца (Восточная галерея, Фельдмаршальский зал, Гербовый зал, Пикетный зал, Залы Надворной галереи III этажа – 338-342) открылась масштабная выставка «Пикассо. Из собрания Национального музея Пикассо, Париж», которая проводится под покровительством Президента Российской Федерации Дмитрия Медведева и Президента Французской Республики Николя Саркози. Выставка организована Государственным Эрмитажем совместно с Национальным музеем Пикассо, Париж, при поддержке Министерства культуры Российской Федерации, Министерства культуры и коммуникаций Французской Республики, и проходит в рамках программы «Год России во Франции и Год Франции в России 2010», продолжая традицию партнерства и сотрудничества в области культуры и искусства двух стран. Выставка в Государственном Эрмитаже проводится при поддержке Благотворительного фонда В. Потанина.
Экспозиция построена по хронологическому принципу, позволяя буквально год за годом проследить эволюцию всего творчества великого художника XX столетия Пабло Пикассо, начиная с его ранних произведений и заканчивая философскими творениями последних лет жизни. Широкий хронологический обзор, объединяющий живопись, скульптуру, графику и фотографии, открывается «Смертью Касагемаса», маленькой символичной картиной 1901 года, в которой Пикассо изображает своего ближайшего друга, и заканчивается «Юным живописцем», написанным в 1972 году за несколько месяцев до смерти. Охватывая все периоды многообразной деятельности и все области, где проявилась пластическая изобретательность художника, выставка парижского собрания в полной мере представляет богатство и сложность творческого пути мастера.
«Экспозиция дополняется разделом, специально подготовленным для России. Он отражает удивительное переплетение фактов биографии и творческой деятельности. В 1918 году Пикассо женился на танцовщице из труппы «Русские балеты» Ольге Хохловой, с которой познакомился в Риме во время работы над балетом «Парад». Образы Ольги и их сына Поля, родившегося в 1921 году, постоянно присутствуют в работах Пикассо между 1917-м и 1923 годами. Этот период представлен комплексом из 50 графических работ, а также фотографиями, происходящими главным образом из личного архива Пикассо. В частности в него входят проекты для постановок Русских балетов Сергея Дягилева «Парад» (1917), «Треуголка» (1919), «Пульчинелла» (1920), «Cuadro Flamenco» (1921), созданные в сотрудничестве с великим русским хореографом Леонидом Мясиным, авангардными композиторами Эриком Сати, Игорем Стравинским, Мануэлем де Фальей и писателями Гийомом Аполлинером и Жаном Кокто. В этюдах и макетах декораций, занавесов или костюмов эти балеты предстают на стыке пространства, времени и движения как лаборатория по созданию «всеобъемлющего произведения искусства», выходящего за рамки традиционных отношений между музыкой, танцем и декорациями»26.