Энди Уорхол о себе: в слове и изображении

Введение
1. Автопортрет Энди Уорхола в его автобиографии «Философия (от А к Б и наоборот)».
2. Творчество Энди Уорхола: портрет, автопортрет, фотография.
3. Энди Уорхол в кино.
4. Уорхол в жизни, как актер, играющий роль самого себя (восприятие художника современниками).
Заключение
Список использованной литературы

Энди Уорхол о себе: в слове и изображении

Энди Уорхол (настоящее имя Эндрю Вархола) родился в Питтсбурге (шт. Пенсильвания, США) в семье словацких эмигрантов. С 1945 по 1949 учился на художественном факультете Технологического института Карнеги, затем переехал в Нью-Йорк, где вначале работал художником – иллюстратором в разных журналах, в том числе «Vogue» и «Harper's Bazaar», оформлял витрины, делал открытки и плакаты. Успех принесли графические работы в области рекламы, особенно рисунки обуви для компании «И.Миллер».
Уже в 1952 работы Уорхола были представлены на выставке в Нью-Йорке, а в 1956 он получил почетный приз «Клуба художественных редакторов». К этому времени художник зарабатывал около ста тысяч долларов в год, однако не переставал мечтать о «высоком искусстве».
В 1960 он создал культовое произведение Кока-кола. В 1960–1962 появился ряд картин с изображением Консервных банок с супом Кэмпбелл (Campbell's Soup Can).
Вначале «портреты» банок супа исполнялись в технике живописи: Банка с супом Кемпбелл (рисово-томатный)(Campbell's Soup Can (Tomato Rice), 1961), а с 1962 – шелкографии (Тридцать две банки супа Кемпбелл), Сто банок супа Кемпбелл, Двести банок супа Кемпбелл – все 1962).
Очищенное, разглаженное, зауплощенное изображение, аккуратно вырезанное и закрепленное, повторенное с нюансами, – вот стихия Уорхола. На протяжении многих лет изменялись только сюжеты и цветовые фильтры, сам принцип сохранялся. Длина и монотонность его произведений напоминали полки супермаркетов. Бесконечные ряды стирального порошка Brillo, бутылок кока-колы, супа Кэмпбелл сменялись тиражированными портретами Мерилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли: «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что-то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать» – слова художника воплотились в идею «Фабрики», где на основе тиражной техники шелкографии было организовано «производство» современного искусства.
В 1963 Уорхол перенес мастерскую в центр Манхэттена, она была окрашена серебряной металлической краской. Студию начали называть «Фабрика». Царившая там атмосфера вседозволенности, излишеств и творческого горения перевернула традиционное представление о мастерской художника как об уединенном месте.
Новаторство Уорхола состояло в том, что он создал «бизнес-арт», где отвел себе роль не рабочего, а предпринимателя, приняв на себя руководство исполнителями. «Фабрика» была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих, здесь отвергались и ставились с ног на голову устои классического искусства, в частности была налажена работа по «массовому производству» портретов знаменитостей.
Человек, которого Уорхол портретировал, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом «Полароид» художник делал серию моментальных снимков, отбирал лучшую фотографию, увеличивал ее, и методом шелкографии изображение переносилось на холст. Уорхол либо закрашивал поверхность холста до репродуцирования, или же писал масляными красками по уже репродуцированному изображению. Часто Уорхол создавал несколько вариантов одной картины.
Художник считал, что на портрете все должны казаться «суперзвездами»: картина «До и после» (серия Рекламные объявления, 1960) дает стандартное рекламное обещание нового лица «от Уорхола», улучшенной версии тебя самого, подобное всем рекламам потребительских товаров.
Уорхол, твердо веривший в свою «пластическую хирургию», «приглушенный свет и обманывающие зеркала», всем своим моделям, в буквальном смысле слова, дарил красоту: убирал морщины и другие дефекты кожи, срезал двойные подбородки, делал глаза ярче, а губы более чувственными, тем самым создавая эффект звездности для своих моделей8.
Бурная жизнь Уорхола проходила в атмосфере всеобщего праздника до 3 июня 1968, когда психически неуравновешенная писательница, феминистка Валери Соланас, снявшаяся в одном из его фильмов, серьезно ранила его выстрелом из пистолета. После покушения Уорхол стал постоянно посещать ближайшую церковь, исповедоваться и причащаться.
Страх смерти побудил Уорхола создать множество работ на тему случайной насильственной смерти. Еще до покушения Уорхол отдал дань этой тематике, у него было тонкое понимание притягательности катастроф. Электрические стулья, расовые беспорядки, самоубийства, ужасные автомобильные аварии, похороны, атомные бомбы, траур Жаклин Кеннеди, посмертные портреты Мерилин Монро и больной Тейлор с удивительной достоверностью передают боязнь увечья и смерти, которые Уорхол постоянно испытывал. Блестящая иллюстрация этого – «Катастрофа с тунцом» (1963), где воспроизводятся газетные фотографии и текст статьи о двух женщинах, умерших от отравления; так же изображена смертоносная банка с тунцом A&P.
В 1979 Уорхол расписал гоночный автомобиль. Согласно его воззрениям на живопись, автомобиль мог стать движущимся произведением искусства, вся красота которого могла проявиться в динамике. Уорхол расписывал автомобиль собственноручно, наносил краски разными подручными материалами и даже пальцем: «Я пытался нарисовать, как выглядит скорость. Когда машина движется на большой скорости, все линии и цвета смазываются».
Работы Энди Уорхола стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха американского поп-арта. Художник, скульптор, дизайнер, режиссер, продюсер, писатель, коллекционер, он стал воплощением ренессансной идеи homo universale в эпоху массовой культуры. Свою жизнь художник превратил в произведение искусства, ежеминутно создавая новые и новые мифы о «легендарном Энди Уорхоле». Например, кто не знает легенду о том, как гадкий утенок Энди Уорхол, сын задних дворов великой Америки, бледный и чудаковатый мальчик с гомосексуальными наклонностями, стал живой иконой, олицетворением всего американского, начиная от Элвиса Пресли и Мэрилин Монро и заканчивая кока-колой и томатным супом «Кэмпбелл»?
Он был бесконечно влюблен в современную культуру с ее банальностью и откровенным потребительством. Уорхол был увлечен идеей искусства и бизнеса, замечал, что «успех в бизнесе - самый интересный вид искусства». «Не думаю, что деньги должен иметь кто угодно, они не для всех - как иначе отличить, кто важная персона, а кто нет?!» - говорил он.
Умение превращать в миф самого себя было, пожалуй, главным талантом Уорхола. Одна из его любимых шуток была такая: он обещал прочесть лекцию, а когда приходило время выполнить это обещание, посылал туда кого-то из своих многочисленных знакомых или последователей. Энди окружал ореолом тайны всю свою жизнь, предпочитая метафоры фактам, а иллюзии реальным событиям. Он сделал самого себя зеркалом событий, вложил собственную душу в производство массовых продуктов и сделал из них арт-объекты, подчас более значительные и одухотворенные, чем Мона Лиза и статуя Давида.
Великий мистификатор обожал шутить и усмехался, радуясь очередному удачному розыгрышу. В этом был весь Уорхол: он давал то, что все хотели взять. Мэрилин Монро? Да сколько угодно! Хлеба и зрелищ? Ешьте суп «Кэмпбелл», пейте кока-колу и слушайте, что я вам сейчас расскажу!.. Любая его выставка становилась сенсацией, хотя в ней не было ни одного нового или непривычного сюжета.
Творчество Энди Уорхола известно не только своими шелкографиями и портретами, но и натюрмортами, инсталляциями, фотографиями, фильмами…
Среди портретов Уорхола необходимо в первую очередь назвать многочисленные автопортреты Уорхола, а также популярные во всем мире картинки «Двойной Элвис», «Леди и джентльмены», изображения Жаклин Кеннеди, Этел Скалл, Натали Вуд, Мика Джаггера и, разумеется, знаменитые серии графических и живописных портретов Мэрилин Монро9.
Работы Уорхола завораживают неординарностью и раскованностью. «Автопортрет» Уорхола: наиболее проницательные увидели в нем голову шамана и, одновременно, следование традиции Джорджоне, изобразившего свою голову у ног Юдифи. В этой картине Уорхол проявил себя как прекрасный рисовальщик.
В картине «Мальчики — Девочки» великолепно переданы характеры американских детей, так передавал детский мир только Пикассо. Печальная необходимость США: два электрических стула, розовый и пурпурный. «Джеки» и «Лайза с мамой» — семейный альбом. «Четыре Мерилин» — тайное признание в любви. С 70-х годов Уорхол пишет портреты близких людей, коллег: С.Риккель, Р.Лихтенштейн, Джами Уайет. Далее — знаменитый «Суп Кемпбелл», о коробках которого исписаны горы бумаги. Два креста — красный и розовый, напоминание сразу и о Малевиче, и о Ку-Клукс-Клане. Знаки доллара, их девять. «После вечеринки» — работа, делающая честь любому художнику — реалисту. «Поросенок» — розовое существо, напоминание о картине Раушенберга. Тема насилия в обществе: «Ножи», «Будь сильным», толпа с коммунистическими лозунгами и символикой, ракетные комплексы на карте СССР. «Цветок и женщина» — тема, отсылающая к Клее. «Крылатый гений» — в манере Матисса. «Такса» напомнит работы Бердслея. «Дорожные знаки» — предупреждение о том, что без объединяющего языка общество развалится. «Камуфляжи» — визитная карточка нашего столетия. «Национальный кошмар» — о проблеме, которая раньше «у нас» не существовала: наркотики. Уорхол собирался создать цикл «Ретроспектива», но не успел.
Не менее любимым, нежели жанр портрета, был у Уорхола жанр натюрморта: «Кэмпбелл-суп» (живописный и графический варианты), «Кока-Кола», «Серп и молот», «Цветы», рисунки 50-х годов, фирменные клейма и эмблемы 80-х.
Уорхол противопоставил себя и свое творчество существующему миру искусства. Он гордился массовым характером своего производства, заявляя: "На нашей фабрике в день создается по фильму, по картине, скульптуре, много рисунков, много фотографий".
В 1980-х годах Энди добился той цели, которую поставил перед собой. Он любил повторять: "Я начал свою жизнь как коммерческий художник, иллюстратор, и я хочу ее закончить как художник-бизнесмен".
Работы 1980-х годов это демонстрируют. Уорхол все больше использует трафаретную печать-сериграфию, меняя лишь цветовую гамму. Покончив с кинозвездами и политическими фигурами, он взялся за шедевры прошлого. Появились серии "Мона Лиза", "Тайная вечеря". Его искусство шло по установленному руслу и теряло новизну. Первый раз публику шокировало, но одновременно и интриговало появление картонных коробок в углу выставочного зала. Второй раз, поскольку это запомнилось, коробки вос-принимались с удовлетворением, как уже виденное и знакомое, а увидеть упаковки из-под майонеза или супов в третий раз было неинтересно.
Живопись занимает среди работ Уорхола совсем не главное место. Энди Уорхол поставил знак равенства между всеми видами художественной продукции. Кроме ранних вещей художника - акварелей, рисунков пером и тушью, книжных иллюстраций, огромных живописных полотен – существует масса фотографий, фильмов, плакатов и инсталляций.
Огромный четырехцветный портрет Мао, Джекки Кеннеди, Элизабет Тейлор, огромное количество фотографий, показывающих, как происходил творческий процесс на фабрике – все это работы Уорхола.
В сериях "Мэрилин", "Джекки", "Автопортреты", "Черепа" чувствуется сильное влияние плаката, искусства комиксов, работ Магритта. Они различаются по цвету фона или по отбрасываемой тени, как в случае с "Черепами"10.
Интересна серия "Орхидеи". Краски беспокойные, безжалостно яркие, неестественные, соответствующие словам художника, который говорил: "Я люблю все искусственное". Но они запоминаются своей красотой. Это символизм в максимальной степени, это мир пронзительных, искусственных красок, наложенных на знакомые, привычные образы, на изображения кумиров экрана, политических деятелей и привычных обиходных предметов. И такое сочетание беспокоит. Мир Энди - это мир без нюансов, без теней, противоположный природе. Художник оголяет вселенную, оголяет наш мир, лишает его богатства оттенков и сталкивает нас с суровой прямолинейностью. Как перед прожектором, внезапно вспыхивающим в ночи, зрителю негде скрыться от мысли, что мир может быть вот таким, без чувств и ощущений.
Фабрика Энди стала творческим центром поп-арта, который он сделал частью изобразительного искусства. Энди нарушил привычную иерархию в искусстве, перевернул смысл понятия искусства, поставив на равную ногу моду, рекламу, комиксы, графику, живопись, карикатуры и оформление интерьеров.
Демократизация культуры, осуществленная Энди, коснулась нескольких аспектов. Исчезновение разницы между подлинником и копией потрясло устои выставок и продажи произведений искусства. Кроме того, он вывел искусство из элитарных выставочных залов, намеренно назвал себя художником-бизнесменом и гордился тем, что зарабатывал много денег, подчеркивая, что это тоже искусство. Он отказался от традиционной живописи в пользу сериграфии и объединил в художественную продукцию все аспекты творческой деятельности. Он изображал зубные щетки и другие предметы обихода, ставя их на один уровень с традиционными сочетаниями натюрмортов, индустриальные пейзажи и флаконы из-под духов, объясняя, что они не лучше и не хуже других. На картинах Энди изображаются расовые беспорядки, автомобильные катастрофы, самоубийства. Прошло то время, когда художники писали мифических героев или королевских наследников. Кумирами нашего времени являются кинозвезды и политические деятели. Поэтому в своих сериях он уделял такое большое внимание Джекки, Марксу, Мао, Лайзе Минелли.
Уорхол считал, что нет искусства высокого и низкого, и в этом смысле он был демократом. Он объяснял, почему он так часто изображал бутылку кока-колы: "Потому что ее пьют все, и президент страны, и Лиз Тейлор, и нищий, который знает, что его кока-кола не хуже, чем у президента".
Но за высказываниями и поведением Энди Уорхола скрывался глубокий пессимизм, порожденный развитием истории и бессилием искусства пред лицом страшных событий нашего времени. Уорхол говорил: "Искусство ничего не меняет, оно само меняется, неизбежно двигаясь к концу". И его творчество - констатация этого убеждения.
3. Энди Уорхол в кино.
Энди Уорхол был уже сформировавшимся художником, когда в 1963 он начал исследовать воз­можности кинематографического жанра. Кинематография позволила ему еще полнее разработать те образы и идеи, которые он использовал в своих картинах и рисунках для изучения культурного пространства. Она предоставила ему еще один способ фиксирования и показа своего мира. В течение последующих пяти лет он создал множество фильмов в разных жанрах, включая стро­го концептуальные экспериментальные работы и яркие портреты известных персон, а также фильмы с простыми сюжетами и с более сложной драматургией. Его работа в сфере кинематогра­фии едва не завершилась после покушения на него Валери Солинас в 1968. Тем не менее, за этот короткий период, его работа изменила отношение к кино как искусству и бросила вызов традицион­ному кинематографу.
Хотя его часто изображают как асоциальную личность, Уорхол в действительности был страстным общественным деятелем, всегда стремился к тому, чтобы вокруг него были люди, постоянно уча­ствовал в светских "тусовках" и культурных мероприятиях, где он общался и со знаменитостями, и с простыми людьми. В 1965 он был в восторге от встречи с эстрадной звездой Джуди Гарланд, кото­рая пришла в его студию "Фабрика" на вечер, посвященный "50 самым красивым людям". На са­мом деле его журнал "Andy Warhol's Interview", впервые вышедший в 1969, был изначально заду­ман как журнал о кино, отчасти для того чтобы он мог поддерживать контакты со знаменитостями и посещать кинопремьеры. Но столь же сильное впечатление на него могли произвести и встречи с удивительными незнакомцами, которые приходили без приглашения. Его собственные фильмы нередко демонстрировались в его студии в качестве развлечения для гостей и эффектного фона для вечеринок. Эффектный ореол, который придавало участие в фильме Уорхола, привлекал все больше людей на его орбиту. Они удовлетворяли его потребность в красоте и одобрении, неред­ко становясь героями его произведений11.
Как в классической голливудской студии, на "Фабрике" Уорхола был свой постоянный состав исполнителей. Однако чаще всего это были харизматические личности, которые случайно примыкали к кругу художника, а не профессиональные актеры. Многие из них, мечтавшие стать звездами кино, становились благодаря Уорхолу суперзвездами его фильмов. Но в отличие от захватывающих сюжетов большинства голливудских фильмов приключения суперзвезд Уорхола были обычными событиями повседневной жизни — разговорами с друзьями, валянием в постели, стрижкой, одеванием, едой в ресторане. Как картины Уорхола превратили всем известные продукты, такие как суп „Кэмпбелл", кетчуп "Хайнц" и коробки "Брилло" в фетиши американского образа жизни, так и придание в его фильмах особого ореола повседневным занятиям еще более раскрыло его понимание мирского великолепия.
В первом фильме Уорхола — пятичасовом „Сне" (1963) — показан поэт Джон Джиорно, спящий в своей постели. Хотя многим наблюдение за спящим кажется утомительным, Энди Уорхола вид его спящего любовника приводил в восторг. „Энди снимал около трех часов, до пяти утра, когда всходило солнце, снимал сам... Съемки продолжались месяц. Мы закончили, когда Он отснял тысячи рулонов пленки. Энди просматривал их на проекторе, крутя рукоятку, и говорил: „О, как они прекрасны"'. Уорхол так описывал ненасытность, которую он испытывал к наблюдению: „Я делал мои ранние фильмы с одним актером, который в течение нескольких часов совершал на экране одни и те же действия... Я делал это потому, что люди обычно ходят в кино, чтобы смотреть на „звезд", пожирая их глазами, а я дал шанс смотреть на „звезд" так долго, как зрителям хочется — вне зависимости от того, что они делают — и „пожирать" их столько времени, сколько хочется"
В фильме Уорхола „Еда" (1964) показан художник Роберт Индиана, поедающий гриб. Он ел медленно, чтобы процесс занял около 30 минут, в то время как Уорхол отснял девять рулонов пленки. При монтаже фильма Уорхол расположил пленки в неправильном порядке, так что уже, казалось бы, съеденный гриб вновь возрождался.. Последние кадры, показанные в замедленной съемке, чтобы продлить время действия, а также усилить ощущение вялости движений, превращают обыденное действие в магическое. Как и картины Уорхола, многие его фильмы — это по существу портреты. Он использовал портреты, чтобы уловить течение жизни вокруг него. В своих картинах Уорхол нередко идеализировал и приукрашивал своих натурщиков. Хотя кинематограф исторически считался средством отражения реальности, он в действительности парадоксален, одновременно и отражая мир, и давая ему оценку. Кинематографические возможности реализма, времени и движения расширяли потенциал Уорхола для создания достоверных портретов людей в его фильмах, но одновременно показывали отношение Уорхола к этим людям и, в широком смысле, его интерес ко всему человечеству.