история развития художественного проектирования

Целью написания данной работы является изучение всех значимых моментов в истории художественного проектирования и их влияние на современную архитектуру, дизайн и интерьер. 20.12.2014г., Московский Государственный Областной Университет, кафедра теории и методики профессионального образования, оценка ОТЛИЧНО(93 б. из 100) ...

Оглавление
1.ВВЕДЕНИЕ 2
2.ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ПРОЕКТИРОВАНИЯ ИНТЕРЬЕРА 4
2.1 РОССИЙСКОЕ НАПРАВЛЕНИЕ РАЗВИТИЯ ДИЗАЙНА 9
2.2 ЧИКАГСКАЯ ШКОЛА АРХИТЕКТУРЫ 9
3.ИСТОРИЯ ИНТЕРЬЕРА КАК ИСТОРИЯ СТИЛЕЙ 12
3.1 КЛАССИФИКАЦИЯ СТИЛЕЙ 13
3.2 АНТИЧНОСТЬ 14
3.3 ОРДЕРНАЯ СИСТЕМА 15
3.4 РЕНЕССАНС 16
3.5 БАРОККО 17
3.6 ОРГАНИЧНАЯ АРХИТЕКТУРА 19
3.7 ХАЙ-ТЕК 20
3.8 КИТЧ 21
4.ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ПРОЕКТИРОВАНИЕ ВНУТРЕННЕЙ СРЕДЫ В ЖИЗНИ ОБЩЕСТВА 23
5. ЗАКЛЮЧЕНИЕ 25
6.СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ 26

Современный этап развития проектного искусства, к которому в полной мере принадлежат и дизайн и архитектура, интересен одной особенностью. Она носит достаточно узкий, как бы внутрипрофессиональный характер и не всегда заметна даже специалистам. Речь идет об интеграции целей, методов и секретов мастерства у разных ветвей проектного творчества: архитекторы все время пробуют себя в дизайнерском плане, придумывая новые формы стульев, автомашин и нестандартные приемы благоустройства городских улиц и площадей, а дизайнеры активно занимаются интерьером и моделированием пространственных ситуаций — тем, что раньше целиком принадлежало зодчим.
Актуальность данной темы, посвященной изучению истории и развития художественного проектирования, является тот факт, что в современном мире проектированию уд еляется гораздо больше внимания, нежели раньше.
В связи с актуальностью темы, целью написания данной работы является изучение всех значимых моментов в истории художественного проектирования и их влияние на современную архитектуру, дизайн и интерьер.
Представляется целесообразным постановка следующих задач: изучить литературу по заданной теме, выделить наиболее значимые моменты в истории развития художественного проектирования, проследить связь и влияние на современный дизайн.
В соответствии с поставленными целью и задачами структура работы состоит из введения, основной части, заключения и списка литературы

Такая архитектура создавалась в тесном сотрудничестве с инженерами и была в первую очередь индустриальным строительством. Наиболее известным представителем Чикагской школы является архитектор и публицист Луис Салливен (1846-1924). Он один из первых стал проектировать здания с металлическим каркасом в виде облицованных кубов [3] , превратив их полностью в здания машинной эпохи. При минимуме декора гармония достигалась, главным образом, пропорциями основных объемов, ритмом окон, совершенством отделки деталей. Считая критерием истинности творчества соотношения формы и функции, он формулирует закон природы: «Каждая вещь в природе имеет форму, иначе говоря – свою внешнюю особенность, указывающую нам, чем именно она является, в чем ее отличие от нас и других вещей… Всюду и всегда форма следуетза функцией – таков закон. Там, где неизменна функция, неизменна и форма».Общепризнанный патриарх американской архитектуры Фрэнк Ллойд Райт, ученик Л. Салливена, именуя конец XIX века веком стали и пара, с помощью которых пишется подлинная летопись новой культуры, призывал изучать работу машины, ее логику, ее формы, ее влияние на людей, не допускать того, чтобы с помощью машины индустриальным путем тиражировалась пошлость и эклектика. Отвергая ручное производство как слишком дорогостоящее, Райт утверждал, что дизайнеры должны создавать прототипы изделий массового машинного производства, предварительно изучив технологию современного производства и свойства материалов.Сам Райт в своей работе много внимания уделял проектированию элементов предметной среды. Его ранняя мебель для «домов прерий» рубежа Х1Х-ХХ вв., отличающаяся изысканными пропорциями и подчеркнутой геометрией без каких-либо декоративных украшений, занимает почетное место в истории мирового дизайна. Выпущенная спустя сто лет вновь серийно в середине 80-х годов, она оказалась совершенно современной.Хотя в Великобритании и Германии существовали богатые традиции теории дизайна, промышленный дизайн, как самостоятельная профессия, по мнению ряда ученых, впервые появился в Америке, где формирование общества массового потребления началось раньше, чем в Европе. Такие потребительские товары, как автомобили, стиральные машины, холодильники, радиоприемники, бытовые электроприборы в 20-е годы стали доступными большинству американцев, благодаря чему значительно ускорился темп жизни. В Европе Америка воспринималась кузницей нового стиля «машинного века». 2.Чикаго-Манхеттен3.ИСТОРИЯ ИНТЕРЬЕРА КАК ИСТОРИЯ СТИЛЕЙХудожественный словарь Власова Виктора Георгиевича даёт следующее определение: «Стиль ( латинского stylus, от греческого stylos – «стержень, палочка для письма на восковой дощечке») – сложившаяся система принципов, закономерностей и правил определённого творческого метода, а также особенности художественных форм, присущих какой-либо исторической эпохе. Стилем также называют отражение этой системы в работе того или иного мастера или в конкретном его произведении. Понятие стиля необходимо отличать от индивидуальной манеры художника».Три общих периода развития стиляСтиль имеет три основных периода жизни (почти как любое живое существо): рождение, зрелость и старость. • Новый стиль, в период своего рождения, вносит свежие правила, новые каноны в определение красоты. На каждом этапе развития культуры создаётся своя система художественных ценностей, при этом предыдущая будто отодвигается на второй план. Таким образом, преодолевается тормозящее воздействие правил старых стилей и, вместе с тем, не теряется связь с прошлым. В новых стилях очень часто используется самое ценное из изобретенного ранее. Новый стиль возникает в момент обретения единства образной палитры, то есть, когда различные пропорции, части конструкций, формы, элементы декора и всё то, что накапливалось определенное количество времени и не было связано между собой, собирается в единую систему. Чем ярче необычность и новизна стилевых решений, тем сильнее их обособленность от прежних стилей. Для стиля опасна размытость границ. Каждый стиль борется за сохранение чистоты форм выражения и чёткости границ. Поэтому для выживания нового стиля полезно резкое неприятие старых стилевых направлений. Все стили, в той или иной степени, переживают периоды сектантства. Особенно характерно это для стилей, которые несут революционные идеи. И, напротив, стиль, который плавно вытекает из предыдущего, очень часто не имеет ясной границы. В таких случаях, для её выявления необходимы усилия специалистов. Иногда граница может быть настолько незаметной, что возникают споры об её существовании. • В состоянии зрелости, в так называемый классический период, стиль проявляет свои самые сильные стороны. Стиль окреп, и влияние других стилей ему уже не страшно. На этом этапе создаются самые прекрасные образцы, которые отмечены чистотой и изяществом форм, в которых уже не чувствуется намёка на нигилизм (что свойственно всему молодому), и они неизбежно и оправданно становятся бесспорной классикой, образцом для будущих поколений.• Период старения – это проявление усталости. Творческую натуру перестаёт удовлетворять то, что совсем недавно казалось передовым; ей хочется новых методов работы и перемен, которые приведут к изменению самого стиля. Новые элементы очень часто заимствуются из других стилей, что приводит к эклектике – смешению несовместимого в одном произведении – и, вместо улучшения, происходит разрушение целостной и гармоничной структуры. Развитие сменяется деградацией. Чужеродные элементы вторгаются в отшлифованные формы, знаменуя тем самым упадок. Бывший в молодости и зрелости прекрасный стиль в старости кажется уже уродливым и безобразным. Он умирает, забытый всеми, но всё же иногда, через какое-то время, этот стиль возрождается, благодаря новым поколениям ценителей.Таким образом, происходит смена стилей: молодой, ещё не окрепший, но, вместе с тем, агрессивный и злой стиль вытесняет предыдущий. Новый стиль может быть и прекраснее, и совершеннее уходящего, а, иногда, может быть и слабее, но современникам он кажется лучше, и в этом заключается сила нового стиля.Через какое-то время всё повторяется вновь. Когда угасает старый стиль и формируется новый, возможно нарушение единства форм, конструктивных связей и элементов композиции, что неизбежно приведёт к снижению художественного уровня произведений, которые будут создаваться в это время. Однако, для развития необходим этот неизбежный процесс. Без него эволюция стилей немыслима. И каждый период после себя оставляет и значительные, и не очень памятники искусства.3.1 КЛАССИФИКАЦИЯ СТИЛЕЙЭпоха до дизайна1. Греческая античность – XI-I века до н. э.2. Римская античность – III век до н. э.-V век н. э.3. Романский стиль – X-XII века.4. Готика – XII-XV века.5. Ренессанс – XIV-XVII века.6. Маньеризм – XVI-XVII века.7. Барокко – XVI-XVIII века.8. Рококо – XVIII век.9. Классицизм – XVII-XIX века.10. Ампир – XIX век.11. Эклектика – XIX век.12. Модерн – конец XIX- начало XX века.13. Неоклассицизм – середина XX века.14. Неорусский стиль – конец XIX- начало XX века.Эпоха формирования дизайна (начало – середина XX века)1. Модерн.2. Функционализм.3. Конструктивизм.4. Неопластицизм.5. Рационализм.Эпоха дизайна (с середины XX века)1. Функционализм.2. Минимализм.3. Поп-арт.4. Хай-тек.5. Деконструктивизм.6. Китч.7. Эклектика и стилизация.3.2 АНТИЧНОСТЬВ нашей классификации первый стиль – это античная классика (XI век до н. э.- V век н. э.; не путайте с классицизмом, который появился лишь в XVII веке). Но это не потому, что античная классика стала первым в истории человечества стилем. Стили возникали и ранее, но их влияние на последующее развитие культуры и искусства нельзя сравнивать с античностью. Например, более ранний стиль, который возник ещё в Древнем Египте, бесспорно, не менее интересен и велик, но как отдельно взятый период, следы которого не так значительны в последующей эволюции стилей, как следы античности. Включение элементов египетского декора в интерьер – это, зачастую, просто мода, без глубокого понимания особенностей древней культуры.Например, с середины XIX века, после экспедиции Наполеона I в Египет, стало очень модно использовать египетскую тематику, так как она привносила экзотики, но такие включения не означают проникновение в глубину самого стиля, а являются только стилизацией под него (поверхностной стилизацией).И, напротив, римская и греческая античность создала такую совершенную систему ценностей, без которой ни один последующий период не обходится. Почти в каждом новом стиле можно разглядеть базу, «фундамент», который остался от античной эпохи. До сих пор античные каноны являются основой многих интерьеров.Для примера, также можно привести эпоху Возрождения (XIV-XVII века), когда были заново открыты и усовершенствованы принципы, заложенные в античный период. А также и эпоху классицизма (XVII-XIX века), когда античные традиции возродились заново. Они активно используются в современных интерьерах и по сегодняшний день.В античную эпоху были определены основные каноны красоты, разработаны общие критерии в оценке гармонии, которые используются и в наши дни. Многие профессиональные термины, которые были сформулированы еще античными мастерами, дошли до нас без изменения. Созданные древними римлянами и греками эстетические ориентиры и по сей день являются актуальными. Почти все стили в последующие века ориентировались на античность, как на совершенный и абсолютный образец. Для человечества не существует более влиятельного периода, чем античная классика. Поэтому, античную классику можно использовать в нашей классификации стилей как точку отсчёта.Важнейшие понятия, пришедшие из античности• Соразмерность. Аристотель писал, что ощущение есть отношение; отправной точкой отношений является соразмерность человеку: человек – мера всему.• «Золотая середина» - важнейший признак совершенства, такое состояние, когда нельзя ни прибавить, ни убавить.• Гармония – философ Гераклит говорил, что гармония должна создаваться через контраст: «Противоречивость сближает, разнообразие порождает прекраснейшую гармонию, и всё через распрю создаётся».• Золотое сечение – важнейшее средство гармонизации и пропорционирования.• Ордер – система элементов стоечно-балочной конструкции; изначально тройственное единство основания (стилобат), колонн и лежащего на колоннах венчания (антаблемент).3.3 ОРДЕРНАЯ СИСТЕМАГреческая античность (XI-I века до н. э.) подарила миру три ордера, которые являются главными и на сегодняшний день: дорический, ионический и коринфский. А в римская античность (III век до н. э. – V век н. э.) дала ещё два ордера: тосканский и композитный. Колонны (связанные воедино несущие части) и антаблемент (верхняя, несомая часть, поддерживаемая колоннами), соединённые идеальными пропорциями и определённым ритмом, создают впечатление совершенной системы.Античный ордер представляет собой единство целесообразности конструкции и художественно-образной пластики – конструкция и декор явились единым целым. Дорический ордер является наиболее рациональным из пяти ордеров, так как в нём совершенная красота непосредственно связана с функциональностью. Идеальные формы без обилия декора лаконичны и просты. В них практически отсутствуют неоправданные украшения, каждый элемент имеет не только декоративное, а также и функциональное значение.Однако уже в ионическом ордере к аскетизму функционального и практического добавляется больше образно-художественного. Функциональная оправданность уже не встречается в орнаментальных поясах и волютных завитках из чередующихся иоников – они просто являются украшением. Однако, при этом капитель выигрывает в выразительности утончённого образа. В коринфском и в композитном ордерах ещё сильнее стремление к большей декоративности и меньшей целесообразности.Во все эпохи процесс усиления декоративного начала над конструктивным происходит до тех пор, пока не достигает своего пика в господстве декора над формой и конструкцией. В момент, когда эта ситуация становится абсурдной, наступает перелом, после которого происходит на какое-то время возврат к конструктивному и рациональному. И весь этот процесс повторяется заново. Рассмотрим этот цикл.Вначале ордер объединял декор и конструкцию. Он украшал, упорядочивал и, в тоже время, соединял всё в единый цельный организм, где нет случайных элементов.Со временем из ясной и чётко работающей конструкции ордер перемещается в часть облицовки, которая декорирует конструкцию, но напрямую с ней не связана. Ордер теперь больше является декором, скрывающим конструктивную составляющую, а иногда даже и недостатки конструкции, и начинает создавать иллюзию конструкции. При этом, ордер никогда не утрачивает свою функцию стержня, связующего всё в единый целостный организм. 3.4 РЕНЕССАНСРенессанс (от французского renaissance – «возрождение») – это, в первую очередь, эпоха, внутри которой присутствовали различные художественные стили, направления и течения. Но в эпоху Ренессанса существовала своя особая стилистика, которой можно дать определение как стиль ренессанс.Примечание: поясним, в чём заключается разница между направлением и стилем. Направление ориентировано на какой-то определённый вид искусства – живопись, литература, архитектура – и не оказывает значительного влияния на другие виды. Стиль – это более широкое, всеобъемлющее понятие. Он охватывает различные сферы искусства, направления и течения (течения, в свою очередь, могут быть частью направлений).Ренессанс начал развиваться сначала в Италии, а затем уже распространился по всей Европе. Архитекторы стали возрождать античные каноны красоты, античные формы, античный взгляд на пропорции, но учитывая веяния нового времени. Ренессанс, в узком понимании этого термина, относится к периоду XIV-XVII веков. В более широком смысле ренессанс – это максимальная точка любого художественного периода или стиля в искусстве.Ренессанс – это изысканность и изящество форм, бережное отношение к пропорциям, поиск совершенства, золотой середины, идеала, а также благородство, строгость, чувство меры.3.5 БАРОККОКультурная элита тех времён сражалась с массовой культурой того периода. И, как результат этой борьбы против массовой культуры, возник стиль барокко.Не только борьба против упадничества маньеризма, но и усталость от довлеющих ограничений и канонов ренессанса породила возникновение стиля барокко. Архитекторам захотелось взрыва эмоций, живого свободного творчества без шаблонов, которые сковывали движение.Этимология слова «барокко» так и не установлена до конца. Вначале, после ренессанса барокко воспринимали как упадок, с оттенком негативного, как деформацию красоты. Отсюда и первоначальный смысл, который придают слову барокко: чудовищность, бессмысленность объекта. Барокко (barocco) в переводе с итальянского означает «странный, причудливый».В самом начале своего становления барокко тяжеловесно, характер форм серьёзен, массивен, лишён свободы. Это можно заметить и на примере итальянской, и даже на примере отечественной архитектуры. Раннее петровское барокко тяжело и массивно, хотя в нём и использовался цвет. В живописных массах этого стиля динамика их движения не так ясно выражена, хотя это и является главной составляющей стиля, здесь больше ощущается их тяжесть (пример - Нахимовское училище в Санкт-Петербурге).Но массивность барокко постепенно уменьшается, формы становятся более лёгкими и радостными. Например, Собор Смольного [4] монастыря архитектора Растрелли, который выглядит радостным, воздушным, будто отрывающимся от земли. Однако на самом деле это - динамизм, живость движения, а не лёгкость.Ренессанс, по сравнению с барокко, более графичный, линейный, следовательно, и более плоскостной. В барокко же чёткие линии замещается прерывистыми контурами. Отдельные детали, связанные воедино, вызывают ощущение неопределённых масс, которые вибрируют под воздействием света и тени, что создаёт объёмно-пространственное ощущение. Поэтому можно так выразиться, что по стилистике ренессанс является графично-плоскостным (двухмерным, похожим на барельеф), а барокко – объёмно-пространственным (трёхмерным, напоминающим скульптуру).Собор Смольного монастыря3.