Концептуализация моделей социально-культурной деятельности бизнеса

Предмет исследования – Модели социально-культурной деятельности бизнеса
Цель исследования – Создать обобщающую классификацию моделей в арт-менеджменте и определить наиболее оптимальную для культурного центра «Я знаю»
Задачи исследования:
1. Выявить основные существующие модели взаимодействия бизнеса и культуры с учетом их маркетинговой составляющей;
2. Создать обобщающую классификацию;
3. Определить существующую и идеальную модели для культурного центра «Я знаю»
4. Разработать стратегический план развития творческого пространства «Я знаю»
Сложность работы на арт-рынке заключается в нематериальной составляющей искусства. Такая основа не поддается однозначной оценке, ее ценность раскрывается, как правило, творческим людям, хотя на арт-рынке с искусством работают менеджеры и предприниматели. ...

Содержание
Введение 3
Глава 1. Теоретические основы арт-менеджмента 7
1. 1. Арт-менеджмент как научная сфера: история и основные понятия 7
1. 2. Анализ ключевых творческих индустрий и их связь с арт-менеджментом 10
1. 3. Базовые модели арт-менеджмента 15
Глава 2. Арт-менеджмент как выгодный стратегический ход 22
2. 1. Арт-менеджмент как кросскультурная среда для искусства и бизнеса 22
2. 2. Способы взаимодействия искусства и бизнеса в современном мире 26
2. 3. Основные тенденции в развитии арт-менеджмента 29
Глава 3. Создание обширной классификации социально-культурных моделей бизнеса и разработка плана стратегического развития культурного центра «Я знаю» 35
3. 1. Методология исследования 35
3. 2. Создание комплексной классификации моделей социально-культурной деятельности бизнеса 36
3. 3.Анализ изучаемой культурной площадки «Я знаю» 45
3. 4. Разработка плана стратегического развития творческого центра «Я знаю» 47
Заключение 54
Список ссылок на источники 56
Список литературы 58
Приложение 1 63
Приложение 2 64

Введение

Современная социально-культурная сфера отличается от той, какой она была полвека назад. Менеджмент с каждым десятилетием прочнее входит во многие сферы, а с развитием СМИ, медиакоммуникаций и творческих объединений появилась потребность ими управлять. Прогресс движется вперед, появляются не только новые формы искусства, но и новые потребности, в частности, потребность в прекрасном. Арт-менеджмент призван удовлетворять эту потребность. К тому же, сейчас в России набирает обороты рыночная экономика, распространяясь и на произведения искусства, поэтому в последнее время общественный интерес к менеджменту в артосфере воспринимается как нечто обыкновенное. Культура становится предметом интереса человека, уставшего от политической и информационной вражды, местом, где он может побыть на едине с собой.
Арт-менеджмент – это уникальная наука, призванная управлять нематериальным продуктом и преобразовывать его в материальные понятия. Актуальность менеджмента в сфере искусства подтверждается необходимостью развития интеллектуального ресурса в условиях рыночной экономики. Компании на рынке искусства работают не только с произведениями искусства, но и с их творческой ценностью. Позже она воспринимается человеком и превращается в духовность, гармонию с собственным миром и чувствами. Однако на арт-рынке есть свои проблемы. Культурный уровень потенциальных потребителей искусства, в основном, не дотягивает до восприятия новаторского искусства и работ элитарной направленности. Поэтому большое количество компаний спекулируют массовым искусством, которое проще, понятнее и доступнее. С одной стороны, это играет на руку арт-менеджерам, чьи услуги начинают пользоваться спросом, но с другой стороны, мы теряем понятие «искусства» и то, чему оно служит. Искусство создано для восприятия, принятия и нравственного развития, а массовое искусство сможет отвечать заявленным требованиям только на ранних уровнях развития человека, поэтому вопроса в необходимости развития инновационных форм искусства не стоит. Вопрос заключается лишь в том, что такое искусство не найдет покупателей, а значит, свою аудиторию. Вот в чем заключается главная дилемма арт-рынка.
Арт-менеджмент – молодая наука. Творческими проектами управляли с момента появления первых видов искусства, но тогда их продажа не была важной составляющей работы как сейчас. Официально возникновение нового направления приходится на 90-е годы вместе с появлением Международной ассоциации менеджмента культуры и искусств (AIMAC). Рыночная экономика, потребности людей в прекрасном позволили признать арт-менеджмент наукой третьего тысячелетия. Теоретическая база дисциплины формировалась в последние 25 лет через различные публикации и исследования, знания передавались через общеобразовательные программы, чье количество увеличивается с каждым годом. Начиная с 1991 года, каждые два года проводится Международная конференция, собирающая от 150 до 200 исследователей рынка искусств. С конца 1998 года издается первый международный журнал, посвященный менеджменту в артосфере (IJAM), еще больше отделивший арт-менеджмент от экономики культуры. Развиваются программы обучения специалистов в области арт-менеджмента. Первая из них появилась в 1966 году в Йельском университете (США), вторая в Лондоне (1967), третья в Санкт-Петербурге (1968) и четвертая в Канаде (1969). На данный момент в мире таких программ более 200.
К числу первых работ в арт-менеджменте можно отнести Франсуа Колбера и Ива Эврара, выпустивших главное исследование «Арт-менеджмент – наука третьего тысячелетия» (2002), ставшее основой менеджмента в искусстве как науки. Также к базовой литературе относятся работы Льва Якобсона «Экономические методы управления в социокультурной сфере» (1991), Беннета «Способность управлять» (1997) и Питера Друкера «Задачи менеджмента в XXI веке» (2000). Общими вопросами арт-менеджмента также занимались Натэлла Михеева «Менеджмент в социокультурной сфере» (2000), Григорий Тульчинский «Менеджмент в сфере культуры» (2001), Виктор Чижиков «Введение в социокультурный менеджмент» (2003), Галина Новикова «Технологии арт-менеджмента» (2006).
Внимание при изучении науки уделялось также маркетинговой составляющей рынка искусства. Самые ранние работы в этом направлении принадлежат Филипу Котлеру «Маркетинг в третьем тысячелетии: Как создать, завоевать и удержать рынок» (2000) и «Все билеты проданы. Стратегии маркетинга исполнительских искусств» (2004). Его научные поиски продолжали Гуле де Монто Пьер «Арт-фирма: эстетический менеджмент и метафизический маркетинг. От Вагнера к Вильсону» (2010), Джон Хокинс «Креативная экономика» (2011) и Джон Сибрук «Культура маркетинга. Маркетинг культуры» (2015). Непосредственно изучению социокультурных моделей, что является темой работы, особое внимание уделили Паскаль Гилен «Бормотание художественного множества. Глобальное искусство, политика и постфордизм» (2015) и Анна Арутюнова «Арт-рынок в XXI веке: пространство художественного эксперимента» (2015).
Объект исследования – ООО «Проект 3» - культурный центр, лекториум, творческая площадка, образовательное пространство «Я знаю»
Предмет исследования – Модели социально-культурной деятельности бизнеса
Цель исследования – Создать обобщающую классификацию моделей в арт-менеджменте и определить наиболее оптимальную для культурного центра «Я знаю»
Задачи исследования:
1. Выявить основные существующие модели взаимодействия бизнеса и культуры с учетом их маркетинговой составляющей;
2. Создать обобщающую классификацию;
3. Определить существующую и идеальную модели для культурного центра «Я знаю»
4. Разработать стратегический план развития творческого пространства «Я знаю»
Сложность работы на арт-рынке заключается в нематериальной составляющей искусства. Такая основа не поддается однозначной оценке, ее ценность раскрывается, как правило, творческим людям, хотя на арт-рынке с искусством работают менеджеры и предприниматели. Поэтому организации, имеющие один источник дохода, например, заработок с продаж картин и музыкальных дисков или частное спонсирование, менее устойчивы и более подвержены последующему банкротству и выходу с арт-рынка. На основе этих соображений ставим гипотезу.
Гипотеза
Так как искусство по своей природе нематериально, а значит, сложно поддается оцениванию, для устойчивости компании на рынке искусства ей необходимо иметь несколько источников дохода.
Методы сбора информации
1. Экспертное интервью
2. Невключенное наблюдение
3. Участие в арт-проектах

Сергей Филонович также поднимает другую проблему при управлении талантами в компании [26] – это необходимость быть гибким и инновационным. Ссылаясь на Дэвида Галенсона, чикагского экономиста, профессор разделяет творческих деятелей на таланты концептуальные и экспериментирующие. Первые всю жизнь развивают молодую идею, которая со временем получает поддержку в социуме, вторые ищут себя на протяжении всей жизни, к ним успех может прийти в преклонные годы. К первым относится Пабло Пикассо и его работы «голубого периода», ко вторым – ставший триумфатором в 60 лет Поль Сезанн. Причем экспериментирующих талантов меньше, потому что для занятия любимым и неприбыльным делом необходимо зарабатывать на собственный хлеб или иметь спонсоров, чтобы не заботиться об этом. Зная такую тенденцию, бизнесменычасто делают непростительную ошибку, надеясь на концептуальных менеджеров, которым нужно создать что-то яркое и запоминающееся до 35 лет. В противоположном случае человеку не дают новой возможности раскрыть свои таланты и ставят на нем крест. Знакомая ситуация, когда компания предпочтет молодого выпускника опытному взрослому специалисту. Искусство показывает бизнесменам их ошибку и неправильное распределение человеческих ресурсов в организации, отсутствие внимания к людям, способным приносить организации прибыль вне зависимости от возраста. Инструментом для решения этой проблемы является наблюдение за сотрудниками, постепенно повышающими свою эффективность. Таких людей нельзя сбрасывать со счетов.Получается, что искусство и бизнес неплохо взаимодействуют между собой, добавляя каждому из них преимущества. В этом и основная сложность для менеджмента в сфере искусства – культура бизнеса сливается с бизнесом культуры. В работе Джона Сибрука «Культура маркетинга. Маркетинг культуры» [27] автор дает понять, что раньше различия между искусством ради искусства и коммерческим искусством были видны невооруженным глазом. Культура всегда шла в первых рядах и выражалась в бабушкиных пирожках, тогда как бизнес (маркетинг) был вторичен, его цель – продать испеченные пирожки. Теперь происходит много кросскультурных процессов, и границы стираются. Более того, культура постепенно подменяется рынком, возникают СМИ, транслирующие новые ценности, вынуждая художника становиться, в первую очередь, маркетологом, продающим свое искусство, а уже во вторую очередь – создателем культурной ценности. Причиной такого плохо контролируемого сдвига искусства в сторону продаж является создавшийся арт-рынок, инструменты которого не успевают за развитием. Популярность искусства, открывшиеся возможности его продажи пока не научили творческих людей и бизнесменов подходить к произведениям так, чтобы сохранять или добавлять культурную ценность. Главным решением в сложившейся ситуации станут новые приемы, стратегии и модели взаимодействия культурного и материального, балансирующие между обеими сферами и увеличивающими их суммарный выигрыш. 2. 2. Способы взаимодействия искусства и бизнеса в современном миреБизнес и искусство – это противоположные области. Отсюда и сложный характер их взаимодействия, вытекающий при «вхождении» искусства в экономическую сферу. Когда творческое наследие приобретает экономическую стоимость, его можно называть объектом для сферы бизнеса, в которой существуют особенные способы взаимодействия с творческим миром. По мнению экспертов из информационно-аналитического агентства «Урал Бизнес Консалтинг» выделяются 6 распространенных типов взаимосвязи бизнеса и арт-сферы [28]:Культура как бизнес.Используя такую тактику, компании рассматривают искусство как творческое произведение, способное принести прибыль. Это коммерческая деятельность, целью которой является извлечение дохода. Ценности предлагаемого искусства внимание почти не уделяется. Примером является современный шоу-бизнес, где наблюдается аномальное количество музыкантов со схожими песнями. Такой подход ориентирован на массового потребителя, который обеспечит спрос на продукт. Но нельзя впадать в крайность и утверждать, что массовость создает уничижительный общий вкус. Она создает вкус усредненный, потому что к ней относится и классическая литература, которую в 50-е годы XX века читали рабочие люди в метро. Еще один важный момент здесь – это «культурное производство», выражающееся в билетах на мероприятия, дисках и концертах. Именно оно формирует стоимость искусства, способную принести максимальную прибыль, а общедоступность продаваемого материала упрощает процесс ведения дел в фирме.Инвестиции в искусство.Покупка предметов искусства – это способ вложения денег с целью заработать больше через перепродажу. Особым интересом пользуется антиквариат, наглядным его примером могут стать виниловые пластинки, которые не используются повсеместно, но дорого стоят. Также с помощью эксклюзивных коллекций увеличивается символический капитал их владельцев, которые начинают восприниматься обществом как ценители редкого, элитарного искусства. Этот метод имеет некоторые сложности, в частности, за антиквариатом необходимо должным образом ухаживать, к тому же инвестиции в искусство не формируют окончательную стоимость товара, они создают лишь возможность для этого, но такие взаимоотношения бизнеса и искусства пользуются популярностью.Аукционный бизнес.Аукционы – это самостоятельная экономическая сфера, где окончательно формируется стоимость произведений искусства. Она не производит предметы творческого наследия, а создает площадку для бизнес-операций в сфере искусства. Этапами, определяющими итоговую стоимость того или иного шедевра, являются: предварительная оценка, верификация и торги. Достоинством аукциона считается получаемая на выходе объективная цена, посчитанная экспертами из культурологического сообщества. За неадекватность оценки аукционные дома могут понести юридическую ответственность.Коллекционирование.Этот вариант взаимодействия бизнеса и культуры схож со вторым, инвестициями в искусство. Однако его отличие заключается в покупке предмета искусства с последующим нежеланием продавать. Коллекционирование также формирует рыночную стоимость произведений искусства за счет договоров купли-продажи между коллекционером и автором работы. Часто такие коллекции выставляются для бесплатного показа массовому зрителю или завещаются музеям, потому что причина создания эксклюзивных собраний, например, картинных галерей – личные эстетические чувства коллекционера.Меценатство.Под меценатством (спонсорством) подразумевается бескорыстная помощь творческим организациям для развития культурной сферы. При таком взаимодействии бизнеса и культуры происходит сдвиг внимания с конкретного произведения искусства на людей и предприятия, которые участвуют в процессе донесения искусства в массы. Никакой материальной выгоды меценат не получает, однако, через причастность к творческому миру он создает собственный хороший социальный образ, готовый поддержать молодое культурное творение. Можно рассматривать такое взаимодействие как PR-ход со стороны спонсора, получается, выигрывают обе стороны. С другой стороны, меценат будет спонсировать только интересные ему проекты, поэтому меценатство – еще один способ выразить свои эстетические вкусы. Обычно в подобной поддержке нуждаются произведения «немассового», элитарного характера, которым сложно самоокупиться.Культура как PR.Как говорилось ранее, такой способ взаимодействия бизнеса и искусства может быть свойственен меценатам. Как правило, подобное поведение демонстрируют бизнесмены, не имеющие профессионального веса в своей среде. Но участие в культурной сфере как выгодный PR-ход чаще используют компании, которые предлагают уникальное коммерческое предложение через подогрев интереса аудитории. С большей вероятностью покупатели приобретут товар у компании, торговые точки которой оформлены работами талантливого малоизвестного художника, чем у обыкновенного предприятия, потому что каждому хочется быть причастным к интеллигентной среде. Ярким примером такого подхода является компания, производящая напитки Red Bull. Она повышает доверие к своему бренду экстремальными фестивалями, в результате чего возникает устойчивая ассоциация с определенным культурным проектом, который не раздражает покупателей и добавляет уникальность обыкновенному энергетику.Вышеперечисленные способы взаимодействия бизнеса и искусства за основной критерий оценки отношений принимают деньги, что объяснимо особенностью арт-рынка. Шесть данных возможностей «общения» творческого и материального можно упростить до 3-х базовых вариантов:Использование искусства для продажи и перепродажи – 1-2-3;Искусство как выражение собственного эстетического вкуса – 4-5;Искусство как дополнительная ценность – 5-6.2. 3. Основные тенденции в развитии арт-менеджментаКак было отмечено в предыдущих главах, массовое искусство имеет большие шансы быть проданным, нежели элитарное. Оно понятнее для покупателей, поэтому легко формирует рыночный спрос, к тому же стоимость такого произведения искусства легче рассчитать. В последние годы в художественном мире произошел резкий экономический рост, который особо просматривается на молодом арт-рынке. Желая создавать творчество, которое впоследствии можно будет продать, побочным эффектом развития артосферы стала потеря художественной независимости. Учитывая, что толковых моделей и методов взаимовыгодного взаимодействия бизнеса и искусства пока еще нет, то за отсутствием теоретической базы наблюдаем легко объяснимое явление. Основой сферы искусства стали деньги, поэтому котируются дорогие работы, чья художественная ценность не определена, в силу ее отступления на задний план. Все большее количество произведений искусства создается по внешнему запросу, а значит, изначально имеет свои строгие рамки. Рынок диктует правила искусству, такова центральная тенденция арт-рынка сегодня. [29] Однако «здоровый» арт-рынок как всякое взаимодействие подразумевает сотрудничество искусства и бизнеса на равных правах, что уже начинают понимать некоторые галеристы. Анна Арутюнова в своей работе «Арт-рынок в XXI веке» приводит три примера подобных компаний [30].Арт-система не имеет определенности и начинает экспериментировать, смешивая тактики и стратегии, подходящие под общественные и экономические условия в странах. Одна из моделей бразильская, воплощена в коммерческой галерее «A Gentil Carioca». Она образовалась в 2003 году в городе Рио-де-Жанейро по инициативе трех художников, взявших на себя обязанности продавцов и арт-дилеров. Со стороны кажется, что «A Gentil Carioca» – это самая обычная галерея, продвигающая и продающая работы собственного круга авторов, которые и приносят прибыль. Но у нее есть особенность. Организаторы галереи, Лаура Лима, Марсия Бонита и Эрнесто Нето, понимают галерейную деятельность как образовательную и социально ориентированную платформу, что придает их искусству дополнительную ценность. Художники посмотрели на галерею творческими глазами, а не глазами арт-рынка, и увидели ее настоящее предназначение – быть площадкой для новых проектов и обсуждения современного искусства. Таким образом, столкновение денежного и творческого у галереи «A Gentil Carioca» произошло успешно, искусство остается ради искусства, но продажи приносят необходимые для продолжения проекта материальные средства. Итог – галерея входит в пятерку наиболее известных и успешных бразильских галерей наряду с признанными гигантами «Vermelho», «Galeria Nara Roesler» и «Mendes Wood DM». Следующий путь – норвежский. В Норвегии арт-рынок не настолько развит, как в Бразилии, поэтому идеи, предложенные проектом «Tidens Krav», приобрели совершенно иную форму. «Tidens Krav» – это молодой коллектив четырех самостоятельных авторов. Они предложили новую схему взаимодействия творческих людей и покупателей. Свой арт-рыночный механизм художники назвали The Newest Standart, и он подразумевал временный переход изначально некоммерческого пространства в коммерческое заведение. Главная задача – нарушить существующие правила игры на рынке искусств, что у них и получилось. Основная идея – превратить художника в покупателя, чтобы от него зависела успешность продажи собственных работ. За счет реализации идеи планировалось обособиться от коммерческого арт-пространства и подтолкнуть современное норвежское искусство к дальнейшему развитию. Так выглядела их схема действий:Проводится границу между обычными покупателями и покупающими картины художниками;Покупки совершают все виды покупателей;Деньги от покупки работ обычных покупателей формируют прибыль;Деньги от покупки картин художниками также идут в общую прибыль, но делают покупателя дольщиком – после окончания проекта он получит некоторую сумму от заработанных за период денег;Хитрость «Tidens Krav» заключалась в вынужденной необходимости художников приводить в галерею обычных покупателей, ведь только так можно было увеличить свою долю после роспуска галереи. Помимо такого метода зарабатывания денег, «Tidens Krav» собрали вокруг своего проекта художников, осознавших преимущества взаимодействия на пути к достижению коммерческой независимости. Ребята дали возможность художникам почувствовать себя в роли покупателей, поэтому плюсов от организации такой галереи было больше минусов. Минусом оказалась недоработанность схемы, поэтому добиться сверхприбылей не получилось, хотя заработанные деньги покрыли аренду. Но несмотря на видимость фиаско, подобной схемы до них никто не использовал, и она достойна быть принятой к вниманию.«Новейший стандарт» («The Newest Standart») был сделан по принципу – сделка на арт-рынке не является чисто технической процедурой, она создает баланс коммерческого и некоммерческого, создавая преимущества для обеих сторон. Такая инициатива вскрыла несколько проблем современного рынка искусства:Мистификация арт-рынка – арт-рынок НЕ среда агрессивных сделок и контрактов;Мистификация покупателя – инвестировать можно не только ради прибыли, но и ради собственного удовлетворения вложением в прекрасное;Отсутствие баланса в оценках рынка искусства;Неспособность увидеть все грани современного арт-рынка = развитие искусства + материальное обеспечение творческого процесса.Таким образом, если решить упомянутые проблемы, то «Новейший стандарт» еще можно видоизменить, адаптировав его под реальные условия. Но нельзя и однозначно говорить, что по финансовой части проект провалился – все художники получили по 17% прибыли от вложенных денег.Тенденция третья называется вымышленным рынком, это «Маски Риты Сполингс». В основе такой идеи лежит модное увлечение вымышленными персонажами, аватарами и виртуальной реальностью. Суть проста: создается нереальный персонаж, управление которым могут осуществлять несколько человек, и так как этот герой не имеет отношения к реальному миру, то ему легче ломать очерченные рамки и выходить из традиционных стилей поведения. В результате появляется новое и радикальное искусство. Создание вымышленных ситуаций, по мнению автора монографии Анны Арутюновой [31], является самой заметной стратегий на арт-рынке в 2000-2010-х годах. Рассмотрим «Маски Рины Сполингс» подробнее.Рина Сполингс – это вымышленная личность, представляющаяся арт-дилером и художником в галерейном, музейном и литературном искусстве. Маскируясь под разные образы, за именем стоит команда арт-деятелей, познающая мир искусства всевозможными способами. История началась в 2004 году, когда вышла в свет книга, главную героиню которой звали Рина Сполингс. Это был литературный эксперимент неизвестных авторов, вероятно, тех самых арт-деятелей, стоящих за образом Рины. Через некоторое время Рина уже играла роль художника и владельца галереи, постепенно вливаясь в арт-рынок. Причиной такого поведения скрывающихся за ее маской художников является желание пробудить интерес к вопросу авторства и интеллектуальной собственности. Эта история аналогична Гомеру, Шекспиру и Шолохову и противопоставлена желанию людей найти единственного автора данного произведения искусства. Рина замыкает искусство в себе, обманывая покупателей, что является ценным стратегическим вариантом развития рынка и творчества. Обозначается проблемное поле – отсутствие целостности в искусстве. И эта проблема, равно как и вариация работать через вымышленного персонажа, уже вышла за рамки Нью-Йорка; Клер Фонтен из Парижа, работает над неоконцептуальным искусством.Основное нарушение правил Рины Сполингс состояло в поддержке и предпочтении работающих, но не особо популярных на арт-рынке художников, в противовес галереям, стандартно ищущих выпускников с дипломами. И это сыграло ее выставкам на руку. У таких художников уже есть свое видение искусства и навыки творческой работы, и самое главное, отсутствие негативного опыта работы на арт-рынок, зажимающий возможности. Работы таких художников аутентичны и способны вносить больший вклад в современное искусство, нежели работы новичков. Метод Рины Сполингс можно обозначить так – традиционная галерея + нестандартный подход к роли художника в пространстве арт-рынка. Именно такой метод подрывает основы классического подхода к сфере искусства, лишая ее привычной системы координат, заставляя искать пути развития и озадачивать покупателей вопросами об истинной ценности искусства.Итог – все же можно найти общее в таких разных моделях социально-культурной деятельности бизнеса. По мнению Анны Арутюновой [32] – будущее за artist run spaces, за пространствами, которыми управляют сами художники, ведь играть по своим правилам легче, чем по правилам недружелюбного рынка. Когда художники изобретают и внедряют собственную систему по зарабатыванию денег на дальнейшее творческое развитие, они получают уникальное преимущество перед арт-рынком – пробовать новые и радикальные творческие формы, которые в итоге развивают современное искусство. Главная тенденция современного арт-рынка – появление большого количества галерей и пространств, не подходящих под конкретный тип деятельности, например, коммерческий или образовательный. Это еще раз подчеркивает гибкость сферы искусства и необходимость в создании комплексной модели по существующим формам взаимодействия искусства и бизнеса, чтобы впоследствии было проще изобрести на этой базе кардинально новое.Глава 3. Создание обширной классификации социально-культурных моделей бизнеса и разработка плана стратегического развития культурного центра «Я знаю»3. 1. Методология исследованияЧтобы создать итоговую классификацию моделей взаимодействия искусства и бизнеса, будут использованы изученные теоретические работы в качестве базовой основы. Также было проведено интервью с менеджером арт-проектов исследуемого пространства «Я знаю» Александром Карпюком, которые обозначил главные тенденции и проблемы современного арт-рынка. Расшифровка интервью находится в Приложении 2, ниже приведены вопросы:Охарактеризуйте специфику творческого центра «Я знаю», чем проект отличается от «Арсенала» и подобных заведений?Какая цель и миссия у Вашего арт-проекта?С какими сложностями сталкивается молодая культурная площадка?Нужен ли спонсор, и как обстоят дела с финансированием?По вашему мнению, выбор стратегии развития арт-проекта зависит от его типа (выставки, аукционы, лектории, образовательные площадки, галереи)?Почему именно сейчас арт-рынок становится популярным?Возможно ли все существующие арт-проекты объединить в одну модель? Или каждый проект – это индивидуальность?На какую аудиторию работает центр «Я знаю»?В чем особенность российского рынка искусств? Каковы его отличия от Запада?Как должно искусство взаимодействовать с арт-рынком?Для того чтобы провести комплексный анализ исследуемой площадки «Я знаю», проведенного интервью недостаточно, поэтому к методам добавилось включенное и невключенное исследование, которое выражалось в участии в организации арт-проектов и наблюдения за действиями пространства через СМИ. Организация лекций позволила выявить существующие финансовые проблемы, тогда как невключенное наблюдение обнаружило проблемы в сфере маркетинга.3. 2.