Цветочный натюрморт в голландском искусстве 17 века.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Существовало несколько важных факторов, повлиявших на столь бурное развитие натюрмортной живописи. Во-первых, удивительный для небольшой страны уровень достижений в общественных науках, математике, физике и естествознании. Так, великолепные нидерландские географические карты и атласы славились во всей Европе, открытия учёного-зоолога Левенгука получили всемирную известность, нидерландские мореплаватели привозили из путешествий в экзотические страны разнообразные редкости, растения, посуду, интересные технологии изготовления вещей. Словно на витрине, расставлены перед зрителем кухонная утварь, цветы, фрукты, предметы быта — возможно, чтобы рассказать о благосостоянии родины, ведь эстетика натюрмортов была приятна и иностранцам, приобретавшим картины для украшения своего дома.
На ...

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ 3

1. Царство фауны. Голландский цветочный натюрморт в 17 веке 5
2. Цветочный натюрморт в голландском искусстве 17 века 6
2.1 История становления цветочного натюрморта как самостоятельного жанра. 6
2.2. Разновидности цветочного натюрморта в голландском искусстве 17 века 8
2.3. Мастер цветочного натюрморта Рулант Саверей 11

ЗАКЛЮЧЕНИЕ 14
СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ 15
ПРИЛОЖЕНИЯ 16

ВВЕДЕНИЕ

Голландский цветочный натюрморт определяют как уникальное культурное явление 17 века, повлиявшее на последующее развитие европейского изобразительного искусства.
К тому времени меняется контекст натюрморта: изображение растений с ботанической точностью, их красотой и разнообразием форм начинает доминировать над символическим содержанием картины, где зачастую изображали череп («помни о смерти»). Для «малых голландцев» характерно особое мировосприятие и понимание жизненных ценностей. Осторожно и любовно они приоткрывают прелести мира вещей и природы, дают возможность увидеть их многогранность и богатство. Удивительные редкости, растения и посуду завозили из далеких стран мореходы Нидерландов, а художники показывали их красоты на своих картинах. Они могли собирать и сочетать в гармо нии самые различные вещи и проникать в саму суть их внутреннего мира. На развитие голландского натюрморта оказал влияние и естественнонаучный прогресс.
Старинные натюрморты принадлежавшие руке старых голландских мастеров «золотого» для них XVII века с полным правом входят в плеяду знаменательных достижений мировой художественной культуры. Появившись в качестве важного составляющего элемента в образно-пластической структуре памятников ранних нидерландских картин, натюрморт как самостоятельный, эстетический жанр, аналогично пейзажу и изображению сцен обычной жизни, полностью сформировался в творчестве мастеров Южных и Северных Нидерландов ко второй половине XVI века.
Но здесь следует сказать, что само определение «натюрморт», применяемый в настоящее время повсеместно, в реальности имеет совсем не нидерландские корни и появился намного позже, в работах французских энциклопедистов эпохи Просвещения. В то время как голландцы в XVII веке не представляли что может быть упорядоченная жанровая классификация. В инвентарях старинных собраний и аукционных торгов, также как и в юридических актах, может просто подразумеваться, «ваза с цветами» («een blompot»), «завтрак» («ontbijtje»), «фрукты» («fruitje»), «охотничьи трофеи» («jachtje») или «атрибуты обычной жизни» («vanitas vanitatis»). Одни живописцы увлекались портретами, другие — пейзажами, третьи — жанровыми сценами или натюрмортами и т.п. Также, в границах жанра была классификация по отдельным типам: а именно, в натюрморте могли предпочитать цветы (на ряду с изображением букетов и гирлянд), заморские раковины, рыбы или различные предметы, принадлежащие к учёной аллегории «Суета сует».
Цель данной работы рассмотреть цветочный натюрморт в голландском искусстве 17 века.

Еще одной характерной их особенностью является логически продуманный порядок восприятия натюрмортной группы. Начало его – сорванные цветы в левом нижнем углу картины. Далее взгляд зрителя, подчиняясь ритмическому строю натюрморта, переходит от цветочной вазы к центральной части композиции, границы которой очерчены в гаагской и лондонской картинах кромкой ниши. Подобный прием, унаследованный от миниатюрной живописи, стал излюбленным у мастеров цветочного натюрморта. И, наконец, во всех этих картинах использован принцип контраста, выражающийся в чередовании крупных и мелких цветов.Картины, Амбросиуса Босхарта Старшего, являвшегося современником Якоба де Гейна, серьезно повлияло на развитие цветочного натюрморта. Его первые известные произведения отличаются простым расположением предметов, симметричностью композиции, чистыми тонами и особенно любовью к деталям, выписываемым с удивительной кропотливостью. Свои поздние картины мастер освободил от детерминизма симметрии, вследствие чего, его композиции стали более раскованными. Но цветы и насекомых он не перестал изображать тщательно и, утонченно.Некоторые черты цветочного натюрморта проявляются сперва в картинах исторических и религиозных жанров. В последствие, цветочный натюрморт стал важной ступенью в объяснении художественного образа полотен, его наделили определенной символикой, смыслом, помогающим прочесть замысел художника. К началу VII века натюрморт определяется в качестве самостоятельного, самодостаточного жанра, в котором каждому предмету отводится своя роль в выявлении основного художественного смысла.2.2. Разновидности цветочного натюрморта в голландском искусстве 17 векаЗачастую живописец применял в своей картине текстовое изображение. Постоянно это применялось в ученых лейденских натюрмортах “Vanitas” (лат. “пустота, тщетность, бесполезность, ложность, бессодержательность”). Обычными здесь стали цитаты из Библии или из античных авторов, посвященные теме “суеты сует”: “Всякая плоть - трава, и вся красота ее - как цвет полевой” (из Книги пророка Исаии), “Дни человека, как трава, как цвет полевой, так он цветет” (из Псалтыри), “Прошедший мимо розы, не ищи ее более” (из Горация). Текст помещался или в красивом картуше, или был тщательно выписан на ветхом листе бумаги (древность становилась синонимом достоверности), или помещен на раскрытой странице старинного тома, или составлял заглавие как бы случайно брошенной книги. И каждый объект полотна того времени соответствовал тексту: роза, цветы полевые, насекомые - стали обычном символом скоротечности человеческого бытия, а бабочки и стрекозы - символом спасения души. Поэтапно для таких живописцев отбирали специальные значимые предметы. Песочные часы помогали вспомнить о скоротечности жизни, букеты цветов - о увядании и проходящем, дымящиеся лампы, трубки - о скоротечности, а королевские регалии - о сокровищах, которые нельзя взять с собой другой мир. Специально изображали человеческий череп который являлся показательным примером бренности, пустые (или наполовину полные) стеклянные бокалы, которые отождествлялись с хрупким человеческим существованием и огарок свечи считавшийся символом угасшей жизни.Зачастую в натюрмортах “Vanitas”можно встретить “спонтанные” книжные россыпи (уже ушедших времен), приборы для измерений (уже не применяемые) флейты и скрипки (“чье звучание является прекрасным и мимолетным). Для французских натюрмортов характерны персонажи, которые пускают мыльные пузыри - человеческую жизнь сравнивают с тонким и неверным пузырем. А в Англии, после 1649 года, во многих “Vanitas” появляются портреты казненного Карла I Стюарта - конец этого короля лишь подтверждал мысль о бренности земного счастья и шаткости земной власти.Очень часто символом бренности служат цветы и травы. Особенно, если цветы и травы - полевые. Помещенные на фоне пустого проема окна они еще более подчеркивают безнадежность. Иногда листья цветов изъедены насекомыми, а рядом разбросаны пустые раковины или орехи.Сами цветочные натюрморты расписывались как “гирлянды” и “букеты”. Особую сложность для понимания представляют “гирлянды”. “Гирлянды” можно увидеть среди работ знаменитых мастеров - Я. Брейгеля Бархатного, Д. Сегерса, Я.Д. де Хема. Велткую славу в этой области заслужил монах иезуитского ордена Д. Сегерс. Отдавая дань его таланту и мастерству коронованные особы Европы делали ему дорогие подарки - золотой крест с аллегорическими фигурами из эмали, золотые кисти и золотая палитра и т.д. Цветам, изображенным на его картинах поэты посвящали стихи.Гирлянда которой оборачивали контур центрального изображения (а оно могло быть очень разным, в основном - это портрет, принадлежащий кисти других мастеров), представляла собой знаменитый символ Вечности - змею, обвившуюся вокруг крылатых часов. Потому и данные композиции несли функцию прославления. В саму гирлянду вплетали белые лилии и хлебные колосья, которые связывали с Христом или Марией и напоминавшие о чистоте прославляемого. Также, многое в гирляндах было символом времен года: цветы были весной, колосья и фрукты - летом, виноград и овощи - осенью, лимоны - зимой (“все меняется, неизменной остается лишь добрая память”).(приложение 1)Язык цветов, заимствованный еще Возрождением из средневековой символики, был в XVII веке понятен практически любому воспитанному аристократу. И потому гирлянды легко “читались” зрителями. Богоматери посвящали подснежники, померанец, розы, ирисы; обращение ее к Христу символизировалось тюльпанами; веткой чертополоха - страсти Христа; триумф небесной любви часто выражался нарциссом.Гирлянды обвиваются не только вокруг портретов. Часто это часы, евхаристическая чаша, бокалы вина и даже картуш с текстом. Иногда же небольшой венок помещается прямо в кубок. Эта композиция восходит к одной из известных эмблем: кубок с широкой чашей, наполненной вином, в которой плавает цветочный венок. Надпись гласила: “Что не думаешь об участи смертных?” Так торжественная гирлянда по смыслу смыкалась с “Vanitas”.Натюрморты изображенные в виде букетов (в вазе, кувшине или просто на столе) как правило составляли в трех видах. И основной контекст картины выпадал на разные предметы. В радиальной композиции (стебли цветов расходящиеся веером из одной точки) главным стало изображение цветка, который помещали в место объединения стеблей. Композиции второго направления, как ковер, призваны для полного заполнения пространства полотна. В данном случае применяется вертикальная иерархия цветов и их смысловой значимости. Третью разновидность композиции встраивают в треугольную фигуру. Здесь самый значительный цветок является центральным, а все другие цветы симметрично располагают вокруг него. Вскоре строгую симметрию нарушили и самой исполняемой стала, разработанная Я.Д. де Хемом S-образная форма букета с плавными завитками, которые предвосхищали стиль рококо.Также создается специфическая иконографическая схема с четким разделением на зоны пространства. В нижней части холста, возле вазы, как правило располагали знаки смертности - цветы которые были сломанными или увядшими, осыпавшиеся лепестки, полые раковины, гусеницы, мухи; в центре - символы скромности и чистоты (средней умеренности), которые окружали пышные, но недолговечные цветы (ландыши, фиалки, незабудки, цикламены в окружении роз, гвоздик, анемонов и т.д.); венчает композицию крупный цветок, чаще имеющий положительную значимость, этакий венец добродетели (да еще в окружении бабочек и стрекоз). Сама же ваза уподоблялась при этом хрупкому сосуду, однако могла иметь и толкование тела, как “сосуда мерзости и греха”.Многочисленные стеклянные, хрустальные, да и глиняные сосуды, с цветами и без них, воспринимались как нечто хрупкое, неверное, готовое вот-вот разбиться. Дорогие сосуды лишь подчеркивали это ощущение, неся дополнительный смысл тщетности богатства. Содержимое сосудов переводили по-разному.