Крымские пейзажи и этюды К.А. Коровина

Оглавление
Введение. Обзор литературы 3
Глава І. Особенности стиля и индивидуальности русской живописи второй половины XIX – начала XX века 11
1.1. Творческие характеристики русской пейзажной живописи 1870-1880-х годов 11
1.2. Русская жанровая живопись 70-х - 90-х годов XIX века 26
Глава ІІ. Импрессионизм в творчестве живописцев России конца ХІХ – начала ХХ века 51
2.1. Особенности импрессионизма в русской живописи конца ХІХ века – начала ХХ века 51
2.2. Проявление русского импрессионизма в творчестве Константина Коровина 54
Глава ІІІ. Художественная оригинальность в крымской живописи Константина Коровина 61
3.1. Крымские мотивы в творчестве К. Коровина 61
3.2. Воплощение образа крымской природы в пейзажах и этюдах К. Коровина 65
Заключение 74
Список литературы 80

Может быть, рядом с другими произведениями К. Коровина Москворецкий мост выглядит более сухим по живописи, но, благодаря строго выверенному композиционному решению с пустым передним планом и сплошной застройкой дальнего берега, нам открывается широкая перспектива московских строений, над которыми возвышаются ритмически организованные памятники древней архитектуры. «У балкона. Испанки Леонора и Ампара.» Картина У балкона. Испанки Леонора и Ампара - одна из лучших в творческом наследии К. Коровина. Удивительно гармоничная в своем неброском колористическом решении, естественная в композиционном построении, она не раз присутствовала на российских и международных выставках. Именно ею Коровин дебютировал как экспонент на XVII выставке Товарищества передвижных художественных выставок в Петербурге; одна из золотых медалей на Всемирной Парижской выставке 1900 года была получена именно за это небольшое произведение. И недаром эту картину у художника приобрел Савва Мамонтов.С именем К. Коровина связано становление в русской живописи импрессионизма - течения, которое зародилось во Франции и широко распространилось в европейском искусстве последней четверти XIX века. Свою задачу импрессионисты видели в предельно точном воссоздании на холсте каких-либо преходящих, мгновенных состояний природы и человека, той окружающей нас световоздушной среды - невидимой и бесцветной,- которая определяет в природе все: контуры и цвет предметов, насыщенность и рефлексы цвета, его гармонию и дисгармонию, изменчивую атмосферу пейзажа, настроение, эмоциональную тональность. Свет и цвет становятся главными «героями» картин художников-импрессионистов - Моне, Сислея, Ван Гога, Гогена, Ренуара и других. Писали они почти исключительно на природе, на открытом воздухе, возведя пленэр всвоего рода, принцип, в значительной мере определивший специфику импрессионистской живописи. Отсюда невиданная дотоле свежесть и чистота цвета, очищенного от бурого музейного колорита, непосредственность и острота восприятия и отображения обыденной жизни, случайность композиции, построенной не по классическим канонам, а как бы подсмотренной художником в жизни и пришедшей на смену сложным сюжетным композициям с развернутым повествованием, увлечение этюдом с натуры - не как подготовительным материалом для будущих картин, а как самостоятельным жанром живописи.Изучив теоретические аспекты французского и русского импрессионизма на основе творчества представителей этого направления, сравнивая черты французского и русского импрессионизма можно сделать вывод, что живописные открытия художников второй половины ХІХ века составили целую эпоху в развитии изобразительного искусства и имели далеко идущие последствия. Импрессионизм, зародившись во Франции, проявился и в других национальных художественных школах, волнами распространился в искусстве многих стран мира. При этом имело место не влияние извне в форме прямого заимствования чужого языка, а взаимодействие, диалог художественных культур, продиктованный собственными тенденциями развития каждой культуры. Следовательно можем сделать вывод, что суть импрессионизма двояка. С одной стороны, это стилистическое направление, особое мировидение, мироощущение, мировосприятие, мирочувствование. С другой - особый творческий метод со своей техникой, манерой, приемами. При этом типологическое сходство вариантов импрессионизма в разных художественных школах не исключает наличия национальной специфики, внешнего несходства форм. Таким образом,сомневаться в том, был ли импрессионизм в России, не приходится. русский импрессионизм был. У него было свое неповторимое лицо и его рождение явилось результатом не столько внешнего воздействия, сколько собственной эволюцией русского искусства. Глава ІІІ. Художественная оригинальность в крымской живописи Константина Коровина3.1. Крымские мотивы в творчестве К. КоровинаЯркий, самобытный и глубоко национальный художник, усвоивший заветы учителей Московского училища живописи, ваяния и зодчества Алексея Саврасова и Василия Поленова, К. Коровин впитал импрессионистическую чистоту цвета, фактуры, умение передать на полотне световоздушную среду. Он первым из русских художников стал писать не только пейзажи, но и портреты, жанровые картины на пленэре. Личности и творчеству К. Коровина присущи особый артистизм, изящество и внутренняя свобода. Не случайно друзья-художники называли его «русским французом». А ещё говорили, что «ему улыбаются все краски мира». Он создавал красочную живописную симфонию, оживляя полотна своим поэтическим чувством. Каждым движением своей души он славил жизнь и человека. Искромётной радостью пронизаны его живописные холсты. За что ни брался - всё делал со вкусом, ярко и талантливо, был не только непревзойдённым живописцем, но и писателем, прекрасно понимал музыку и театр, хорошо пел. Его участие в выставках известнейших художественных объединений «Союз русских художников», «Мир искусства» становилось событием. Станковист, декоратор и монументалист, он разрабатывал эскизы для интерьеров, писал декорации для Частной оперы Саввы Мамонтова, Большого и Мариинского театров. Когда открывался занавес на спектаклях «Руслан и Людмила», «Хованщина», «Садко», половодье красок сверкало на сцене и вызывало бурные восторги публики.История дома К. Коровина в Гурзуфе началась со встречи с Антоном Павловичем Чеховым. В своих воспоминаниях Константин Алексеевич живо воспроизвёл это событие в 1904 году на ялтинской Белой даче. Он показал Антону Павловичу бывшие с ним только что написанные в Крыму свои вещи, думая его немножко развлечь. Это были ночью спящие большие корабли.После, благодаря А. Чехову, К. Коровин жил в Гурзуфе и построил себе там мастерскую. И из окна дома был виден домик у скалы, где когда-то жил Антон Павлович. Этот домик К. Коровин часто воспроизводил в своих картинах. Розы... и на фоне моря интимно выделялся домик Антона Павловича. Он давал настроение далёкого края и море шумело около бедного домика, где жила душа великого писателя, плохо понятого своим временем.Константин Алексеевич купил кусочек земли в Гурзуфе чуть дальше от моря, чем чеховская дача, построил по собственному проекту виллу из четырнадцати комнат, которую назвал «Саламбо» - по роману о карфагенских страстях Густава Флобера и одноимённому балету в Большом, к которому написал декорации.Гурзуфский период был недолгим - с 1911-го по 1917 год. Работы этого времени отличаются особой лёгкостью, артистизмом. «На берегу моря», «Пристань в Гурзуфе», «Гурзуф вечером», «Базар цветов» «Рыбачья бухта» буквально завораживают. Именно на юге появляется интерес К. Коровина к натюрморту, недооцениваемому им ранее жанру.Картины Константина Коровина сегодня невероятно популярны у российских и украинских коллекционеров. На аукционах они стоят сотни тысяч долларов. И уже в день открытия выставки в Третьяковскую галерею выстроилась огромная очередь из ценителей прекрасного. Парадоксально, что сам художник, снискавший славу первого русского импрессиониста, умер фактически в бедности.Картины художника подделывали еще при его жизни. Выставка «Константин Коровин. Живопись и театр» - один из самых масштабных мировых художественных проектов года. В экспозиции представлены около 240 лучших произведений мастера из Третьяковской галереи, из более двадцати музеев России и стран ближнего зарубежья, из частных коллекций.Картины яркие, жизнерадостные. Необыкновенно красивы виды Парижа, запечатленные во время поездок художника во Францию в начале прошлого века, панно с изображением природы крайнего Севера, которая потрясла Коровина во время его путешествия к Белому морю, и, конечно же, крымские пейзажи и натюрморты с розами.Любимый образ художника в гурзуфских натюрмортах – розы. В 1904 году К. Коровин приехал в Ялту, чтобы навестить тяжело болеющего А.П. Чехова. Крым произвел на живописца такое сильное впечатление, что он, как уже указывалось выше, решил приобрести участок земли на берегу Гурзуфского залива. Здесь гостили И. Репин, М. Горький, В. Суриков, А. Куприн, Ф. Шаляпин.К. Коровин, как известно, творил в Гурзуфе с 1910 по 1917 год. Революция поломала художнику жизнь - в новой России его творчество оказалось невостребованным. Но и в Париже, куда К. Коровин уехал, снискать прежнюю популярность ему не удалось.Периферийное географическое расположение Крыма способствовало консервации творческой жизни региона. Когда в России конца XIX века возникает пейзаж-этюд как первые проявления импрессионизма, в крымском регионе барьером на пути новых веяний остается незыблемый авторитет реалистического живописи И.К. Айвазовского и его последователей.Отображение живого, непосредственного впечатления от природы как важного контекста художественного произведения только в 1920-е годы появляется в картинах М.П. Крошечкина-Крошицкого «Цыганская слободка» (1928, ил.1), «Сушка парусов. Балаклава» (1928, ил.2). В то время художник жил в Севастополе, в художественном музее которого и хранятся названные произведения.До приезда в Севастополь Крошечкина-Крошицкого, выпускник Санкт-Петербургской академии искусств, где учился в 1900-1906 гг., некоторое время работал и преподавал в Харькове, где в то время приобретал распространение «Пейзаж настроения», а пейзажисты харьковской школы еще в 1890-х годах, несколько лет опережали пейзажистов других школ, в частности русского, начали применять импрессионистические принципы.Непросто складывались судьбы многих представителей русской интеллигенции, уехавших после революции в Европу. В дореволюционной России Константин Коровин не бедствовал, получал постоянные заказы в театрах, был востребован и как архитектор, картины его покупали коллекционеры.Популярность К. Коровина достигла такого масштаба, что работы художника подделывали еще при его жизни. Он даже сокрушался, как это неприятно, когда тебя пытаются копировать, да еще и подписывают фальшивку твоим именем. Увы, в Париже работы Коровина не покупали так, как прежде на родине.В эмиграции живописец очень тяжело переживал разлуку с Россией. Тосковал так сильно, что постоянно видел во сне места, где жил прежде, ощущал запахи родной земли, прелых листьев. Все это К. Коровин описал в своих рассказах на склоне жизни.На одной из выставок К. Коровина Федор Шаляпин сетовал, что его портрет достался не ему, а коллекционеру И.Н. Терещенко. Одна из изюминок выставки - портрет Федора Шаляпина, с которым Константин Коровин дружил. Когда знаменитый певец увидел свой портрет на выставке Союза русских художников в собрании известного коллекционера И. Терещенко, то посетовал, что ему действительно было жаль, что его портрет, который так удался, попал не ко мне. Я так долго позировал и старался делать «приятное» лицо».Настоящей сенсацией экспозициистали чудом сохранившиеся декорации Константина Коровина к опере Н.А. Римского-Корсакова «Золотой петушок». Несколько лет назад их передал в дар Государственному центральному театральному музею имени Бахрушина внук художника Василия Поленова Александр Ляпин.Как известно, в 1900 году К. Коровин возглавил театрально-декорационную мастерскую императорских театров - Большого в Москве и Мариинского в Санкт-Петербурге. За два десятилетия оформил более 80 балетов. Декорации к опере «Золотой петушок» были созданы уже в годы эмиграции для театра города Виши во Франции.3.2.Воплощение образа крымской природы в пейзажах и этюдах К. КоровинаПолотна классика русского искусства, блистательного живописца Константина Алексеевича Коровина (1861 – 1939 гг.) и сегодня являются украшением любого музейного собрания. Творческая деятельность художника многогранна и довольно хорошо изучена. Вместе с тем 50 произведений живописи и графики, впервые экспонирующиеся вместе на выставке «Константин Коровин и его ученики» из музеев Крыма, Донецка и Херсона, посвященной 150-летию со дня рождения художника, позволяют вспомнить малоизвестные страницы его биографии. Они дают возможность проследить становление образной и живописной системы выдающегося мастера; поразмышлять над счастливой творческой жизнью, и при этом сложной судьбой, которую Коровин как будто не хотел признавать ни своим добродушным характером, ни радостной живописью. Произведения маэстро и учеников помогают во многом переосмыслить плоды его педагогической деятельности; подчеркивают значение колористических и пластических открытий К.А.Коровина для русской живописи XX века (соотнося их с европейскими).Константин Коровин выдающийся, многоплановый мастер – станковист, декоратор и монументалист. В его таланте - ярком, самобытном и глубоко национальном (художник хорошо «усвоил» заветы учителей Московского училища живописи, ваяния и зодчества А.К.Саврасова, В.Д.Поленова) своеобразно «откликнулись» поиски импрессионистов чистоты цвета, красоты живописной фактуры, желание передать световоздушную среду. Тонкий колорист, «Моцарт живописи», как назвал К Коровина Б.В.Иогансон, пейзажи, портреты и даже жанры писал на пленэре. Созданные им работы поражали современников яркостью, звучностью палитры, красотой верно взятого тона и цвета. Он участвовал на выставках известнейших художественных объединений: «Союз русских художников», «Мир искусства», сотрудничал с одноименным журналом, создал панно для всероссийской выставки в Нижнем Новгороде, разрабатывал эскизы интерьеров павильонов, писал декорации для Частной оперы С.И.Мамонтова, Большого и Мариинского театров.Жизнь и творчество К.А.Коровина были тесно «переплетены» с Крымом. К. Коровин очень любил этот край, солнце, воздух, море, цветы и поэтому ежегодно приезжал сюда в разное время года. Ему здесь свободно и радостно «дышалось», жилось и работалось; часто посещали друзья – художники, писатели, несколько раз приезжал Ф.И.Шаляпин. В разные годы им были написаны: картина «На берегу Черного моря» (не очень характерная для дальнейшего творчества форматная, законченная, тонко нюансированная); этюды «Ялта. Морской берег»; «Гурзуф» (1917 г.); «Вечер в Крыму; «Гурзуф» (1921 г.).В историю русского искусства К.А.Коровин вошел, прежде всего, как «первый русский импрессионист». Живопись большинства его крымских пейзажей резко отличается от живописи ранней поры. В них ярко проявилась характерная черта «русского импрессионизма» - этюдность. И все-таки, как ни парадоксально, даже при передаче живых натурных впечатлений, несмотря на некоторую незавершенность, «незализанность» холста, этюды художника «картинны».В художественной среде, у критиков и исследователей творчества К. Коровина, до сих пор сохранилось довольно устойчивое мнение о том, что маэстро практически не писал городские пейзажи. И, пожалуй, только Париж со знаменитыми бульварами, улочками, кафе, активной ночной жизнью занимал исключительное место в душе художника, а потому и отражен в его работах («Улица Монмартр»).Однако при более тщательном исследовании наследия мастера становится очевидным, что встреча еще с одним городом - с Севастополем - не была «проходной», случайной и не прошла для К. Коровина бесследно. Неоднократно художник бывал в Севастополе: иногда проездом, так как тогда многие маршруты крымских путешествий начинались отсюда; иногда задерживался, чтобы побродить по городу и порыбачить в Балаклаве. Во многих музейных и частных коллекциях хранятся яркие, солнечные, но очень узнаваемые севастопольские пейзажи. В экспозиции представлены «Фаэтон в Севастополе» (1916 г.) и «Севастополь. Рыбачья бухта» (1916 г.). Эти работы заставляют забыть зрителя о том, что они написаны в драматический период его жизни – во время тяжелой болезни мастера и трагедии с сыном.Отрадно, что Севастополь не оставил равнодушным такого прекрасного мастера, и что именно севастопольские пейзажи, по утверждению известного искусствоведа Д.З.Когана, «являются теми произведениями, которые закрепили за Коровиным славу чародея, маэстро живописи». В них очевидны изменения, произошедшие в колористической системе художника. Он почти отказался от постепенных переходов цвета, заменил тонкую тональную разработку сильными контрастами ярких насыщенных красок и в то же время, умело развивая цветовую мелодию, проявил себя прекрасным «полифонистом». Разнонаправленные, широкие мазки стали фактурными, «сочными», а движение кисти мастера - более точным и виртуозным.К. Коровин был превосходным театральным декоратором, и театр принес ему всемирную славу. Начал он свою театральную карьеру в Абрамцево в Частной опере С.И.Мамонтова, затем работал в государственных театрах, а в 1910 занял пост главного декоратора и художника-консультанта императорских театров Москвы. Одной из первых и наиболее удачных постановок в Большом театре в 1902 году следует назвать балет («мимодраму» с танцами) «Дочь Гудулы» на музыку А.Ю.Симона по роману В.Гюго «Собор Парижской Богоматери». Во время работы над декорациями вместе с балетмейстером, для лучшего проникновения в эпоху, он ездил в Париж, где очень много рисовал и писал старые улицы, на которых, вероятно, и разворачивались основные события. Уже в этом спектакле, поставленном реформатором русского балета А.А.Горским, художник выступил как сорежиссер и тоже реформатор театрального искусства, так как очень не любил «паноптикума иллюзионизма» в декорациях казенных театров К. Коровин никогда не нарушал в найденных им обобщенных образах условность театрального действия,- и вместе с тем создавал удивительно реальный мир, в котором естественно существовали и действовали поющие или танцующие люди. Спектакли (он прекрасно понимал их драматургию) превращались в великолепное зрелище, театральное, художественное, где звук, цвет, актерская игра, костюмы, соединяясь, рождали огромную силу воздействия на зрителя. Не случайно особенно близок ему выдающийся русский композитор Н.А.Римский-Корсаков своим мироощущением, музыкальностью, новой трактовкой сказочного действа, умением выразить народный дух и характеры.В мае 1914 года во время пожара в депо декораций при Малом театре сгорели почти все декорации – гигантский труд К. Коровина с 1900 года. Поэтому представленные на выставке театральные эскизы («Дочь Гудулы» (1902 г.), «Садко» (1906 г.), «Пейзаж с крепостью»), имея самостоятельную эстетическую, художественную ценность, помогают вспомнить те прекрасные спектакли и демонстрируют основные тенденции в развитии театрально-декорационного искусства начала XX века.На протяжении всего творчества мастер с увлечением писал роскошные натюрморты. В его поздних картинах наглядно проявилась еще одна характерная черта «русского импрессионизма» - декоративность. К. Коровин, в противовес французским живописцам, не растворял предметы, а подчеркивал их материальность, как гурман «смаковал» полнокровность, «осязаемость» их плоти, любовался интенсивным цветом и красотой мощно вылепленных объемов. В 1919 году из голодной Москвы К. Коровин с семьей уехал в Тверскую губернию, чтобы переждать холодную зиму, и поселился недалеко от озера Удомля в усадьбе Островна, где когда-то жил его товарищ по училищу И.И.Левитан. Там академик, профессор Константин Коровин преподавал в Детской художественной школе, был инспектором-консультантом в Художественных мастерских. Именно тогда был написан артистичный, «сочный», солнечный натюрморт «Астры и помидоры» (1919 г.).С 1899 года К.А.Коровин начал педагогическую деятельность сначала в школе Е.Н.Званцевой, а с 1901 совместно с В.А.Серовым вел портретно-жанровую мастерскую в Московском училище живописи ваяния и зодчества. Он был кумиром художественной молодежи. И хотя приходил в мастерскую не чаще двух-трех раз в месяц, каждое его появление превращалось для учащихся в праздник. Уже в начале XX века у К. Коровина появились последователи. И все-таки, многие его ученики (Л.В.Туржанский, С.Г.Никифоров, С.Ю.Судейкин, К.С.Петров-Водкин, М.С.Сарьян, Н.П.Крымов, И.И.Машков, А.В.Куприн, Р.Р.Фальк, А.М.Герасимов, Э.А.Штейнберг и другие), пройдя прекрасную коровинскую «школу», не стали подражать своему учителю. Будучи представителями разных художественных объединений (с противоположными порой творческими программами) – «Бубновый валет», «Голубая роза», «Московское товарищество художников»- они сохранили благоговейное отношение к творчеству, уважение к ремеслу, нашли свою индивидуальную манеру и самостоятельный путь в искусстве.После в революции в 1923 году К.А.Коровин уезжает с семьей во Францию, но так и не сумеет «войти» в художественную жизнь этой страны. Все последующие годы он тосковал по России, где его «художественные заветы» долго и бережно хранили ученики и последователи. Творчество маэстро, как все истинное, не устаревает до сих пор и находит отклик в душах зрителя. Не каждый художник обладает способностью видеть цвет в окружающем мире так, чтобы перенести его на полотно во всем подлинном богатстве и многообразии. Эта способность чаще всего бывает врожденной. Ею в высокой степени был наделен Константин Коровин, талантливый художник. Его дарование появилось уже в годы ученичества в Московском училище живописи и зодчества, куда он поступил в 1875 году. Занимаясь мастерской выдающегося пейзажиста А.К. Саврасова, К. Коровин вместе с другом своим, И. Левитаном, учился видеть и переносить на полотно изменчивую и одухотворенную жизнь природы. Другим их учителем в пейзажной живописи стал В.Д. Поленов, пришедший в училище на место А. Саврасова и продолживший его педагогическое направление. Поленов открыл молодым художникам красоту чистого, открытого цвета, напоенного солнечным светом.В. Поленов был для К. Коровина не только педагогом - его семья дала лишенному семейного тепла Костеньке ощущение домашнего очага, доверия, взаимной поддержки. Особенно памятны были ему летние дни в деревне Жуковка на Клязьме - здесь Поленовы снимали дачу в 1880-х годах. К. Коровин запечатлел красоту и радость этих дней в этюдах 1887-1889 гг., которые обычно и называют «жуковскими». Лучший из них – «За чайным столом».Этюд - картина, в которой молодой художник смешивает все привычные рамки и определения живописи. Не боясь о жанре, он соединяет портреты с пейзажем и великолепным натюрмортом, в котором многократно усилены и выражены радость и свежесть летнего утра, веселый разговор, молодость и обаяние сидящих за столом людей. В этюде «В лодке»К. Коровин изобразил себя вместе с художницей Машей Якунчиковой на речной прогулке.Художественный опыт учителей К. Коровин воспринял широко и творчески, обладая смелостью в живописных поисках и яркой индивидуальной манерой. Эти качества молодого художника определили не только его собственную творческую судьбу, но и многие перемены в русском искусстве XIX - начала XX века, ибо К.А. Коровин стал одним из наиболее значительных представителей русского импрессионизма.В этом художественном направлении рубежа веков выявились и сформировались самые принципиальные для русского искусства изменения, связанные с новыми живописными возможностями. В работах К. Коровина, начиная с первой, представленной на ученической выставке в 1883 г. – «Портрета хористки».Эти возможности реализовались с такой наглядностью, что молодому художнику пришлось с первых шагов вынести шквал негодования от старшего поколения художников, от зрителей и критиков, привыкших к традиционной манере живописи. Он мог гордиться тем, что одним из первых заслужил определение «декадент». В ту пору само слово «импрессионизм» произносилось как приговор, а чиновники смешивали его с политическими течениями. К. Коровин вспоминал, что у него в министерстве внутренних дел узнавали разницу между импрессионизмом и социализмом.Что же такое было в картинах К. Коровина? Прежде всего, многие из них не являлись картинами в традиционном представлении - они могли считаться лишь этюдами с натуры, то есть рабочим материалом художника, и выставлять их на всеобщее обозрение было не принято (В.Д. Поленов одним из первых нарушил это неписаное правило, выставив в начале 1880-х годов серию восточных этюдов). В таких работах сохранялись живая связь с изображаемым, живописная свобода и неоформленность, свойственная этюдам. Отказываясь дописывать работы по памяти в мастерской, Коровин утверждал ценность «чудного мгновенья», запечатленного на холсте.Он стремился как можно точнее передать реальность, которая, меняясь ежесекундно, ускользает от художника.Традиционная живопись изображает реальность «как должно быть». Новизна живописи К. Коровина и его товарищей - художников заключалась, прежде всего, в том, что они пытались написать «как есть», максимально приближаясь к ускользающей красоте мира. Это требовало новых живописных приемов - светлого колорита, составленного из чистых, звучных красок, живого широкого трепещущего мазка. К. Коровин утвердил равноправие этюда по отношению к картине. А традиционалистам такие работы казались неряшливыми, недописанными, почти неприличными. Сейчас эти картины, вызвавшие такое негодование,являются классикой русского искусства.Огромное значение имели для К. Коровина поездки во Францию, Италию, Испанию. Впечатления от художественной жизни Парижа, изучение современной французской живописи укрепляли художника в его собственных поисках. Живопись старых испанских мастеров обогащала и развивала в нем чувство цвета. В шедевре К. Коровина «У балкона. Испанки Леонора и Ампара» (1886 г.) появляется несвойственная ему ранее черно - серая гамма.В 1890-е годы в произведениях К. Коровина возникает лирический образ женщины в пейзаже или в интерьере. Это становится как бы его собственной «формулой» поэзии и красоты окружающего мира. Таковы картины «Летом» (1895 г.), «Бумажные фонари» (1898 г.).Личность художника неотделима от его творчества. В натуре Константина Коровина было много противоречивых черт. Такое сочетание считается истинно русским свойством: соединение необычайной работоспособности с ленью, жизнелюбия с болезненной мнительностью, разбросанности с внутренней сосредоточенностью, серьезностью в отношении к своему делу, бесконечными поисками правды и поэзии. Художник был истинным представителем богемы: легкомысленный, обаятельный молодой человек, любимец друзей и женщин. В жизни К. Коровина периоды напряженной творческой работы стремительно сменялись разнообразными удовольствиями. Его привычки и поступки свидетельствовали о внутренней свободе и пренебрежении условностями. Художник А.Я. Головин вспоминал, как однажды К. Коровин, придя к Поленовым в день Нового года, неожиданно остался у них на целую неделю, да так и прожил ее, не снимая фрака, в котором пришел!Любовь художника к природе, связанная с детскими годами, воплотилась в страсть к охоте, рыбной ловле и путешествиям. Особенно любил он азартную мужскую компанию художников, в которой веселые взаимные розыгрыши перемежались с серьезными разговорами об искусстве. Все свойства характера складывались в единое целое - он был Художником.ЗаключениеАнализ базовой литературы позволяет констатировать следующие факты: многократно вырос интерес к национальной истории и особенностям русского искусства; усилилось внимание к нововведениям зарубежной художественной культуры. Ни одна из многочисленных эстетических систем и художественных концепций той поры не осталась без внимания русской художественной общественности: исследователей, критиков, историков, философов, коллекционеров, простых обывателей, а уж, тем более, русских художников. Импрессионизм был той «первой ласточкой», давшей огромное количество смелых идей, которые, воплотившись на полотнах русских мастеров, подняли искусство России на общеевропейский уровень. Широкое обращение и творческое переосмысление русскими художниками опыта и новшеств зарубежного современного искусства на рубеже веков во многом определило и подготовило то триумфальное шествие, которое начиная со Всемирной выставки в Париже 1900 года и блестящих сезонов С.П.Дягилева совершило русское искусство по странам Европы и мира.В результате работы с литературой по теме дипломной работы и изучения творчества русских художников-импрессионистов, можно выделить и характерные черты такого явления как русский импрессионизм: 1) содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа; 2) меньшая динамизация и большая материальность и предметность живописи; 3) основной формой в нем стал этюд, но при этом была жива тенденция к картинной монументализации пленэра; 4) он сохранял генетическую связь с реализмом, из которого вырастал и который оживлял. Русский импрессионизм наслоился на другие движения конца XIX - начала ХХ века. Так, в тяготении позднего русского импрессионизма к декоративности, большим цветовым зонам, ритмическим построениям нельзя не видеть близости к стилю модерн. При этом чисто импрессионистическое мировосприятие делало модерну прививку несвойственной ему жизнерадостности, праздничности, мажорных настроений. А для молодых мастеров русского авангарда импрессионизм явился экспериментальной стартовой площадкой, с которой они начинали свое творчество.Впрочем мировосприятию художников - жителей Крыма в начале ХХ века, ближе оказались поиски в русле модерна и символизма. Такой направленности способствовали особенности самой природы края и древние мифы о легендарном народе-киммерийцах, которые далеким временам населяли крымские земли. Как символ старого Крыма воспринимаются романтические пейзажи К. Богаевского – ученика А. Куинджи в Санкт-Петербургской академии художеств. Пополняя уже в 1920-е гг. круг мотивов, распространенных в пейзажном жанре края, изображением волны, порыва ветра, облака, художник отходит от натурного, непосредственного визуального созерцания и отображение природы. Не работает с натурой и пишет свои акварели по представлению, создавая обобщенный образ Восточного Крыма, и другой современник Константина Богаевского - Максимилиан Волошин. Оба художника тяготели к стилистике модерна.С другой стороны, природа Крыма всегда притягивала художников. В начале ХХ века юда приезжал К. Коровин. Каждое лето он работал на даче в Гурзуфе, воплощая принципы импрессионизма в произведениях крымского цикла - «Кафе в Ялте» (1905 г.), «Пристань в Крыму» (1913 г.), «Пристань в Гурзуфе» (1917 г.), «Гурзуф» (1914 г.) и др. Побывали здесь и известные своим стремлением к эмоционально-лирического восприятия природы выдающиеся русские живописцы В.Серов и И.Левитана, а также воспитанник харьковской художественно промышленной школы М.Д. Раевской-Ивановой, а впоследствии художник импрессионистической направлении К.Первухин и ряд других талантливых художников. Впрочем новые веяния, связанные с обращением к достижениям импрессионизма, что распространялись в крупных российских и украинских художественных центрах и воплощались в творчестве этих художников, в то время не находили благоприятной почвы на крымских землях.В состав старшего поколения художников, которые составили ядро крымского художественного отделения, следует отнести и Петра Столяренко - ученика феодосийского художника и директора местной картинной галереи М.С. Барсамова, и выпускника Симферопольского художественного училищаСергея Бакаева. Валентин Бернадский - не только патриарх специфической живописной школы крымских художников, но и один из самых ярких ее представителей.Опираясь на профессиональные навыки, приобретенные из опыта своих учителей, их предшественников, которые обращались к достижениям импрессионистов, В. Бернадский продолжал воплощать и развивать их в новых исторических условиях. Цвет не был основным средством выразительности у импрессионистов: он размывался в свето-воздушной среде. В. Бернадский свое импрессионистическое восхищение красотой мгновения сочетает с влечением к гармонии ярких цветных пятен. Щедрое на тепло, а летом жаркое крымское солнце в его картинах заливает не только светом, но и сказочными цветами любые уголки крымских местностей. Обычная крымская улочка в пейзаже «Старые лестницы» (1992 г.) превращается в пейзаж необычайной красоты.Впервые на выставках вместе экспонируются полотна всемирно известного художника, блистательного живописца, первого «русского импрессиониста» К.А.Коровина и произведения его учеников: М.С.Сарьяна, А.В.Куприна, С.Ю.Судейкина, И.И.Машкова, Р.Р.Фалька, Л.В.Туржанского. Картины, крымские и севастопольские этюды, эскизы театральных декораций напоминают малоизвестные страницы биографии мастера, подчеркивают значение колористических и пластических открытий К.А.Коровина для русской живописи XX века.К. Коровину был присущ художественный универсализм. Многие художники на рубеже XIX - XX веков обращались к смежным с живописью областям творче6ства - архитектуре, декоративному искусству, театральной декорации. Но К. Коровин в отличии от других особенно заметно повлиял на развитие этих видов искусства. Его архитектурные работы относятся к области выставочных зданий. На всероссийской промышленной и художественной выставке 1896 г. в Нижнем Новгороде павильон Севера, спроектированный и оформленный Коровиным, привлек всеобщее внимание. Увлечение Серовым, его величественной красотой, повлиявшее и на живописные поиски, возникло у художника в период путешествия с В.А. Серовым на Мурман в 1894 году. Привезенные оттуда этюды стали основой больших декоративных панно, украсивших павильон Севера.Деревянная архитектура Севера стала прототипом и другой крупной архитектурной и декоративной работы К. Коровина - русского павильона на Всемирной выставке 1900 г. в Париже. В бревенчатой вкладке стен и в пластичной узорной резьбе, без аляповатости, присущей многим проектам «русского стиля», Коровин сумел передать образ России, покоривший французов. Работа К. Коровина была удостоена нескольких золотых медалей. Не случайно к тому же 1900 году относится этюд «Сарай» - одно из наиболее поэтичных воплощений северных мотивов.Огромное значение в творчестве Коровина имел театр. Магия театрального действа, волшебство музыки, пения, танца и связанное с ним волшебство декораций и костюмов создании нового Константина Коровина, творящего фантастические миры широкой кистью с длинной ручкой. Кисть театрального декоратора пришлась ему по руке сразу же - с того момента, как В.Д. Поленов познакомил молодого Коровин с С.И. Мамонтовым, в доме которого зимой 1885 г. намечалась домашняя постановка оперы Н.А. Римского - Корсакова «Снегурочка». Декорации использовались по эскизам В.М. Васнецова, и его яркие сказочные образы захватили Коровина. Влияние театральных постановок отразились в «Северной идиллии» (1886 г.), написанной К. Коровиным в форме декоративного панно.Домашние спектакли положили начало Частной опере С.И. Мамонтова, а К. Коровин стал одним из постоянных его декораторов. Он открыл для себя в этом искусстве тот размах, те исключительные живописные возможности, который требовал его художнический темперамент. В декорациях к опере Делиба «Лакме» появляются синие деревья. Это ли не знак абсолютной художественной свободы художника?Цвет приобрел в декорациях К. Коровина особенную роль и силу - именно на цветовых акцентах, на мощных красочных пятнах строился образ спектакля. Свои декорации К. Коровин не мыслил без слияния с музыкой, пением игрой актеров. С 1901 г. А. Коровин вместе с В.А. Серовым начал преподавать в своей «альма матер» - Московском училище живописи, ваяния и зодчества. С их приходом творческая атмосфера в училище изменилась, ученики соприкоснулись с новыми формами искусства. Серов и Коровин, являвшиеся в этот период центром московской школы живописи, воспитали плеяду легендарных художников, в числе которых П.Кузнецов, К. Петров - Водкин, С. Судейкин, Р. Фальк, К. Юон, И. Машков и другие. В 1900-е годы живописный дар К. Коровина расцветает, разворачивается в по